Ai putea crede că orice actor care vrea să pătrundă în lumea cinematografiei ar evita să se orienteze spre ceva prea ambițios de la prima încercare. Poate decoruri ușoare, povești simple, câteva personaje centrale – ceva relativ lipsit de riscuri care să acționeze ca un vehicul pentru a-și arăta acele talente cinematografice. Cu toate acestea, când ești Woody Harrelson, regulile nu se aplică. Exemplu: debutul său regizoral Lost in London (Pierdut în Londra).
Nu numai că a decis să filmeze într-o singură dublă și să se bazeze pe evenimente reale din viața sa, dar a fost filmat live în timp real – ceea ce înseamnă că orice mică greșeală, orice greșeală, și primul film al lui Woody ar fi fost pătat pentru totdeauna.
Luckily Lost in London s-a dovedit a fi un succes – o adevărată mărturie a talentelor lui Woody atât în fața, cât și în spatele camerei de filmat. Dacă l-ați ratat când a fost difuzat anul trecut, Lost in London este acum disponibil pentru vizionare pe Digital HD și Hulu. Priviți acest clip:
Energia este palpabilă. În loc să împingă aceste limite, Woody le-a sfărâmat în fragmente. Întrebarea este: v-a pus pe gânduri?
Poate că văzând un proiect atât de ambițios realizat cu finețe v-a inspirat și v-a făcut să vă gândiți că orice este posibil. Cu o asemenea abundență de conținut la dispoziția noastră în epoca modernă, este o condiție esențială pentru un cineast să iasă în evidență și să aibă un avantaj unic.
Pentru a vă ajuta să vă puneți în mișcare acele hărți mentale și să vă faceți să curgă sucul creativ, iată o listă clasată cu alte zece filme experimentale care au împins aceste limite în același sens ca și Lost in London. Inspirația este pretutindeni!
Boyhood (2014)
Drama indie a lui Richard Linklater despre trecerea la maturitate prezintă copilăria și adolescența lui Mason Jr. (Ellar Coltrane) de la șase la optsprezece ani, în timp ce crește în Texas cu părinți divorțați (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Deși nu suntem mari fani ai filmului în sine, credem că Boyhood merită o mențiune, deoarece nu se poate nega că Linklater a livrat un proiect care a fost de-a dreptul ambițios.
Producția este ceea ce face ca acest film să fie special, desfășurată timp de doisprezece ani pentru ca el să poată crea cu adevărat un film despre maturizare. Regizorul a scris și a dezvoltat povestea în fiecare an, folosind clipurile anterioare ca sursă de inspirație pentru a modela și crea narațiunea și dezvoltarea personajelor, ceea ce i-a permis să păstreze aceiași actori pe tot parcursul filmului, fără a fi nevoit să folosească efecte speciale sau machiaj.
The One I Love (2014)
Un comedie romantică cu o întorsătură delicios de întunecată, The One I Love se concentrează pe un cuplu cu probleme (o jumătate interpretată de Mark Duplass) în timp ce pleacă într-o frumoasă escapadă, doar pentru ca circumstanțele bizare să le complice și mai mult relația.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) în rolul celeilalte jumătăți a cuplului este un rol complex și neobișnuit, în timp ce Duplass (Creep) este în formă maximă. Dar ceea ce înalță cu adevărat acest film indie este faptul că dialogul a fost improvizat. Într-un interviu acordat IndieWire, Duplass a explicat diferitele tipuri de improvizație folosite de echipă:
Scenariul pe care l-am folosit pentru acest film este foarte detaliat, foarte bine pus la punct – este o schiță de 50 de pagini… . Dar nu există niciun dialog scris, așa că fiecare bucată de dialog din film este improvizată … Pur și simplu ești cât se poate de organic cu motivațiile tale și cu traiectoria scenei și folosești surprize pentru ca persoana din fața ta în scenă să nu fie leneșă și să se odihnească pe călcâie, astfel încât să se simtă, sperăm, un pic mai spontan decât dacă ar fi fost repetat.
