Penseresti che ogni attore che cerca di sfondare nel mondo del cinema dovrebbe evitare di puntare su qualcosa di troppo ambizioso la prima volta. Forse set facili, storie semplici, pochi personaggi centrali – qualcosa di relativamente privo di rischi che funga da veicolo per mostrare i propri talenti cinematografici. Tuttavia, quando sei Woody Harrelson le regole non si applicano. Caso emblematico: il suo debutto alla regia di Lost in London.
Non solo ha deciso di filmare il tutto in un solo ciak e basandolo su eventi reali della sua vita, ma è stato girato dal vivo in tempo reale – il che significa che qualsiasi piccola cazzata, qualsiasi errore, e il primo film di Woody sarebbe stato macchiato per sempre.
Per fortuna Lost in London fu un successo – un vero testamento del talento di Woody sia davanti che dietro la telecamera. Se ve lo siete perso quando è andato in onda l’anno scorso, Lost in London è ora disponibile per la visione su Digital HD e Hulu. Guardate questa clip:
L’energia è palpabile. Invece di spingere i confini, Woody li ha frantumati in frammenti. La domanda è: vi ha fatto pensare?
Forse vedere un progetto così ambizioso realizzato con finezza ti ha ispirato e ti ha fatto pensare che tutto è possibile. Con una tale abbondanza di contenuti a nostra disposizione nell’era moderna, è un prerequisito per un regista distinguersi e avere un vantaggio unico.
Per aiutarvi a mettere in moto quelle mappe mentali e a far scorrere i succhi creativi, ecco una lista di dieci altri film sperimentali che si sono spinti oltre i confini nello stesso modo di Lost in London. L’ispirazione è ovunque!
Boyhood (2014)
Il dramma indie di Richard Linklater presenta l’infanzia e l’adolescenza di Mason Jr. (Ellar Coltrane) dai sei ai diciotto anni mentre cresce in Texas con genitori divorziati (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Anche se non siamo grandi fan del film in sé, pensiamo che Boyhood meriti una menzione, dato che non si può negare che Linklater abbia realizzato un progetto a dir poco ambizioso.
La produzione è ciò che rende questo film speciale, portata avanti per dodici anni in modo da poter veramente creare un film sulla crescita. Il regista ha scritto e sviluppato la storia su base annuale, utilizzando le clip precedenti come ispirazione per modellare e realizzare la narrazione e lo sviluppo dei personaggi, permettendogli di mantenere gli stessi attori per tutto il film senza dover utilizzare effetti speciali o trucco.
The One I Love (2014)
Una commedia romantica con un tocco deliziosamente dark, The One I Love è incentrata su una coppia problematica (una metà interpretata da Mark Duplass) che si trasferisce in una bellissima vacanza, solo perché le circostanze bizzarre complicano ulteriormente la loro relazione.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) nel ruolo dell’altra metà della coppia è un ruolo complesso e insolito, mentre Duplass (Creep) è al top della forma. Ma ciò che eleva veramente questo film indie è il fatto che i dialoghi sono stati improvvisati. In un’intervista con IndieWire, Duplass ha spiegato i diversi tipi di improvvisazione utilizzati dal team:
La sceneggiatura che abbiamo usato per questo film è altamente dettagliata, altamente tracciata – è uno schema di 50 pagine. Ma non ci sono dialoghi scritti, quindi ogni pezzo di dialogo nel film è improvvisato. Sei solo il più organico possibile con le tue motivazioni e la traiettoria della scena, e usi le sorprese in modo che la persona di fronte a te nella scena non sia pigra e si adagi sui suoi talloni, in modo che possa sembrare, si spera, un po’ più spontanea che se fosse provata.
