Muzica 101

Ați făcut deja cunoștință cu Claudio Monteverdi, a cărui muzică se situează între Renașterea târzie și Barocul timpuriu. Acum să explorăm una dintre cele mai semnificative compoziții ale sale, L’Orfeo, prima operă considerată a fi o capodoperă.

Introducere

L’Orfeo (SV 318), numită uneori La favola d’Orfeo, este o favola in musica sau operă din barocul timpuriu (uneori considerată a fi din Renașterea târzie), de Claudio Monteverdi, cu un libret de Alessandro Striggio. Se bazează pe legenda grecească a lui Orfeu și spune povestea coborârii acestuia în Hades și a încercării sale nereușite de a o aduce pe Euridice, mireasa sa moartă, înapoi în lumea celor vii. A fost scrisă în 1607 pentru o reprezentație la curte în timpul carnavalului anual de la Mantua. În timp ce onoarea de a fi prima operă din istorie îi revine lui Dafne a lui Jacopo Peri, iar cea mai veche operă supraviețuitoare este Euridice (tot de Peri), L’Orfeo are onoarea de a fi cea mai veche operă supraviețuitoare care este încă reprezentată cu regularitate astăzi.

La începutul secolului al XVII-lea, intermediarul tradițional – o secvență muzicală între actele unei piese de teatru – evolua spre forma unei drame muzicale complete sau „operă”. L’Orfeo a lui Monteverdi a scos acest proces din epoca sa experimentală și a oferit primul exemplu complet dezvoltat al noului gen. După prima reprezentație, lucrarea a fost pusă din nou în scenă la Mantova și, probabil, și în alte centre italiene în următorii câțiva ani. Partitura a fost publicată de Monteverdi în 1609 și din nou în 1615. După moartea compozitorului, în 1643, opera a rămas nereprezentată timp de mulți ani și a fost în mare parte uitată până când o renaștere a interesului la sfârșitul secolului al XIX-lea a dus la o serie de ediții și reprezentații moderne. La început, acestea au avut tendința de a fi versiuni nepuse în scenă în cadrul institutelor și al societăților muzicale, dar după prima reprezentație modernă dramatizată la Paris, în 1911, opera a început să fie văzută din ce în ce mai des în teatre. După cel de-al Doilea Război Mondial, majoritatea noilor ediții au căutat autenticitatea prin utilizarea instrumentelor de epocă. Au fost publicate numeroase înregistrări, iar opera a fost din ce în ce mai des pusă în scenă în teatrele de operă. În 2007, cvadricentenarul premierei a fost sărbătorit prin spectacole în întreaga lume.

În partitura sa publicată, Monteverdi enumeră aproximativ 41 de instrumente care urmează să fie utilizate, cu grupuri distincte de instrumente folosite pentru a descrie anumite scene și personaje. Astfel, corzile, clavecinele și fluierele reprezintă câmpurile pastorale din Tracia cu nimfele și păstorii lor, în timp ce alămurile grele ilustrează lumea interlopă și locuitorii ei. Compus în punctul de tranziție de la epoca renascentistă la cea barocă, L’Orfeo folosește toate resursele cunoscute atunci în cadrul artei muzicale, cu o utilizare deosebit de îndrăzneață a polifoniei. Lucrarea nu este orchestrată ca atare; în tradiția renascentistă, instrumentiștii urmau instrucțiunile generale ale compozitorului, dar aveau o libertate considerabilă pentru a improviza. Acest lucru separă opera lui Monteverdi de canonul de operă de mai târziu și face ca fiecare interpretare a operei L’Orfeo să fie o ocazie unică și individuală.

Context istoric

Claudio Monteverdi, născut la Cremona în 1567, a fost un prodigiu muzical care a studiat cu Marc’Antonio Ingegneri, maestro di cappella (șeful muzicii) la Catedrala din Cremona. După ce a urmat cursuri de canto, de interpretare a corzilor și de compoziție, Monteverdi a lucrat ca muzician la Verona și Milano până când, în 1590 sau 1591, a obținut un post de assuonatore di vivuola (cântăreț la vioară) la curtea ducelui Vincenzo Gonzaga la Mantua. Prin abilitate și muncă asiduă, Monteverdi a ajuns să devină maestro della musica (maestru de muzică) al lui Gonzaga în 1601.