Tangerine (2015)
Tangerine (despre o prostituată care străbate Tinseltown în ajunul Crăciunului în căutarea proxenetului care i-a frânt inima), de Sean Baker (despre o prostituată care străbate Tinseltown în ajunul Crăciunului în căutarea proxenetului care i-a frânt inima) a fost salutat ca fiind o performanță de către comunitatea LGBTQI, dar a fost, de asemenea, filmat numai cu un iPhone 5S pentru a se adapta la bugetul mic al filmului. Baker a declarat pentru The Verge că el și echipa sa au folosit trei iPhone-uri diferite, aplicația Filmic Pro, care costă 8 dolari, o Steadicam și câteva lentile adaptoare – și asta e tot, oameni buni!
Actorul James Ransone (Sinister) a subliniat că cheia filmării filmului a fost de a avea o echipă bine pregătită în cinematografia tradițională. „Tot trebuie să știi cum funcționează montajul. Da, poți face un film care arată frumos cu un buget foarte mic, dar trebuie să știi cum se face filmul de 100 de ani.”
Playtime (1967)
Opera de maestru a cineastului francez Jacques Tati (Vacanța lui Monsieur Hulot), costurile de producție ale acestei comedii îndrăznețe au fost atât de mari încât trebuia să fie un succes de amploare dacă se dorea acoperirea sumei pe care Tati a cheltuit-o pentru ca filmul să fie viabil din punct de vedere financiar. „Din păcate, filmul nu a fost un succes comercial, iar Tati a sfârșit prin a da faliment, dar filmul a fost într-adevăr o realizare tehnică și artistică”, notează Taste of Cinema.
Filmat în 70 mm și realizat cu cadre extrem de largi, Playtime se remarcă prin decorul uriaș pe care Tati l-a construit special pentru film, precum și prin utilizarea, marcă înregistrată a regizorului, a comediei vizuale subtile, dar complexe, și a efectelor sonore inovatoare.
„Decorurile sunt proiectate și realizate cu grijă pentru gagurile în care sunt prezentate haosurile lui (personajul principal) Monsieur Hulot, cu o ordine și o precizie impresionante. Nu există prim-planuri în film, ci doar cadre largi perfect compuse și coregrafiate.”
Unsane (2018)
Nu este o surpriză că regizorul Steven Soderbergh a intrat pe listă, fiind cel care a inaugurat un nou val al cinematografiei indie cu debutul său în lungmetraj Sex, Lies and Videotape și de atunci și-a câștigat reputația de a fi unul dintre cei mai îndrăzneți, imprevizibili și incitanți cineaști.
Una dintre cele mai notabile isprăvi ale lui Soderbergh a fost recenta sa călătorie în genul horror cu thrillerul Unsane. Nu numai că a filmat totul cu un iPhone, dar l-a realizat în doar două săptămâni. În ciuda restricțiilor semnificative, Soderbergh a reușit – filmul a fost întâmpinat cu recenzii călduroase în urma premierei de la Berlinale din acest an, arătând ce pot face gadgeturile de zi cu zi de astăzi pentru a împinge limitele stilului pe marele ecran.
The Holy Mountain (1973)
Epopeea suprarealistă a lui Alejandro Jodorowsky a avut premiera la doi ani după El Topo și, în comparație cu primul său film, The Holy Mountain este o lucrare mult mai ambițioasă și mai completă. Este centrată pe un alchimist puternic într-o lume coruptă, alimentată de lăcomie, care conduce un personaj asemănător lui Hristos și șapte personaje materialiste la Muntele Sfânt, unde speră să obțină iluminarea.
Este o călătorie halucinantă și un deal destul de greu de urcat în ceea ce privește descifrarea numeroaselor sale mesaje simbolice, dar ceea ce este foarte clar este că puțini regizori au fost la fel de dedicați ca Jodorowsky în a furniza imagini grotești, suprarealiste, simbolice și halucinante pentru a-și susține capodopera.
În timp ce majoritatea oamenilor s-ar pregăti înainte de începerea filmărilor principale, asigurându-se că echipamentul și echipa lor sunt în regulă, autorul și soția sa au petrecut o săptămână fără somn sub conducerea unui maestru Zen japonez.
În mod similar, membrii distribuției centrale au petrecut trei luni efectuând diverse exerciții spirituale ghidate de Oscar Ichazo de la Institutul Arica, iar regizorul a administrat, de asemenea, ciuperci psilocibină actorilor în timpul filmării scenei de moarte-renaștere.