Tangerine (2015)
Non solo Tangerine di Sean Baker (su una prostituta che attraversa Tinseltown la vigilia di Natale alla ricerca del pappone che le ha spezzato il cuore) è stato salutato come un’impresa dalla comunità LGBTQI, ma è stato anche girato esclusivamente con un iPhone 5S per adattarsi al minuscolo budget del film. Baker ha detto a The Verge che lui e il suo team hanno usato tre diversi iPhone, l’app da 8 dollari Filmic Pro, una Steadicam e alcune lenti adattatrici – e questo è tutto, gente!
L’attore James Ransone (Sinister) ha sottolineato che la chiave per girare il film è stato avere una squadra esperta di cinema tradizionale. “Bisogna comunque sapere come funziona il montaggio. Sì, puoi fare un bel film con un budget ridotto, ma devi conoscere 100 anni di cinema.”
Playtime (1967)
Il capolavoro del regista francese Jacques Tati (Le vacanze di Monsieur Hulot), i costi di produzione di questa commedia audace erano così alti che doveva essere un grande successo se voleva coprire la somma che Tati aveva sborsato per rendere il film finanziariamente sostenibile. “Purtroppo il film non fu un successo commerciale, e Tati finì in bancarotta, ma il film fu davvero un successo tecnico e artistico”, ha notato Taste of Cinema.
Filmato in 70mm e realizzato con inquadrature estremamente ampie, Playtime è notevole per il suo enorme set che Tati aveva costruito appositamente per il film, così come l’uso caratteristico del regista di una sottile ma complessa commedia visiva e di effetti sonori innovativi.
“Le scenografie sono accuratamente progettate e realizzate per le gag in cui viene presentato lo scompiglio di (il personaggio principale) Monsieur Hulot, con un ordine e una precisione impressionanti. Non ci sono primi piani nel film, solo inquadrature ampie perfettamente composte e coreografate.”
Unsane (2018)
Non è una sorpresa che il regista Steven Soderbergh sia entrato nella lista, dato che ha inaugurato una nuova ondata di cinema indie con il suo debutto Sex, Lies and Videotape e da allora si è guadagnato la reputazione di uno dei registi più audaci, imprevedibili ed emozionanti in circolazione.
Una delle imprese più notevoli di Soderbergh è stato il suo recente viaggio nel genere horror con il thriller Unsane. Non solo ha girato il tutto con un iPhone, ma lo ha realizzato in sole due settimane. Nonostante le significative restrizioni, Soderbergh ha fatto centro – il film è stato accolto con recensioni calorose dopo la sua prima alla Berlinale di quest’anno, mostrando cosa possono fare i gadget di oggi per spingere i limiti dello stile sul grande schermo.
La montagna sacra (1973)
L’epopea surrealista di Alejandro Jodorowsky ha debuttato due anni dopo El Topo e in confronto al suo primo film, La montagna sacra è un lavoro molto più ambizioso e completo. È incentrato su un potente alchimista in un mondo corrotto e avido che conduce un personaggio simile a Cristo e sette figure materialiste alla Montagna Sacra, dove sperano di raggiungere l’illuminazione.
Si tratta di un viaggio sconvolgente e di una collina da scalare per decifrare i suoi numerosi messaggi simbolici, ma ciò che è chiaro è che pochi registi si sono impegnati come Jodorowsky nel fornire immagini grottesche, surreali, simboliche e allucinatorie per sostenere il suo capolavoro.
Mentre la maggior parte delle persone si preparerebbe prima dell’inizio delle riprese assicurandosi che la propria attrezzatura e il proprio team siano sotto controllo, l’autore e sua moglie hanno passato una settimana senza dormire sotto la direzione di un maestro Zen giapponese.
Anche i membri del cast centrale hanno passato tre mesi a fare vari esercizi spirituali guidati da Oscar Ichazo dell’Istituto Arica e il regista ha anche somministrato funghi psilocibini agli attori durante le riprese della scena della morte-rinascita.