Pasiunea deosebită a lui Vincenzo Gonzaga pentru teatrul muzical și spectacol a crescut din legăturile familiei sale cu curtea din Florența. Spre sfârșitul secolului al XVI-lea, muzicienii florentini inovatori dezvoltau intermedio – o formă de interludiu muzical de lungă durată inserată între actele dramelor vorbite – în forme din ce în ce mai elaborate. Conduși de Jacopo Corsi, acești succesori ai renumitei Camerata au fost responsabili pentru prima lucrare recunoscută în general ca aparținând genului de operă: Dafne, compusă de Corsi și Jacopo Peri și reprezentată la Florența în 1598. Această lucrare a combinat elemente de cântec madrigal și monodie cu dansuri și pasaje instrumentale pentru a forma un întreg dramatic. Doar fragmente din muzica sa mai există încă, dar alte câteva lucrări florentine din aceeași perioadă – Rappresentatione di Anima, et di Corpo de Emilio de’ Cavalieri, Euridice a lui Peri și Euridice cu titlu identic a lui Giulio Caccini – au supraviețuit complete. Aceste ultime două lucrări au fost primele dintre numeroasele reprezentări muzicale ale mitului lui Orfeu relatat în Metamorfozele lui Ovidiu și, ca atare, au fost precursori direcți ai operei L’Orfeo a lui Monteverdi.

Curtea Gonzaga a avut o lungă istorie de promovare a divertismentului dramatic. Cu un secol înainte de epoca Ducelui Vincenzo, curtea pusese în scenă drama lirică a lui Angelo Poliziano, La favola di Orfeo, din care cel puțin jumătate era cântată mai degrabă decât vorbită. Mai recent, în 1598, Monteverdi a ajutat instituția muzicală a curții să producă piesa de teatru Il pastor fido a lui Giovanni Battista Guarini, descrisă de istoricul de teatru Mark Ringer ca fiind o „operă teatrală de referință” care a inspirat mania italiană pentru drama pastorală. La 6 octombrie 1600, în timp ce se afla în vizită la Florența cu ocazia nunții Mariei de’ Medici cu regele Henric al IV-lea al Franței, ducele Vincenzo a asistat la o producție a piesei Euridice de Peri. Este probabil ca principalii săi muzicieni, inclusiv Monteverdi, să fi fost de asemenea prezenți la această reprezentație. Ducele a recunoscut rapid noutatea acestei noi forme de divertisment dramatic și potențialul său de a aduce prestigiu celor dispuși să o sponsorizeze.

Compoziție

Când Monteverdi a scris muzica pentru L’Orfeo, el avea o pregătire temeinică în muzica de teatru. Fusese angajat la curtea Gonzaga timp de 16 ani, o mare parte din această perioadă ca interpret sau aranjor de muzică de scenă, iar în 1604 scrisese balonul Gli amori di Diane ed Endimone pentru Carnavalul din Mantua din 1604-05. Elementele din care Monteverdi a construit prima sa partitură de operă – aria, cântecul strofic, recitativul, corurile, dansurile, interludiile muzicale dramatice – nu au fost, așa cum a subliniat dirijorul Nikolaus Harnoncourt, create de el, dar „el a amestecat întregul stoc de posibilități mai noi și mai vechi într-o unitate care era într-adevăr nouă”. Muzicologul Robert Donington scrie în mod similar: ” nu conține niciun element care să nu se fi bazat pe un precedent, dar atinge maturitatea completă în acea formă recent dezvoltată. . . . Aici sunt cuvinte exprimate direct în muzică, așa cum se dorea să fie exprimate; aici este muzica care le exprimă . . . . cu întreaga inspirație a geniului.”

