Afin de classer les expériences cubistes révolutionnaires réalisées par Georges Braque, Picasso et Juan Gris, les historiens de l’art ont tendance à diviser ce mouvement en deux étapes principales appelées cubisme analytique et cubisme synthétique. Bien que la première phase ait été assez innovante en soi, la seconde est sans doute la période la plus imaginative de l’art d’avant-garde précoce, qui a poussé le mouvement à l’extrême. On considère généralement que le cubisme synthétique a eu lieu entre 1912 et 1914. Il a introduit de nombreuses nouvelles alternatives conceptuelles à l’esthétique déjà établie du cubisme. L’approche analytique précédente était essentiellement basée sur la décomposition d’un objet en une image fragmentaire, tandis que la phase suivante a développé un intérêt pour l’aplatissement de l’image et le balayage de toute trace d’allusion à un espace tridimensionnel.
Au moment où le Cubisme analytique a pris fin, il avait déjà brisé les règles séculaires de la peinture en offrant une alternative à la perspective linéaire à point unique. Cependant, lorsque le Cubisme synthétique a commencé à établir son propre ensemble de règles, la scène artistique de l’Europe a été prise d’assaut. Le cubisme analytique se concentrait sur l’acte de démonter ou de déconstruire un objet, tandis que le cubisme synthétique se concentrait sur sa construction ou sa synthèse. Il comble le fossé entre la réalité et l’art en interpolant littéralement des morceaux du monde réel sur la toile. D’authentiques morceaux de papier remplaçaient les représentations plates peintes, de vrais carnets de musique remplaçaient les notations musicales dessinées, etc. En étendant le mouvement à son deuxième et dernier acte, les auteurs se sont donné la liberté créative de dépeindre le monde qui les entoure comme ils l’entendaient.
L’invention du collage
Entre autres choses, le concept de collage en tant que médium est un résultat direct du cubisme synthétique. Cette nouvelle forme d’art intégrait des signes et des fragments de choses réelles et faisait partie intégrante du développement du mouvement. Le premier collage de Picasso, intitulé Nature morte avec cannage de chaise, a été réalisé en mai 1912, tandis que le premier papier collé de Braque, intitulé Coupe de fruits avec verre, a été créé en septembre de la même année. Outre l’établissement d’un médium entièrement nouveau qui s’avérera crucial pour de nombreux mouvements du 20e siècle, il convient également de noter que le cubisme synthétique a brouillé la ligne entre la peinture et la sculpture, car la plupart de ses pièces présentaient des caractéristiques en relief dans leurs compositions.
Caractéristiques du cubisme synthétique
Pour bien saisir les idées du cubisme synthétique, il faut également comprendre son précurseur. Il y a quelques caractéristiques qui semblent être communes à toutes les pièces analytiques. Tout d’abord, ces œuvres se présentent comme un entrelacs de plans et de lignes où les sujets sont complètement fracturés. L’illusion d’une troisième dimension est très importante et chaque sujet est tenté d’être dépeint sous de multiples perspectives. Ils sont peints principalement en utilisant une gamme limitée de couleurs sombres. En outre, il y a très peu de variation tonale utilisée, car la coloration générale a tendance à être atténuée avec un ton sombre similaire.
Bien que les peintres du cubisme aient joui d’un succès respectable avec les pièces soulignées par les caractéristiques susmentionnées, le mouvement entier a changé autour de l’année 1912. Soudain, les grilles assez compliquées du cubisme analytique ont complètement disparu. Au lieu de cela, ce qui a été révélé s’est avéré être l’aspect le plus radical du cubisme synthétique. Au lieu de décomposer un objet existant en une grille, les auteurs choisissaient désormais de construire (ou de synthétiser) toute leur composition à partir de leur esprit en utilisant des matériaux et des formes inhabituels. En d’autres termes, au lieu de regarder de près un objet tel qu’un violon afin d’en interpréter la forme et la structure, les auteurs créaient une forme semblable à un violon à partir de leur imagination. Contrairement au réassemblage des facettes de l’image originale, il s’agissait de synthétiser des structures entièrement nouvelles. En utilisant les symboles de la réalité actuelle, les artistes créaient quelque chose d’entièrement nouveau et pourtant assez familier. Le cubisme synthétique présente également une gamme entièrement nouvelle de textures et incorpore une grande variété de matériaux étrangers. En outre, tout sens de la tridimensionnalité a disparu, une caractéristique qui était assez présente dans la phase initiale du mouvement.