L’effetto delle tecniche è palpabile quando si guarda il film, culminando nel creare un’esperienza illuminata che sembra fuori dal mondo, visivamente, narrativamente e spiritualmente. Come dice la tagline, “Niente nella vostra educazione o esperienza può avervi preparato per questo film.”
Irréversible (2002)
Irréversible dell’autore Gaspar Noé è ambizioso nel suo stile sperimentale, spesso associato al cinéma du corps (cinema del corpo), che secondo quanto riferito condivide affinità con certe produzioni d’avanguardia come un uso attenuato della narrazione, una cinematografia d’assalto, materiale provocatorio, e un pervasivo senso di nichilismo sociale.
Si può dire che Irréversible incarni tali caratteristiche. Noé ha sperimentato le tecniche di ripresa, il suono e la narrazione, tessendo la storia con una dozzina di inquadrature ininterrotte fuse insieme. Un’ora della durata del film era caratterizzata da un suono a bassa frequenza per creare uno stato di nausea e di ansia e la narrazione utilizza la cronologia inversa.
Come ha notato David Sterritt nel suo romanzo Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, Irréversible non è semplicemente una storia raccontata al contrario, ma un complesso studio sulla natura del tempo. “Il suo regista è meno interessato alla causa e all’effetto che alla forma del tempo stesso”. Parlando di questo argomento, Noé stesso ha dichiarato: “La struttura è tutta divertente e il lavoro della macchina da presa è pieno di energia, ma in realtà si tratta di perdere qualcuno che ami”.
A tutt’oggi Irréversible rimane uno dei film più divisivi mai realizzati, ma una cosa su cui molti possono essere d’accordo è che Noé non ha paura di lavorare fuori dagli schemi e di innovare con le sue tecniche stilistiche.
Metropolis (1927)
Dire che Metropolis di Fritz Lang era in anticipo sui tempi sarebbe un eufemismo – con una storia significativa sulla guerra di classe in una città distopica, Metropolis è considerato il primo film di fantascienza.
Ispirando ancora oggi artisti visivi, registi, artisti della moda e scenografi, il film muto tedesco espressionista del futuro rimane un esempio davvero essenziale di IA sullo schermo grazie al design e alla biomeccanica del robot False Maria, che ha influenzato direttamente il design di C3PO in Star Wars.
Lang sviluppò una serie di elaborati effetti speciali e scenografie, che vanno da un’enorme cattedrale gotica a un paesaggio urbano futuristico, mentre riempiva il film di influenze stilistiche, dall’Art Deco al gotico al modernismo funzionalista.
Nel frattempo, i direttori della fotografia Karl Freund (Dracula) e Gunther Rittau (The Eternal Tone) si affidarono molto alle tecniche dell’espressionismo tedesco per girare il film e il compositore Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) trasse ispirazione da Richard Wagner e Richard Strauss per creare una partitura unica messa insieme con una grande orchestra.
Non un dettaglio di questo film non è stato considerato con meticolosa attenzione ai particolari, ed è per questo che rimane uno dei film più importanti della storia della fantascienza.
2001: Odissea nello spazio (1968)
Il capolavoro di Stanley Kubrick potrebbe avere 50 anni, ma sembra ancora fresco ora come allora. Un film che ha veramente cambiato il volto della fantascienza per sempre, l’autore ha dimostrato che il genere poteva e doveva affrontare temi più pesanti sull’evoluzione, l’esistenza e l’intelligenza artificiale.
Il film è un’esperienza “non verbale” – su due ore e diciannove minuti di film, ci sono solo poco meno di quaranta minuti di dialogo – e secondo lo sviluppo dei personaggi, Kubrick ha usato una cura ossessiva per costruire le sue macchine e ottenere effetti speciali.
Come ha detto Taste of Cinema, “Che si tratti del leggendario taglio tra l’osso e le astronavi o del viaggio interstellare, Kubrick ha usato tutta la potenza del film per raccontare la storia non di un singolo personaggio, ma di tutta l’umanità.”