Monteverdi precizează cerințele orchestrale la începutul partiturii sale publicate, dar, în conformitate cu practica din acea vreme, nu specifică utilizarea lor exactă. La acea vreme se obișnuia să se lase fiecărui interpret al operei libertatea de a lua decizii locale, în funcție de forțele orchestrale pe care le avea la dispoziție. Acestea puteau să difere brusc de la un loc la altul. În plus, după cum subliniază Harnoncourt, instrumentiștii ar fi fost cu toții compozitori și s-ar fi așteptat să colaboreze în mod creativ la fiecare interpretare, mai degrabă decât să interpreteze un text prestabilit. O altă practică a vremii era aceea de a permite cântăreților să își înfrumusețeze arii. Monteverdi a scris versiuni simple și înfrumusețate ale unor arii, cum ar fi „Possente spirito” a lui Orfeo, dar, potrivit lui Harnoncourt, „este evident că acolo unde nu a scris nicio înfrumusețare nu a vrut să se cânte niciuna.”

Care act al operei tratează un singur element al poveștii, iar fiecare se încheie cu un cor. În ciuda structurii în cinci acte, cu două seturi de schimbări de scenă, este probabil ca L’Orfeo să se fi conformat practicii standard pentru spectacolele de la curte din acea vreme și a fost jucat ca o entitate continuă, fără intervale sau coborâri de cortină între acte. Obiceiul contemporan era ca schimbările de scenă să aibă loc la vederea publicului, aceste schimbări fiind reflectate muzical prin modificări de instrumentație, tonalitate și stil.

Sinopsis

Acțiunea se desfășoară în două locații contrastante: câmpurile din Tracia (actele 1, 2 și 5) și Lumea de dincolo (actele 3 și 4). O toccata instrumentală (în engleză: tucket, care înseamnă o înflorire la trompete) precede intrarea lui La musica, reprezentând „spiritul muzicii”, care cântă un prolog de cinci strofe de versuri. După o primire grațioasă a publicului, ea anunță că poate, prin sunete dulci, „calma orice inimă tulburată”. Ea cântă un alt imn la puterea muzicii, înainte de a prezenta protagonistul principal al dramei, Orfeo, care „a ținut vrăjite fiarele sălbatice cu cântecul său.”

Actul 1

După ultima cerere de tăcere a lui La musica, cortina actului 1 se ridică pentru a dezvălui o scenă pastorală. Orfeo și Euridice intră împreună cu un cor de nimfe și ciobani, care acționează în maniera unui cor grecesc, comentând acțiunea atât ca grup, cât și ca indivizi. Un cioban anunță că aceasta este ziua nunții cuplului; corul răspunde, mai întâi printr-o invocație măreață („Vino, Hymen, vino”) și apoi printr-un dans vesel („Lasă munții, lasă fântânile”). Orfeo și Euridice cântă despre dragostea lor unul pentru celălalt înainte de a pleca împreună cu cea mai mare parte a grupului la ceremonia de nuntă din templu. Cei rămași pe scenă cântă un scurt refren, comentând cum Orfeo obișnuia să fie unul „pentru care suspinele erau hrană și plânsul era băutură” înainte ca dragostea să-l aducă la o stare de fericire sublimă.

Actul 2

Orfeo se întoarce cu corul principal și cântă cu ei despre frumusețile naturii. Orfeo meditează apoi la fosta sa nefericire, dar proclamă: „După supărare ești mai mulțumit, după durere ești mai fericit”. Atmosfera de mulțumire este întreruptă brusc atunci când intră La messaggera, aducând vestea că, în timp ce culegea flori, Euridice a fost mușcată mortal de un șarpe. Corul își exprimă neliniștea: „Ah, întâmplare amară, ah, soartă impunătoare și crudă!”, în timp ce Messaggera se pedepsește pe sine ca fiind purtătoare de vești proaste („Pentru totdeauna voi fugi, și într-o peșteră singuratică voi duce o viață pe măsura durerii mele”). Orfeo, după ce își descarcă durerea și incredulitatea („Ești moartă, viața mea, iar eu respir?”), își declară intenția de a coborî în Lumea de Dincolo și de a-l convinge pe conducătorul ei să îi permită lui Euridice să revină la viață. În caz contrar, spune el, „voi rămâne cu tine în compania morții”. El pleacă, iar corul își reia lamentația.

