Explicarea cubismului sintetic

Pentru a clasifica experimentele cubiste revoluționare realizate de Georges Braque, Picasso și Juan Gris, istoricii de artă tind să împartă această mișcare în două etape principale numite cubismul analitic și cubismul sintetic. Deși prima fază a fost destul de inovatoare în sine, cea de-a doua a fost, fără îndoială, cea mai imaginativă perioadă a primei avangarde artistice, care a dus mișcarea la extrem. În general, se consideră că cubismul sintetic a apărut între anii 1912 și 1914. Acesta a introdus multe alternative conceptuale noi la estetica deja stabilită a cubismului. Abordarea analitică anterioară se baza, în esență, pe descompunerea unui obiect într-o imagine fragmentară, în timp ce următoarea fază a dezvoltat interesul pentru aplatizarea imaginii și măturarea tuturor urmelor de aluzie la un spațiu tridimensional.

Până când cubismul analitic a ajuns la final, acesta a încălcat deja regulile vechi de secole ale picturii, oferind o alternativă la perspectiva liniară cu un singur punct. Cu toate acestea, pe măsură ce Cubismul sintetic a început să își stabilească propriul set de reguli, scena artistică din Europa a fost luată cu asalt. Cubismul analitic era concentrat pe actul de demontare sau deconstrucție a unui obiect, dar cubismul sintetic se referea la construcția sau sinteza acestuia. Acesta făcea legătura între realitate și artă prin interpolarea la propriu a unor bucăți din lumea reală pe pânză. Bucăți de hârtie autentice înlocuiau reprezentările plate pictate ale hârtiei, caiete de muzică reale înlocuiau notațiile muzicale desenate etc. Prin extinderea mișcării până la al doilea și ultimul act, autorii și-au oferit libertatea creativă de a descrie lumea din jurul lor așa cum credeau de cuviință.

Inventarea colajului

Printre altele, conceptul de colaj ca mediu este un rezultat direct al cubismului sintetic. Această nouă formă de artă a integrat semne și fragmente de lucruri reale și a făcut parte integrantă din dezvoltarea mișcării. Prima lucrare de colaj a lui Picasso, intitulată Natură moartă cu canat de scaun, a fost creată în luna mai a anului 1912, în timp ce prima lucrare de papier collé (tradusă ca hârtie lipită) a lui Braque, intitulată Farfurie de fructe cu sticlă, a fost creată în luna septembrie a aceluiași an. Pe lângă faptul că a creat un mediu cu totul nou, care se va dovedi a fi crucial pentru multe mișcări din secolul XX, trebuie remarcat și faptul că cubismul sintetic a estompat granița dintre pictură și sculptură, deoarece majoritatea pieselor sale aveau caracteristici asemănătoare reliefului în compozițiile lor.

Caracteristicile cubismului sintetic

Pentru a înțelege pe deplin ideile cubismului sintetic, trebuie să înțelegem și precursorul său. Există câteva caracteristici care par a fi comune tuturor pieselor analitice. În primul rând, astfel de lucrări de artă apar ca o împletire aglomerată de planuri și linii în care subiectele sunt complet fracturate. Iluzia unei a treia dimensiuni este foarte importantă și se încearcă ca fiecare subiect să fie portretizat din perspective multiple. Ele sunt pictate în principal prin utilizarea unei game limitate de culori închise. Mai mult decât atât, se folosește foarte puțină variație tonală, deoarece coloritul general tinde să fie în surdină cu un ton întunecat similar.

Deși pictorii cubismului s-au bucurat de un succes respectabil cu piesele subliniate de caracteristicile menționate mai sus, întreaga mișcare s-a schimbat în jurul anului 1912. Dintr-o dată, grilele destul de complicate ale Cubismului analitic au dispărut complet. În schimb, ceea ce a fost dezvăluit se va dovedi în cele din urmă a fi cel mai radical aspect al Cubismului Sintetic. Ca o alternativă la ideea de a reduce un obiect existent la o grilă, autorii alegeau acum să construiască (sau să sintetizeze) întreaga compoziție din mintea lor, folosind materiale și forme neobișnuite. Cu alte cuvinte, în loc să privească îndeaproape un obiect, cum ar fi o vioară, pentru a-i interpreta forma și structura, autorii creau o formă asemănătoare unei viori din imaginația lor. Spre deosebire de reasamblarea unor fațete ale imaginii originale, era vorba de sintetizarea unor structuri complet noi. Folosind simbolurile realității prezente, artiștii creau ceva cu totul nou, dar destul de familiar. Cubismul sintetic a prezentat, de asemenea, o gamă complet nouă de texturi și a încorporat o mare varietate de materiale străine. Mai mult, a dispărut orice simț al tridimensionalității, o trăsătură care a fost destul de prezentă în faza inițială a mișcării.

