Per classificare i rivoluzionari esperimenti cubisti fatti da Georges Braque, Picasso e Juan Gris, gli storici dell’arte tendono a dividere questo movimento in due fasi principali chiamate Cubismo Analitico e Sintetico. Anche se la prima fase fu abbastanza innovativa di per sé, la seconda fu probabilmente il periodo più fantasioso della prima arte d’avanguardia che portò il movimento ai suoi estremi. Il Cubismo sintetico è generalmente considerato come avvenuto tra gli anni 1912 e 1914. Ha introdotto molte nuove alternative concettuali all’estetica già stabilita del Cubismo. Il precedente approccio analitico si basava essenzialmente sulla scomposizione di un oggetto in un’immagine frammentaria, mentre la fase successiva sviluppò l’interesse per appiattire l’immagine e spazzare via ogni traccia di allusione a uno spazio tridimensionale.
Quando il Cubismo Analitico giunse alla fine, aveva già rotto le regole secolari della pittura fornendo un’alternativa alla prospettiva lineare monopunto. Tuttavia, quando il Cubismo Sintetico cominciò a stabilire il proprio insieme di regole, la scena artistica europea fu presa d’assalto. Il cubismo analitico si concentrava sull’atto di smontare o decostruire un oggetto, ma il cubismo sintetico era tutto sulla sua costruzione o sintesi. Colmava il divario tra la realtà e l’arte interpolando letteralmente pezzi del mondo reale sulla tela. Pezzi di carta autentici sostituivano le rappresentazioni piatte dipinte della carta, veri quaderni di musica sostituivano la notazione musicale disegnata, ecc. Espandendo il movimento al suo secondo e ultimo atto, gli autori si diedero la libertà creativa di rappresentare il mondo intorno a loro come meglio credevano.
L’invenzione del collage
Tra le altre cose, il concetto di collage come mezzo è un risultato diretto del Cubismo Sintetico. Questa nuova forma d’arte integrava segni e frammenti di cose reali e fu parte integrante dello sviluppo del movimento. La prima opera di collage di Picasso, intitolata Natura morta con sedia di canne, fu creata nel maggio del 1912, mentre il primo papier collé (tradotto come carta incollata) di Braque, intitolato Piatto di frutta con bicchiere, fu creato nel settembre dello stesso anno. Oltre a stabilire un mezzo completamente nuovo che si rivelerà cruciale per molti movimenti del XX secolo, va anche notato che il cubismo sintetico ha confuso la linea tra pittura e scultura, in quanto la maggior parte dei suoi pezzi avevano caratteristiche simili al rilievo all’interno delle loro composizioni.
Caratteristiche del Cubismo Sintetico
Per comprendere appieno le idee del Cubismo Sintetico, bisogna capire anche il suo precursore. Ci sono alcune caratteristiche che sembrano essere comuni a tutte le opere analitiche. Prima di tutto, tali opere d’arte appaiono come un intreccio occupato di piani e linee dove i soggetti sono completamente fratturati. L’illusione di una terza dimensione è molto importante e ogni soggetto è tentato di essere ritratto da prospettive multiple. Sono dipinti principalmente utilizzando una gamma limitata di colori scuri. Inoltre, c’è pochissima variazione tonale utilizzata poiché la colorazione generale tende ad essere smorzata con un tono scuro simile.
Anche se i pittori del cubismo hanno goduto di una rispettabile quantità di successo con i pezzi sottolineati dalle caratteristiche di cui sopra, l’intero movimento è cambiato intorno all’anno 1912. Improvvisamente, le griglie piuttosto complicate del cubismo analitico erano completamente scomparse. Invece, ciò che si rivelò alla fine si rivelò essere l’aspetto più radicale del Cubismo Sintetico. In alternativa all’idea di scomporre un oggetto esistente in una griglia, gli autori sceglievano ora di costruire (o sintetizzare) l’intera composizione dalla loro mente usando materiali e forme non comuni. In altre parole, invece di guardare da vicino un oggetto come un violino per interpretarne la forma e la struttura, gli autori creavano una forma simile al violino dalla loro immaginazione. Contrariamente al riassemblaggio di sfaccettature dell’immagine originale, si trattava di sintetizzare strutture completamente nuove. Utilizzando i simboli della realtà presente, gli artisti creavano qualcosa di completamente nuovo, ma abbastanza familiare. Il cubismo sintetico presentava anche una gamma completamente nuova di texture e incorporava un’ampia varietà di materiali estranei. Inoltre, scomparve ogni senso di tridimensionalità, una caratteristica che era abbastanza presente nella fase iniziale del movimento.