Efectul tehnicilor este palpabil la vizionarea filmului, culminând pentru a crea o experiență iluminată care pare din altă lume, din punct de vedere vizual, narativ și spiritual. Așa cum spune și sloganul: „Nimic din educația sau experiența ta nu te poate fi pregătit pentru acest film.”
Irréversible (2002)
Autoriul Irréversible al lui Gaspar Noé este ambițios în stilul său experimental, adesea asociat cu cinéma du corps (cinema du corps), care se pare că împărtășește afinități cu anumite producții de avangardă, cum ar fi o utilizare atenuată a narațiunii, o cinematografie agresivă, un material tematic provocator și un sentiment omniprezent de nihilism social.
Se poate spune cu siguranță că Irréversible întruchipează astfel de caracteristici. Noé a experimentat cu tehnicile de filmare, cu sunetul și cu narațiunea, țesând povestea cu o duzină de cadre neîntrerupte, topite între ele. O oră din timpul de rulare a filmului a prezentat un sunet de joasă frecvență pentru a crea o stare de greață și anxietate, iar narațiunea folosește cronologia inversă.
Așa cum nota David Sterritt în romanul său Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, Irréversible nu este pur și simplu o poveste spusă invers, ci un studiu complex al naturii timpului. „Regizorul său este mai puțin interesat de cauză și efect decât de forma timpului însuși.” Vorbind despre acest subiect, Noé însuși a declarat: „Structura este toată amuzantă, iar filmările sunt pline de energie, dar în realitate este vorba despre pierderea cuiva pe care îl iubești.”
Până în prezent, Irréversible rămâne unul dintre cele mai controversate filme realizate vreodată, dar un lucru asupra căruia majoritatea pot fi de acord este că Noé nu se teme să lucreze în afara cutiei și să inoveze cu tehnicile sale stilistice.
Metropolis (1927)
Să spunem că Metropolis al lui Fritz Lang a fost înaintea timpului său ar fi un eufemism – cu o poveste semnificativă despre lupta de clasă într-un oraș distopic, Metropolis este considerat a fi primul film science-fiction din toate timpurile.
Continuând să inspire artiști vizuali, regizori, creatori de modă și scenografi până în prezent, filmul expresionist german mut al viitorului rămâne un exemplu cu adevărat esențial de inteligență artificială pe ecran datorită designului și biomecanicii din spatele robotului False Maria, care a continuat să influențeze în mod direct designul lui C3PO din Star Wars.
Lang a dezvoltat o serie de efecte speciale și decoruri elaborate, de la o imensă catedrală gotică la un peisaj urban futurist, umplând în același timp filmul cu influențe stilistice, de la Art Deco la gotic și până la modernismul funcționalist.
Între timp, directorii de imagine Karl Freund (Dracula) și Gunther Rittau (The Eternal Tone) s-au bazat foarte mult pe tehnicile expresionismului german pentru a filma filmul, iar compozitorul Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) s-a inspirat din Richard Wagner și Richard Strauss pentru a crea o coloană sonoră unică pusă laolaltă cu o orchestră mare.
Nici un detaliu al acestui film nu a fost luat în considerare cu o atenție meticuloasă la detalii, motiv pentru care rămâne unul dintre cele mai importante filme din istoria science-fiction.
2001: Odiseea spațială (1968)
Operecheta lui Stanley Kubrick ar putea fi veche de 50 de ani, dar încă se simte la fel de proaspătă acum ca atunci. Un film care a schimbat cu adevărat fața SF-ului pentru totdeauna, autorul a arătat că genul poate și trebuie să abordeze teme mai grele despre evoluție, existență și inteligență artificială.
Filmul este o experiență „nonverbală” – din două ore și nouăsprezece minute de film, există doar puțin mai puțin de patruzeci de minute de dialog – și, în al doilea rând față de dezvoltarea personajelor, Kubrick a folosit o grijă obsesivă pentru a-și construi mașinăriile și a realiza efectele speciale.
Cum spune Taste of Cinema: „Fie că este vorba de legendara tăietură dintre os și navele spațiale sau de călătoria interstelară, Kubrick a folosit toată puterea filmului pentru a spune povestea nu a unui singur personaj, ci a întregii omeniri.”
.