Jucându-se cu realitatea

Procesul de încorporare în compozițiile lor a resturilor de materiale de zi cu zi, cum ar fi tăieturi de hârtie, bilete și dosare de tutun, a marcat o îndepărtare de intelectualismul cubismului analitic, îndreptând cursul spre un set de estetică mai relaxată și mai jucăușă. După ce și-au permis libertatea creativă de a descrie lumea din jurul lor așa cum au crezut de cuviință, pictorii cubismului sintetic au descoperit o abordare incredibil de inventivă a realizării de imagini. Practic, nu mai existau restricții de niciun fel, deoarece singurele limite erau stabilite de cantitatea de creativitate pe care o dețineau artiștii. Acești autori, în special Braque și Picasso, foloseau fragmente de colaj alături de desene sau porțiuni pictate din lucrările lor. De exemplu, aceștia puteau colaja o bucată dintr-o revistă reală pentru a reprezenta un ziar real în cadrul compozițiilor, dar o plasau alături de o sticlă desenată complet în cărbune. Cu toate acestea, un artist ar putea, de asemenea, să modeleze o astfel de sticlă cu decupaje. Interesant este faptul că această imitare a suprafețelor și texturilor a fost cea care a adus ultima fază a cubismului prefixul său – sintetic. Acesta trebuia să fie un indicator al modului în care ceva artificial ar putea fi folosit pentru a descrie un material în cadrul unei imitații a altceva.

Ipoteza inițială care a ajutat la conturarea cubismului sintetic a fost ideea introducerii unor elemente fizice care aveau scopul de a face imaginile să pară mai reale. Utilizarea bucăților banale și a bucăților de gunoi cotidian a fost un asalt intenționat la adresa înaltei mentalități a ceea ce era perceput ca artă fină la acea vreme. Prin includerea unor astfel de elemente în opere de artă respectate, artiștii cubiști au sugerat că arta poate fi realizată cu foarfecă și lipici la fel de eficient ca și cu pensule și vopsea. Aceasta a fost o inovație enormă în epocă, care a avut un impact definitiv asupra scenei artistice.

Cei mai faimoși practicanți și opere de artă

La nivel conceptual, cubismul sintetic a dat frâu liber creativității fiecărui pictor, astfel încât acesta să-și găsească propriul proces de utilizare a acestui mod nou și inventiv de a concepe forma. Mulți dintre acești artiști au optat pentru a picta compoziții de natură moartă, deoarece acest gen era alegerea obișnuită pentru mulți dintre ei, dar au existat și compoziții cu instrumente muzicale, arlechini și alte teme tipic cubiste. Toți acești pictori au produs opere de artă jucăușe, deoarece aceasta a fost în mod evident o tendință comună a tuturor celor care au contribuit la faza finală a cubismului.