Travailler avec la réalité
Le processus d’incorporation de bouts de matériaux quotidiens tels que des coupures de papier, des tickets et des chemises de tabac dans leurs compositions a marqué un éloignement de l’intellectualisme du cubisme analytique, orientant le cours vers un ensemble d’esthétiques plus détendues et ludiques. Après s’être accordé la liberté créative de dépeindre le monde qui les entoure comme ils l’entendaient, les peintres du cubisme synthétique ont découvert une approche incroyablement inventive de la création d’images. Il n’y avait pratiquement plus de restrictions d’aucune sorte, les seules limites étant fixées par la quantité de créativité des artistes. Ces auteurs, notamment Braque et Picasso, utilisaient des bribes collées à côté des dessins ou des parties peintes de leurs pièces. Par exemple, ils pouvaient coller un morceau d’un vrai magazine afin de représenter un journal réel dans les compositions, mais le placer à côté d’une bouteille entièrement dessinée au fusain. Cependant, un artiste pouvait également façonner une telle bouteille avec des coupures de presse. Il est intéressant de noter que c’est cette imitation des surfaces et des textures qui a valu à la dernière phase du cubisme son préfixe – synthétique. Il était censé être un indicateur de la façon dont quelque chose d’artificiel pouvait être utilisé pour décrire un matériau au sein d’une imitation de quelque chose d’autre.
L’hypothèse initiale qui a contribué à façonner le cubisme synthétique était l’idée d’introduire des éléments physiques destinés à rendre les images plus réelles. L’utilisation de morceaux banals de déchets quotidiens était une attaque délibérée contre l’esprit élevé de ce qui était perçu comme de l’art à l’époque. En incluant de tels éléments dans des œuvres respectées, les artistes cubistes suggéraient que l’art pouvait être réalisé avec des ciseaux et de la colle aussi efficacement qu’avec des pinceaux et de la peinture. C’était une énorme innovation à l’époque, qui a impacté la scène artistique pour de bon.
Les praticiens et les œuvres d’art les plus célèbres
Au niveau conceptuel, le cubisme synthétique a libéré chaque peintre de manière créative afin qu’ils puissent trouver leur propre processus d’utilisation de cette manière nouvelle et inventive de concevoir la forme. Beaucoup de ces artistes ont choisi de peindre des natures mortes, car ce genre était le choix habituel pour beaucoup, mais il y avait aussi des compositions avec des instruments de musique, des arlequins et d’autres thèmes cubistes typiques. Tous ces peintres ont produit des œuvres ludiques, car il s’agissait évidemment d’une tendance commune à tous ceux qui contribuaient à la phase finale du cubisme.
Pablo Picasso
Le célèbre Espagnol a produit sa première pièce de collage synthétique en l’an 1911, l’intitulant Nature morte avec chaise-canne. L’auteur y a incorporé un morceau de toile cirée et une longue corde aux côtés des matériaux traditionnels dont disposait le peintre. Le motif de la toile cirée était destiné à simuler les barreaux de la chaise et la corde jouait le rôle d’un cadre. Plutôt que de représenter une chaise, c’est une partie d’une chaise qui a été placée sur la pièce, ce qui constitue l’aspect le plus révolutionnaire de ces compositions. Bien que Picasso ait eu une approche ludique et décontractée pour réaliser cette œuvre, Chair-Caning est devenu un prototype de toutes les expériences de ready-made ultérieures, ayant un impact considérable sur Marcel Duchamp. Bien que ce tableau soit l’œuvre synthétique la plus emblématique de Picasso, sa série intitulée Guitares est la plus populaire. Pour ces œuvres, il a utilisé des journaux, des feuilles de musique, des papiers peints, divers tissus, du carton, etc. Il a également incorporé du fusain, du crayon, de l’huile, de la cire, du bois et d’autres objets prêts à l’emploi comme des cuillères à café. Les autres pièces synthétiques les plus remarquables dont Picasso est l’auteur en son temps sont La Taverne (1914), Pipe, Verre, As de trèfle, Bouteille de basse, Guitare, Ma Jolie, Dés (1914), Arlequin (1915), Homme à la pipe (1915) et Trois musiciens (1921).
Georges Braque
En ce qui concerne Georges Braque, le nouveau type de création a été affiché dans deux œuvres d’art. Dans Les Portugais (1911), il a commencé à expérimenter le mélange de matériaux tels que la sciure de bois avec sa peinture dans le but de créer des textures intéressantes. C’était la première fois que quelqu’un ajoutait du sable à une surface picturale afin d’ajouter des niveaux de texture et de profondeur. Il a également introduit l’utilisation du lettrage au pochoir, une caractéristique qui aura un grand effet environ un demi-siècle plus tard lorsque les interventions situationnistes commenceront à émerger en France. En réaction à la chaise de Picasso, Braque commence à utiliser du papier imprimé ou décoratif de couleur dans ses propres compositions. Il utilise pour la première fois le papier collé dans son tableau Fruit Dish and Glass (1912). Dans ce tableau, Braque a utilisé des morceaux de papier peint découpés, qu’il a ensuite ombrés avec de la peinture remplie de sable. Outre le fait qu’il s’agit de l’une des œuvres synthétiques les plus importantes, Fruit Dish and Glass est également un excellent indicateur de la manière dont l’auteur souhaitait s’éloigner de la nature sérieuse et excessivement complexe du cubisme analytique. Quelques autres exemples de pièces synthétiques de Georges sont Bouteille, journal, pipe et verre (1913), Le violon (1914) et Jeune femme à la guitare (1913).