Actul 3

Orfeo este călăuzit de Speranza până la porțile lui Hades. După ce i-a indicat cuvintele inscripționate pe poartă („Abandonați speranța, voi toți cei care intrați aici”), Speranza pleacă. Orfeo se confruntă acum cu bărbierul Caronte, care i se adresează lui Orfeo cu asprime și refuză să-l treacă peste râul Styx. Orfeo încearcă să-l convingă pe Caronte cântându-i un cântec măgulitor („Puternic spirit și puternică divinitate”), dar barcagiul este impasibil. Cu toate acestea, când Orfeo își ia liră și cântă, Caronte este liniștit și adoarme. Profitând de șansa pe care o are, Orfeo fură barca fermierului și traversează râul, intrând în Lumea de Dincolo, în timp ce un cor de spirite reflectă faptul că natura nu se poate apăra împotriva omului: „El a îmblânzit marea cu lemn fragil și a disprețuit furia vânturilor.”

Act 4

În Lumea de Dincolo, Proserpina, regina lui Hades, care a fost profund afectată de cântecul lui Orfeo, îi cere regelui Plutone, soțul ei, eliberarea lui Euridice. Înduioșat de rugămințile ei, Plutone este de acord cu condiția ca, în timp ce o conduce pe Euridice spre lume, Orfeo să nu se uite înapoi. Dacă o face, „o singură privire îl va condamna la pierderea veșnică”. Orfeo intră, conducând-o pe Euridice și cântând încrezător că în acea zi se va odihni pe pieptul alb al soției sale. Dar în timp ce cântă, o notă de îndoială se insinuează: „Cine mă va asigura că ea mă urmează?” Poate că Plutone, mânat de invidie, a impus această condiție din răutate? Distrat brusc de o agitație din afara scenei, Orfeo se uită în jur; imediat, imaginea lui Euridice începe să se estompeze. Ea cântă, deznădăjduită: „Mă pierzi din prea multă dragoste?” și dispare. Orfeo încearcă să o urmărească, dar este atras de o forță nevăzută. Corul spiritelor cântă că Orfeo, după ce l-a învins pe Hades, a fost la rândul său învins de pasiunile sale.

Actul 5

Înapoi pe câmpurile din Tracia, Orfeo are un lung solilocviu în care își deplânge pierderea, laudă frumusețea lui Euridice și se hotărăște că inima lui nu va mai fi niciodată străpunsă de săgeata lui Cupidon. Un ecou din afara scenei repetă ultimele sale fraze. Dintr-o dată, într-un nor, Apollo coboară din ceruri și îl pedepsește: „De ce te lași pradă furiei și durerii?”. El îl invită pe Orfeo să părăsească lumea și să i se alăture în ceruri, unde va recunoaște chipul lui Euridice în stele. Orfeo îi răspunde că ar fi nedemn să nu urmeze sfatul unui tată atât de înțelept și împreună se înalță. Un cor de ciobani concluzionează că „cel care seamănă în suferință va culege roadele oricărui har”, înainte ca opera să se încheie cu o morescă viguroasă.

Finalul libretului original

În libretul lui Striggio din 1607, solilocviul din actul 5 al lui Orfeo este întrerupt, nu de apariția lui Apollo, ci de un cor de menade sau bacante – femei sălbatice și bete – care cântă despre „furia divină” a stăpânului lor, zeul Bacchus. Cauza furiei lor este Orfeo și renunțarea sa la femei; el nu va scăpa de mânia lor cerească și, cu cât se va sustrage mai mult timp, cu atât mai severă va fi soarta sa. Orfeo părăsește scena, iar destinul său rămâne incert, căci Bacantele se dedică pentru tot restul operei la cântece și dansuri sălbatice în lauda lui Bacchus. Claude Palisca, autoritate în domeniul muzicii vechi, consideră că cele două finaluri nu sunt incompatibile; Orfeo scapă de furia Bacantelor și este apoi salvat de Apollo.

.