Pablo Picasso

Ferocunoscutul spaniol a realizat prima sa lucrare de colaj sintetic în anul 1911, intitulând-o Natură moartă cu scaun-cântar. În ea, autorul a încorporat o bucată de pânză de ulei și o frânghie lungă alături de materialele tradiționale aflate la dispoziția pictorului. Modelul de pânză de ulei era menit să simuleze barele scaunului, iar frânghia îndeplinea rolul unei rame de tablou. Mai degrabă decât să înfățișeze un scaun, o parte a unui scaun a fost de fapt pusă pe piesă, iar acesta a fost cel mai revoluționar aspect al compozițiilor. Deși Picasso a avut o abordare jucăușă și dezinvoltă în realizarea acestei piese, Chair-Caning a devenit un prototip al tuturor experimentelor ready-made ulterioare, având un impact extins asupra lui Marcel Duchamp. În ciuda faptului că acest tablou este cea mai emblematică lucrare sintetică a lui Picasso, seria sa numită Chitare este cea mai populară. Pentru aceste opere de artă, el a folosit ziare, foi de muzică, tapet, diverse țesături, carton etc. De asemenea, a încorporat cărbune, creion, ulei, ceară, lemn și alte obiecte gata făcute, cum ar fi lingurițele. Alte lucrări sintetice remarcabile pe care Picasso le-a semnat în timpul său sunt: Taverna (1914), Pipa, Paharul, Asul de treflă, Sticla de bas, Chitara, Ma Jolie, Zarurile (1914), Arlechino (1915), Omul cu pipa (1915) și Trei muzicieni (1921).

Georges Braque

În ceea ce-l privește pe Georges Braque, noul tip de creație a fost expus în două lucrări de artă. În The Portuguese (1911), a început să experimenteze amestecarea unor materiale precum rumegușul cu vopseaua sa, cu scopul de a crea texturi interesante. Aceasta a fost prima dată când cineva a adăugat nisip la o suprafață picturală pentru a adăuga niveluri de textură și profunzime. A introdus, de asemenea, utilizarea literelor scrise cu șablon, o caracteristică care va avea un efect important aproximativ o jumătate de secol mai târziu, când intervențiile situaționiste încep să apară în Franța. Ca o reacție la Scaunele-cântec ale lui Picasso, Braque a început să folosească hârtie colorată imprimată sau decorativă în cadrul propriilor sale compoziții. Prima sa utilizare înregistrată a papier collé a fost în Fructieră și pahar (1912). În acest tablou, Braque a utilizat bucăți decupate de tapet și apoi a umbrit piesa folosind vopsea umplută cu nisip. Pe lângă faptul că este una dintre cele mai importante lucrări de artă sintetică, „Fruit Dish and Glass” este, de asemenea, un mare indicator al modului în care autorul a dorit să se îndepărteze de natura serioasă și prea complexă a cubismului analitic. Alte exemple de lucrări Sintetice ale lui Georges sunt Sticlă, ziar, pipă și sticlă (1913), Vioara (1914) și Tânără femeie cu chitară (1913).

Juan Gris

Deși Juan Gris este considerat a fi cel mai puțin semnificativ și productiv decât cei doi autori de mai sus, el poate fi totuși descris ca fiind cel mai poetic al mișcării. În Farfuria de fructe (1916) a lui Gris, acesta a încorporat toate conceptele principale ale cubismului sintetic cu mare succes. Analizând această lucrare, este ușor să recunoaștem forma generală a unui compot și să identificăm câteva forme colorate ca fiind bucăți de fructe. De asemenea, se pot distinge blatul mesei și ceva ce pare a fi umbra bolului din dreapta bazei. În lucrarea Fereastra deschisă (1917) a lui Gris, putem vedea o piesă care este compusă din forme simple dominate de albastru moale, griuri și alburi modificate. Acesta este probabil cel mai bun exemplu care arată exact de ce Juan Gris a fost și încă este perceput ca fiind poetul cubismului sintetic – întreaga compoziție este plină de o atmosferă blândă și liniștită care nu poate fi găsită în nicio lucrare a lui Picasso sau Braque.

Influența cubismului sintetic asupra artei

Deși izbucnirea Primului Război Mondial a pus o mare piedică în dezvoltarea cubismului sintetic, mulți artiști au continuat să evolueze chiar și în timpul anilor de război. Din nefericire, mulți autori și discipoli ai acestora erau plecați să lupte pe fronturi și își pierdeau viața în tranșeele din Europa, așa că este corect să spunem că acest act final al cubismului ar fi fost mult mai avansat dacă progresul său ar fi avut loc în vremuri mai pașnice. Picasso a fost unul dintre autorii care au evitat încorporarea în armată, așa că a rămas mintea centrală din spatele vizualului sintetic pentru tot restul existenței sale. Deși liniile temporale sunt puțin neclare în această privință, mulți experți sunt de acord că cel mai inovator segment al Cubismului Sintetic s-a încheiat aproximativ când a început Primul Război Mondial în 1914.