Juan Gris
Bien que Juan Gris soit considéré comme le moins important et le moins productif des deux auteurs ci-dessus, il peut néanmoins être décrit comme le plus poétique du mouvement. Dans le Plat de fruits (1916) de Gris, il a incorporé tous les principaux concepts du cubisme synthétique avec un grand succès. En analysant cette œuvre, il est facile de reconnaître la forme générale d’une compote et d’identifier quelques formes colorées comme des morceaux de fruits. On peut également distinguer le plateau de la table et quelque chose qui semble être l’ombre du bol à droite de la base. Dans La fenêtre ouverte (1917) de Gris, nous pouvons voir une pièce composée de formes simples dominées par des bleus doux, des gris et des blancs modifiés. C’est probablement le meilleur exemple qui montre exactement pourquoi Juan Gris était et est toujours perçu comme le poète du cubisme synthétique – la composition entière est remplie d’une humeur douce et tranquille que l’on ne peut trouver dans aucune pièce de Picasso ou de Braque.
L’influence du cubisme synthétique sur l’art
Bien que le déchaînement de la Première Guerre mondiale ait mis à mal le développement du cubisme synthétique, de nombreux artistes ont continué à le faire évoluer même pendant les années de guerre. Malheureusement, de nombreux auteurs et leurs disciples étaient partis se battre sur les fronts et perdaient la vie dans les tranchées de l’Europe, il est donc juste de dire que cet acte final du cubisme aurait été beaucoup plus avancé si sa progression avait eu lieu pendant des périodes plus paisibles. Picasso était l’un des auteurs qui a évité le service militaire, il est donc resté l’esprit central derrière les visuels synthétiques pendant le reste de son existence. Bien que les lignes du temps soient un peu floues à ce sujet, de nombreux experts s’accordent à dire que le segment le plus innovant du cubisme synthétique s’est terminé approximativement lorsque la Première Guerre mondiale a commencé en 1914.
Bien que la nature du cubisme synthétique ait été assez fougueuse et fantaisiste, la plupart des critiques d’art le traitent très sérieusement et lisent une énorme signification dans ses réalisations. Cette période d’œuvres cubistes a exploré de nombreux nouveaux terrains qui ont joué un grand rôle dans la plupart des mouvements d’avant-garde qui lui ont succédé. La façon dont elle traite la composition picturale, incorpore des éléments de médias mixtes, libère la créativité de l’auteur et s’appuie sur l’utilisation de matériaux non conventionnels – toutes ces caractéristiques ont trouvé un écho massif dans le reste du XXe siècle. Le nouveau vocabulaire stylistique et l’idiome technique du cubisme synthétique ont servi de point de départ à un certain nombre de mouvements et d’écoles anti-art, tels que le surréalisme et le tristement célèbre Dada. Il a également influencé de nombreux jeunes artistes remarquables, comme Jacob Lawrence, Romare Bearden et Hans Hoffman, entre autres. En outre, l’intégration du cubisme synthétique entre le grand et le petit art peut être considérée comme la thèse principale du pop art, le plus jeune des grands mouvements artistiques du XXe siècle. Grâce à tous ces successeurs spirituels, l’héritage du cubisme synthétique est pratiquement gravé dans les pages de l’histoire de l’art et on peut présumer sans risque que toute la scène contemporaine ne serait pas tout à fait la même si le style cubiste tardif n’avait pas engendré une telle pratique imaginative.
Inventé au cours de l’année 1912 pendant les recherches collaboratives de Braque et Picasso, le cubisme synthétique a combiné des objets réels avec des matériaux traditionnels des beaux-arts sur une surface bidimensionnelle. Siècle synthétique : Collage from Cubism to Postmodernism est un fantastique aperçu de comment et pourquoi le cubisme synthétique est apparu. Il analyse son histoire et ses praticiens, ainsi que les idées qui sous-tendent ce mouvement sans doute le plus révolutionnaire des débuts de l’art d’avant-garde. Synthetic Century : Collage from Cubism to Postmodernism présente également aux lecteurs divers exemples de pièces synthétiques, permettant à toute personne intéressée de voir directement à quoi ressemblent ces œuvres d’art et ce qu’elles signifient exactement. En plus de consacrer de nombreuses pages à l’analyse du cubisme synthétique et d’enquêter sur la façon dont le collage a été utilisé pour concevoir ses concepts, ce livre examine également à quel point la dernière phase de Braque et Picasso a été influente pour le reste de l’art du 20e siècle.
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Images vedettes : Picasso – Nature morte avec cannage de chaise, 1912 – Image via pinterest.com ; Juan Gris – La fenêtre ouverte, 1917 – Image via ibiblio.org ; Picasso – Bouteille de Vieux Marc, verre, guitare et journal, 1913 – Image via tate.org.uk
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