Vezi această postare pe Instagram.
Arta modernă a avut o serie de schimbări stilistice, dar puține au fost la fel de sublime ca pictura pe câmpuri de culoare. Termenul se aplică operelor de artă care prezintă suprafețe mari de nuanțe plate, unice. Metoda a apărut pentru prima dată la sfârșitul anilor 1940, când mai mulți artiști abstracți au încercat să creeze o nouă formă de artă. Aceștia doreau să evoce emoții și idei pur prin intermediul culorilor în sine, mai degrabă decât să redea scene și forme recognoscibile, ilustrative. În schimb, fundalul și prim-planul tabloului sunt una, iar spațiul tabloului – conceput ca un „câmp” – pare să consume atât pânza, cât și punctul de vedere al privitorului.
Mișcarea a fost inițiată de artiștii expresioniști abstracți Mark Rothko, Barnett Newman și Clyfford Still. Până la sfârșitul anilor 1950, a început să apară o nouă generație de pictori de câmpuri de culoare, iar popularitatea stilului a continuat în rândul artiștilor moderni până la mijlocul anilor ’60. Citiți mai departe pentru a descoperi artiștii cheie care au fost vârful de lance al mișcării inovatoare.
Iată șase pictori de color field care au popularizat mișcarea de artă modernă.
Clyfford Still
Vezi această postare pe Instagram.
Pictorul american Clyfford Still este considerat de mulți ca fiind primul artist care a ajuns la stilul de abstractizare a câmpului de culoare. Lucrările sale mature prezintă câmpuri luminoase de nuanțe la o scară monumentală, evocând o tensiune dramatică. „Acestea nu sunt picturi în sensul obișnuit”, a spus el odată. „Sunt viața și moartea care se contopesc într-o uniune înfricoșătoare… Ele aprind un foc; prin ele respir din nou, țin un cordon de aur, îmi găsesc propria revelație.”
Mark Rothko
Vezi această postare pe Instagram.
Mark Rothko nu s-a autointitulat niciodată în mod oficial un pictor de câmpuri de culoare, dar este considerat de critici ca fiind unul dintre pionierii cheie ai stilului. Celebru pentru pânzele sale gigantice care prezentau secțiuni mari de nuanțe pure, Rothko credea că culoarea poate ajunge la cele mai profunde emoții ale noastre. Alegerea pigmentului său reflecta starea sa de spirit din acel moment. Când a adoptat pentru prima dată stilul câmpurilor de culoare în anii 1950, a pictat cu nuanțe luminoase și calde. Cu toate acestea, pe măsură ce anii au trecut și sănătatea sa mentală s-a deteriorat, a început să folosească negri, albaștri și griuri sumbre. Odată a fost citat spunând: „Dacă ești mișcat doar de relațiile dintre culori, nu înțelegi nimic. Pe mine mă interesează să exprim marile emoții – tragedie, extaz, osândă.”
Barnett Newman
Barnett Newman credea: „Un pictor este un coregraf al spațiului”. Artistul american a inventat ceea ce el a numit „fermoar”, o bandă de culoare verticală care i-a diferențiat lucrările de cele ale colegilor săi expresioniști abstracți. Unul dintre cele mai faimoase tablouri ale sale din 1950-51, intitulat Vir heroicus sublimis („Omul, eroic și sublim”), măsoară o dimensiune epică de 95 pe 213 inci și a fost cel mai mare tablou al său la acea vreme. Acesta prezintă câmpuri mari de roșu aprins, care sunt întrerupte de linii „zip” verticale, ocazionale. Cu scara sa copleșitoare, Newman a încercat să evoce o reacție puternică din partea privitorului și să îl învăluie complet – și spațiul său personal – în nuanța vibrantă.
Kenneth Noland
Vezi această postare pe Instagram.
Pictorul american Kenneth Noland este cunoscut pentru formele sale abstracte simplificate, inclusiv cercuri, chevron și dungi. Compozițiile sale minimaliste nu aveau ca scop reprezentarea unui obiect, ci erau doar un mijloc de a explora culoarea pură. Lucrările sale circulare ușor neregulate prezintă nuanțe variate care se completează și contrastează între ele. Efectul este o energie vie care pare să vibreze de pe pânză. Noland a spus odată: „Mă gândesc la pictura fără subiect ca la o muzică fără cuvinte.”
Helen Frankenthaler
.
Vezi această postare pe Instagram.
Artista americană Helen Frankenthaler a jucat un rol crucial în evoluția picturii pe câmpuri de culoare, deoarece și-a dezvoltat propria tehnică revoluționară de umplere a pânzelor cu câmpuri mari de culoare. Ea a inventat procedeul „soak-stain”, care presupunea turnarea de vopsea diluată cu terebentină pe pânză. Această tehnică a produs compoziții vibrante, cețoase, care au dus la un aspect și o senzație cu totul noi pentru textura pânzei. Mountains and Sea (1952) a fost prima lucrare în care Frankenthaler a folosit acest procedeu, iar când colegii săi, artiștii de color field Morris Louis și Kenneth Noland, au văzut lucrarea, au adoptat și ei imediat această metodă.
Morris Louis
Vezi această postare pe Instagram.
Unul dintre cei mai târzii artiști de color field, Morris Louis a provocat modul în care culoarea ar trebui să umple un spațiu. El a experimentat continuu prin manipularea pânzelor mari în moduri creative pentru a controla fluxul vopselelor sale acrilice. În Delta Theta, o lucrare din seria sa Unfurled creată în 1961, Louis a pliat pânza masivă – de aproape 6 metri lățime – în două înainte de a turna vopseaua acrilică pe suprafața acesteia. Dungile de nuanțe de curcubeu care rezultă apar în cele două colțuri inferioare ale pânzei, în timp ce marea zonă centrală a lucrării este lăsată goală.
Originele expresionismului, o mișcare evocatoare inspirată de experiența emoțională
9 artiști abstracți care au schimbat modul în care privim pictura
25 de termeni din istoria artei care vă ajută să descrieți cu pricepere o operă de artă
13 mișcări artistice revoluționare care au modelat istoria noastră vizuală
.