Deși natura Cubismului Sintetic a fost destul de sprintenă și capricioasă, majoritatea criticilor de artă îl tratează foarte serios și citesc o semnificație enormă în realizările sale. Această perioadă a operelor de artă cubiste a explorat multe terenuri noi care au servit un rol important în cadrul majorității mișcărilor de avangardă care au venit după ea. Modul în care a tratat compoziția picturală, a încorporat elemente media mixte, a dat frâu liber creativității autorului și s-a bazat pe utilizarea unor materiale neconvenționale – toate aceste caracteristici au avut un ecou masiv în restul secolului XX. Noul vocabular stilistic și un idiom tehnic al cubismului sintetic au servit drept punct de plecare pentru o serie de mișcări și școli anti-arte, cum ar fi suprarealismul și faimoasa Dada. De asemenea, a influențat mulți artiști tineri notabili, printre care se numără Jacob Lawrence, Romare Bearden și Hans Hoffman, printre mulți alții. În plus, integrarea de către cubismul sintetic a artei înalte și a celei joase poate fi considerată teza principală a Pop Art, cea mai tânără dintre marile mișcări artistice ale secolului XX. Prin toți acești succesori spirituali, moștenirea Cubismului Sintetic este practic gravată în paginile istoriei artei și este sigur să presupunem că întreaga scenă contemporană nu ar fi fost la fel dacă stilul cubist târziu nu ar fi generat o astfel de practică plină de imaginație.

Consiliu de redacție: Secolul sintetic: Colajul de la cubism la postmodernism

Inventat în anul 1912 în timpul investigațiilor colaborative ale lui Braque și Picasso, cubismul sintetic a combinat obiecte reale cu materiale tradiționale de artă plastică pe o suprafață bidimensională. Secolul sintetic: Collage from Cubism to Postmodernism este o privire fantastică asupra modului în care și a motivelor care au dus la apariția cubismului sintetic. Acesta analizează istoria și practicienii săi, precum și ideile din spatele acestei mișcări, probabil cea mai revoluționară mișcare de la începutul avangardei artistice. Secolul sintetic: Collage from Cubism to Postmodernism prezintă, de asemenea, cititorilor diverse exemple de piese sintetice, permițând tuturor celor interesați să vadă la fața locului cum arată astfel de lucrări de artă și ce anume înseamnă ele. Pe lângă faptul că dedică multe pagini analizei cubismului sintetic și investighează modul în care a fost folosit colajul pentru a concepe conceptele sale, această carte examinează, de asemenea, cât de influentă a fost ultima fază a lui Braque și Picasso pentru restul artei secolului XX.

1. Eimert, D., Apollinaire, G., Cubism (Colecția Art of Century), Parkstone International, 2014
2. Hodermarsky, E., Synthetic Century: Collage from Cubism to Postmodernism, Yale University Art Gallery, 2006
4. Podoksik, A., Eimert, D., Apollinaire, G., Le Cubisme, Parkstone International, 2013
5. Berger, J., The Moment of Cubism, NY: Pantheon, 1969
6. Rosenblum, R., Cubism, Robert Rosenblum, „Cubism,” Readings in Art History 2 (1976), , 1976
7. The Picasso Project , Picasso’s Pictures, Watercolors, Drawings & Sculpture: Synthetic Cubism – 1913-1916, Alan Wofsy Fine Arts; ediția 1, 2016
8. Berger, J. The Success and Failure of Picasso, Penguin Books, 1965
9. Robbins, D., Jean Metzinger: At the Center of Cubism, The University of Iowa Museum of Art, J. Paul Getty Trust, University of Washington Press, 1985
10. Cooper, D., The Cubist Epoch, NY: Pantheon, 1971

Imagini recomandate: Picasso – Natură moartă cu baston de scaun, 1912 – Imagine via pinterest.com; Juan Gris – Fereastra deschisă, 1917 – Imagine via ibiblio.org; Picasso – Sticlă de Vieux Marc, sticlă, chitară și ziar, 1913 – Imagine via tate.org.uk

.