Giocare con la realtà
Il processo di incorporare scarti di materiali quotidiani come ritagli di carta, biglietti e cartelle del tabacco nelle loro composizioni segnò un allontanamento dall’intellettualismo del cubismo analitico, dirigendo il corso verso un’estetica più rilassata e giocosa. Dopo essersi concessi la libertà creativa di rappresentare il mondo che li circondava come meglio credevano, i pittori del Cubismo Sintetico scoprirono un approccio incredibilmente inventivo alla creazione di immagini. Non c’erano praticamente più restrizioni di alcun tipo, dato che gli unici confini erano posti dalla quantità di creatività che gli artisti possedevano. Questi autori, specialmente Braque e Picasso, usavano frammenti di collage accanto a disegni o porzioni dipinte dei loro pezzi. Per esempio, potrebbero collage un pezzo di una vera rivista per rappresentare un vero giornale all’interno delle composizioni, ma metterlo accanto a una bottiglia completamente disegnata a carboncino. Tuttavia, un artista potrebbe anche modellare tale bottiglia con ritagli. È interessante notare che fu questo mimetismo di superfici e texture a far guadagnare all’ultima fase del cubismo il suo prefisso – sintetico. Doveva essere un indicatore di come qualcosa di artificiale potesse essere usato per descrivere un materiale all’interno di un’imitazione di qualcos’altro.
Il presupposto iniziale che aiutò a dare forma al Cubismo Sintetico fu l’idea di introdurre elementi fisici che avevano lo scopo di far sembrare le immagini più reali. L’uso di pezzi banali di spazzatura quotidiana era un assalto intenzionale all’altezzosità di ciò che era percepito come arte all’epoca. Includendo tali elementi all’interno di opere d’arte rispettate, gli artisti cubisti suggerirono che l’arte poteva essere fatta con forbici e colla tanto efficacemente quanto con pennelli e pittura. Questa fu un’enorme innovazione per l’epoca, che influenzò la scena artistica per sempre.
The Most Famous Practitioners and Artworks
A livello concettuale, il Cubismo Sintetico liberò ogni pittore in modo che potesse trovare il proprio processo per usare questo nuovo e inventivo modo di concepire la forma. Molti di questi artisti scelsero di dipingere composizioni di nature morte, dato che questo genere era la scelta abituale per molti, ma ci furono anche composizioni con strumenti musicali, Arlecchini e altri temi tipicamente cubisti. Tutti questi pittori produssero opere d’arte giocose, poiché questa era ovviamente una tendenza comune di chiunque contribuisse alla fase finale del Cubismo.
Pablo Picasso
Il famoso spagnolo produsse il suo primo pezzo di collage sintetico nell’anno 1911, intitolandolo Still Life with Chair-Caning. In essa, l’autore incorporò un pezzo di tela oleata e una lunga corda insieme ai materiali tradizionali a disposizione del pittore. Il motivo della tela oleata aveva lo scopo di simulare le barre della sedia e la corda aveva il ruolo di una cornice. Piuttosto che raffigurare una sedia, una parte di una sedia fu effettivamente messa sul pezzo e questo fu l’aspetto più rivoluzionario delle composizioni. Anche se Picasso ebbe un approccio giocoso e casuale nel realizzare questo pezzo, Chair-Caning divenne un prototipo di tutti i successivi esperimenti di ready-made, avendo un ampio impatto su Marcel Duchamp. Nonostante questo dipinto sia l’opera sintetica più iconica di Picasso, la sua serie chiamata Guitars è la più popolare. Per queste opere ha usato giornali, fogli di musica, carte da parati, vari tessuti, cartone, ecc. Incorporò anche carboncino, matita, olio, cera, legno e altri oggetti già pronti come i cucchiaini. Altri pezzi sintetici più notevoli che Picasso realizzò nel suo tempo sono La taverna (1914), Pipa, Vetro, Asso di fiori, Bottiglia di basso, Chitarra, Ma Jolie, Dadi (1914), Arlecchino (1915), Uomo con la pipa (1915) e Tre musicisti (1921).
Georges Braque
Per quanto riguarda Georges Braque, il nuovo tipo di creazione fu mostrato in due opere. In The Portuguese (1911), iniziò a sperimentare mescolando materiali come la segatura con la sua pittura con l’obiettivo di creare texture interessanti. Questa fu la prima volta che qualcuno aggiunse sabbia a una superficie pittorica per aggiungere livelli di texture e profondità. Introdusse anche l’uso del lettering stenciled, una caratteristica che avrà un grande effetto circa mezzo secolo dopo, quando gli interventi situazionisti inizieranno ad emergere in Francia. Come reazione alla Chair-Caning di Picasso, Braque iniziò a usare carta stampata o decorativa a colori all’interno delle sue composizioni. Il suo primo uso registrato del papier collé fu in Fruit Dish and Glass (1912). In questo quadro, Braque utilizzò pezzi ritagliati di carta da parati e poi ombreggiò il pezzo usando vernice riempita di sabbia. Oltre ad essere una delle opere sintetiche più importanti, Piatto di frutta e vetro è anche un grande indicatore di come l’autore voleva allontanarsi dalla natura seria ed eccessivamente complessa del cubismo analitico. Alcuni altri esempi di opere sintetiche di Georges sono Bottiglia, Giornale, Pipa e Vetro (1913), Il Violino (1914) e Giovane donna con chitarra (1913).
