Seven Tips for Writing a Children’s Picture Book

David O’Connell è uno scrittore e illustratore che vive a Londra, Regno Unito. Il suo primo libro è stato Monster & Chips, il primo di una serie di divertenti (e rivoltanti) avventure dell'”hooman” Joe Shoe mentre lavora al Monster Diner del simpatico mostro Fuzzby Bixington. Ha poi collaborato con Sarah McIntyre al libro illustrato Jampires, ispirato da un fumetto che hanno improvvisato insieme. Ha anche collaborato con Sam Watkins, Francesca Gambatesa e Tom Nicoll. La sua ultima serie è The Dundoodle Mysteries, illustrata da Claire Powell.

Siamo entusiasti di accogliere David alla CBC come tutor del nostro corso Writing a Children’s Picture Book. La sua amica e co-autrice di Jampires, Sarah McIntyre, è il tutor del corso Illustrare un libro illustrato per bambini – e insieme insegnano il nostro corso combinato Scrivere e Illustrare un libro illustrato per bambini. Qui David dà alcuni ottimi consigli per aiutarvi a costruire la vostra fiducia, sviluppare le vostre idee e iniziare a scrivere il vostro libro illustrato per bambini:

Ogni scrittore ha preso una strada diversa per arrivare alla pubblicazione, e non ci sono regole rigide e veloci su come farlo. La gente spesso presume che scrivere libri illustrati debba essere un percorso facile, perché sono brevi e non complicati, con personaggi semplici. Questo è SBAGLIATO: i libri illustrati sono tra le cose più difficili da scrivere, e sono realizzati con cura. Ogni parola è meticolosamente selezionata e controllata. E questo è solo come dovrebbe essere: quanti di noi ricordano ancora una storia preferita dell’infanzia? Un libro illustrato potrebbe essere la prima esposizione di un bambino ai libri e alla lettura, una vetrina per nuove idee ed esperienze, con immagini che lo trasportano nel mondo (e oltre). Un libro illustrato potrebbe fare un’impressione che dura tutta la vita. Trattatelo con rispetto.

Ecco i miei consigli:

1. Finisci la storia. Questa potrebbe sembrare una cosa stupida da mettere al primo posto, ma segna la differenza tra uno scrittore e qualcuno che vuole scrivere. Mettete la vostra storia su carta. Usa tutte le parole che vuoi, falla lunga quanto vuoi. Dimentica la grammatica. Basta che la storia sia scritta e finita, con un finale adeguato e soddisfacente. La lavorazione viene dopo. Con l’esperienza, modificherai man mano che vai avanti.

2. Crea dei personaggi di cui i tuoi lettori si preoccupino. Non importa se il tuo personaggio principale è un bambino, una principessa, un alieno o una papera – vuoi che piaccia ai tuoi lettori. Il lettore va in viaggio con il personaggio – e il personaggio sarà confrontato con il mondo che lo circonda e avrà bisogno di affrontarlo. Volete che i vostri lettori facciano il tifo per il bambino/principessa/alieno/anatra per tutto il viaggio, quindi assicuratevi che il personaggio sia accattivante ma anche, cosa importante, credibile. A volte è utile creare un profilo del personaggio a cui fare riferimento, dettagliando personalità e stranezze, per assicurarsi che il comportamento del bambino/principessa/alieno/anatra sia coerente per tutto il racconto.

3. Ricorda che ci sono le immagini. I libri illustrati sono una partnership tra uno scrittore e un illustratore. L’illustratore ha un ruolo uguale nel raccontare la storia, uguale ma complementare. Le illustrazioni non dovrebbero essere una ripetizione delle parole, dovrebbero valorizzarle. Non recintare l’illustratore con troppi dettagli e descrizioni. La tua storia dovrebbe suggerire le immagini, ma non compilarle. Dai al tuo illustratore la libertà di essere creativo e di divertirsi: quando si diverte produce il suo lavoro migliore.

4. Sfrutta al massimo il formato. Un libro illustrato può essere pieno di immagini brillanti e audaci. Girare la pagina è un evento. Approfitta di questo anche nella tua scrittura. Vuoi che il lettore sia desideroso di vedere cosa succede nella pagina successiva e continuare il libro fino alla fine. Crea la tua storia per impostare i giri di pagina per il massimo impatto – ognuno è un potenziale cliff-hanger! Questo non funziona solo per i grandi momenti drammatici, ma anche per quelli tranquilli ed emotivi.

5. Leggi la tua storia ad alta voce. Meglio ancora, falla leggere a qualcun altro ad alta voce. È più facile sentire gli errori o le frasi che non funzionano. Questo vale doppio se stai scrivendo una storia in rima. Se ti ritrovi a inciampare nelle tue stesse parole, allora lo faranno anche i tuoi lettori. Non dimenticare che è improbabile che un bambino piccolo legga il libro da solo. Un genitore o un altro adulto leggerà per loro (probabilmente ripetutamente!). È una performance a cui il bambino può partecipare. Avere un ritornello o un coro ripetuto può renderla un’esperienza condivisa tra lettore e pubblico.

6. Aggiungere un po’ di pepe! Con quell’idea della performance in mente, ci sono posti nella tua storia dove il testo potrebbe essere reso più interessante, con una trama sonora o effetti? Per esempio, usate ‘smashed’ invece di ‘broken’, ‘scurried’ invece di ‘ran’ – sono più suggestivi visivamente. ‘BOOM!’ è tutto ciò di cui potresti aver bisogno per descrivere un’esplosione. E se fosse l’unica parola su tutta la pagina? A volte meno è meglio quando si tratta di impatto visivo.

7. Rendere gli inizi allettanti e i finali sorprendenti. L’inizio e la fine delle storie hanno bisogno di un’attenzione speciale. L’inizio deve attirare il lettore, dargli un assaggio del personaggio, del mondo in cui vive e un senso di ciò che verrà. Questo è un ordine piuttosto alto per un paio di righe di testo! Con il finale, legate tutti i fili sciolti e assicuratevi che il vostro personaggio abbia risolto la storia da solo senza alcun aiuto esterno. Ma è sempre divertente aggiungere un piccolo colpo di scena per dare al lettore un’ultima sorpresa o una risata. Questo distinguerà la vostra storia e riporterà il lettore al vostro libro ancora e ancora.

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