Juan Gris
Anche se Juan Gris è considerato il meno significativo e produttivo dei due autori precedenti, può comunque essere descritto come il più poetico del movimento. Nel suo Piatto di frutta (1916), Gris ha incorporato tutti i principali concetti del cubismo sintetico con grande successo. Analizzando quest’opera, è facile riconoscere la forma generale di una composta e identificare un paio di forme colorate come pezzi di frutta. Anche il piano del tavolo e qualcosa che sembra essere l’ombra della ciotola a destra della base sono distinguibili. In The Open Window (1917) di Gris, possiamo vedere un’opera composta da forme semplici dominate da azzurri tenui, grigi e bianchi modificati. Questo è probabilmente il miglior esempio che mostra esattamente perché Juan Gris era ed è ancora percepito come il poeta del cubismo sintetico – l’intera composizione è piena di un umore gentile e tranquillo che non può essere trovato in nessun pezzo di Picasso o Braque.
L’influenza del Cubismo Sintetico sull’arte
Anche se lo scoppio della Prima Guerra Mondiale mise a dura prova lo sviluppo del Cubismo Sintetico, molti artisti continuarono a svilupparlo anche durante gli anni della guerra. Sfortunatamente, molti autori e i loro discepoli erano fuori a combattere sui fronti e a perdere la vita nelle trincee in giro per l’Europa, quindi è giusto dire che questo atto finale del cubismo sarebbe stato molto più avanzato se il suo progresso fosse avvenuto in tempi più pacifici. Picasso fu uno degli autori che evitò la leva militare, quindi rimase la mente cardine dietro le immagini sintetiche per il resto della sua esistenza. Anche se le linee temporali sono un po’ sfocate su questo, molti esperti concordano sul fatto che il segmento più innovativo del Cubismo Sintetico finì approssimativamente quando iniziò la prima guerra mondiale nel 1914.
Anche se la natura del Cubismo Sintetico era abbastanza vivace e capricciosa, la maggior parte dei critici d’arte lo trattano molto seriamente e leggono un enorme significato nei suoi risultati. Questo periodo di opere d’arte cubiste esplorò molti nuovi terreni che servirono un grande ruolo all’interno della maggior parte dei movimenti d’avanguardia che vennero dopo di esso. Il modo in cui trattò la composizione pittorica, incorporò elementi di media misti, scatenò la creatività dell’autore e fece affidamento sull’uso di materiali non convenzionali – tutte queste caratteristiche echeggiarono massicciamente per tutto il resto del XX secolo. Il nuovo vocabolario stilistico e un idioma tecnico del cubismo sintetico servirono come punto di partenza per una serie di movimenti e scuole anti-arte, come il surrealismo e il famigerato Dada. Influenzò anche molti notevoli artisti più giovani, come Jacob Lawrence, Romare Bearden e Hans Hoffman, tra molti altri. Inoltre, l’integrazione del cubismo sintetico tra arte alta e bassa può essere considerata la tesi principale della Pop Art, il più giovane dei grandi movimenti artistici del XX secolo. Attraverso tutti questi successori spirituali, l’eredità del Cubismo Sintetico è virtualmente incisa nelle pagine della storia dell’arte ed è lecito presumere che l’intera scena contemporanea non sarebbe la stessa se il tardo stile cubista non avesse generato una pratica così immaginativa.
Inventato nel 1912 durante le ricerche collaborative di Braque e Picasso, il cubismo sintetico combinava oggetti reali con materiali tradizionali delle belle arti su una superficie bidimensionale. Secolo sintetico: Collage from Cubism to Postmodernism è un fantastico sguardo su come e perché è nato il cubismo sintetico. Analizza la sua storia e i suoi praticanti, così come le idee dietro questo movimento probabilmente più rivoluzionario nella prima arte d’avanguardia. Secolo sintetico: Collage from Cubism to Postmodernism presenta ai lettori anche vari esempi di pezzi sintetici, permettendo a chiunque sia interessato di vedere in prima persona come appaiono tali opere d’arte e cosa significano esattamente. Oltre a dedicare molte pagine all’analisi del cubismo sintetico e a indagare come il collage sia stato usato per concepire i suoi concetti, questo libro esamina anche quanto sia stata influente l’ultima fase di Braque e Picasso per il resto dell’arte del XX secolo.
- Eimert, D., Apollinaire, G., Cubismo (Art of Century Collection), Parkstone International, 2014
- Hodermarsky, E., Synthetic Century: Collage from Cubism to Postmodernism, Yale University Art Gallery, 2006
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- Berger, J., The Moment of Cubism, NY: Pantheon, 1969
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- Berger, J. The Success and Failure of Picasso, Penguin Books, 1965
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- Cooper, D., The Cubist Epoch, NY: Pantheon, 1971
Immagini in evidenza: Picasso – Natura morta con la fustigazione della sedia, 1912 – Immagine via pinterest.com; Juan Gris – La finestra aperta, 1917 – Immagine via ibiblio.org; Picasso – Bottiglia di Vieux Marc, bicchiere, chitarra e giornale, 1913 – Immagine via tate.org.uk