On pourrait penser que tout acteur cherchant à percer dans le cinéma éviterait de se lancer dans quelque chose de trop ambitieux la première fois. Peut-être des décors faciles, des histoires simples, quelques personnages centraux – quelque chose de relativement sans risque qui sert de véhicule pour montrer ces talents de cinéaste. Mais quand on s’appelle Woody Harrelson, les règles ne s’appliquent pas. En voici un exemple : Lost in London, son premier film en tant que réalisateur.
Non seulement il a décidé de filmer le truc en une seule prise et de le baser sur des événements réels de sa vie, mais il a été tourné en direct et en temps réel – ce qui signifie que le moindre petit ratage, la moindre erreur, et le tout premier film de Woody serait à jamais terni.
Luckily Lost in London s’est avéré être un succès – un véritable testament des talents de Woody devant et derrière la caméra. Si vous qui l’avez manqué lors de sa diffusion l’année dernière, Lost in London est maintenant disponible sur Digital HD et Hulu. Regardez ce clip :
L’énergie est palpable. Au lieu de repousser ces limites, Woody les a réduites en miettes. La question est : est-ce que ça vous a fait réfléchir ?
Peut-être que voir un projet aussi ambitieux réalisé avec finesse vous a inspiré et vous a fait penser que tout est possible. Avec une telle abondance de contenu à notre disposition à l’ère moderne, il est indispensable pour un cinéaste de se démarquer et d’avoir un avantage unique.
Pour vous aider à faire marcher ces cartes mentales et à faire couler les jus créatifs, voici une liste classée de dix autres films expérimentaux qui ont repoussé ces limites dans la même veine que Lost in London. L’inspiration est partout !
Boyhood (2014)
Le drame indépendant de Richard Linklater sur le passage à l’âge adulte présente l’enfance et l’adolescence de Mason Jr. (Ellar Coltrane) de six à dix-huit ans alors qu’il grandit au Texas avec des parents divorcés (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Bien que nous ne soyons pas de grands fans du film lui-même, nous pensons que Boyhood mérite une mention, car il est indéniable que Linklater a livré un projet qui n’était rien de moins qu’ambitieux.
La production est ce qui rend ce film spécial, menée pendant douze ans afin qu’il puisse vraiment créer un film sur le fait de grandir. Le réalisateur a écrit et développé l’histoire sur une base annuelle, en utilisant les clips précédents comme inspiration pour façonner et élaborer la narration et le développement des personnages, ce qui lui a permis de garder les mêmes acteurs tout au long du film sans avoir à utiliser des effets spéciaux ou du maquillage.
The One I Love (2014)
Une romcom avec une tournure délicieusement sombre, The One I Love est centré sur un couple troublé (une moitié jouée par Mark Duplass) alors qu’ils partent en vacances dans une belle escapade, seulement pour que les circonstances bizarres compliquent davantage leur relation.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) dans le rôle de l’autre moitié du couple est un rôle complexe et inhabituel, tandis que Duplass (Creep) est en pleine forme. Mais ce qui rehausse vraiment ce film indépendant, c’est le fait que les dialogues ont été improvisés. Dans une interview avec IndieWire, Duplass a expliqué les différents types d’improvisation utilisés par l’équipe :
Le scénario que nous avons utilisé pour ce film est très détaillé, très tracé – c’est une ébauche de 50 pages…. Mais il n’y a pas de dialogue écrit, donc chaque morceau de dialogue dans le film est improvisé… Vous êtes juste aussi organique que possible avec vos motivations et la trajectoire de la scène, et vous utilisez des surprises pour que la personne en face de vous dans la scène ne soit pas paresseuse et ne se repose pas sur ses talons, afin que cela puisse se sentir, espérons-le, un peu plus spontané que si c’était répété.
Tangerine (2015)
Non seulement Tangerine de Sean Baker (sur une prostituée qui déchire Tinseltown la veille de Noël à la recherche du proxénète qui lui a brisé le cœur) a été salué comme un exploit par la communauté LGBTQI, mais il a également été filmé uniquement avec un iPhone 5S pour tenir compte du budget minuscule du film. Baker a déclaré à The Verge que lui et son équipe ont utilisé trois iPhones différents, l’application Filmic Pro à 8 dollars, un Steadicam et quelques objectifs adaptateurs – et c’est tout, les amis !
L’acteur James Ransone (Sinister) a souligné que la clé du tournage du film était d’avoir une équipe bien rodée à la réalisation traditionnelle. « Il faut quand même savoir comment fonctionne le montage. Oui, vous pouvez faire un film magnifique avec un budget dérisoire, mais vous devez connaître 100 ans de réalisation. »
Playtime (1967)
Le chef-d’œuvre du cinéaste français Jacques Tati (Les vacances de Monsieur Hulot), les coûts de production de cette comédie audacieuse étaient si élevés qu’il fallait qu’elle soit un large succès si elle voulait couvrir la somme que Tati avait déboursée pour que le film soit financièrement viable. « Malheureusement, le film n’a pas été un succès commercial, et Tati a fini par faire faillite, mais le film était bien une réussite technique et artistique », a noté Goût du cinéma.
Tourné en 70mm et conçu avec des plans extrêmement larges, Playtime est remarquable pour son immense décor que Tati a fait construire spécialement pour le film, ainsi que pour l’utilisation, caractéristique du réalisateur, d’une comédie visuelle subtile mais complexe et d’effets sonores innovants.
« Les décors sont soigneusement conçus et réalisés pour les gags dans lesquels les ravages de (le personnage principal) Monsieur Hulot sont présentés, et d’un ordre et d’une précision impressionnants. Il n’y a pas de gros plans dans le film, seulement des plans larges parfaitement composés et chorégraphiés. »
Unsane (2018)
Il n’est pas surprenant que le cinéaste Steven Soderbergh ait fait la liste, comme celui qui a inauguré une nouvelle vague de cinéma indépendant avec son premier long métrage Sex, Lies and Videotape et qui a depuis acquis la réputation d’être l’un des cinéastes les plus audacieux, imprévisibles et excitants qui soient.
L’un des exploits les plus remarquables de Soderbergh a été son récent voyage dans le genre de l’horreur avec le thriller Unsane. Non seulement il a tourné le tout sur un iPhone, mais il l’a fait en seulement deux semaines. Malgré les restrictions importantes, Soderbergh a réussi – le film a été accueilli par des critiques chaleureuses après sa première à la Berlinale de cette année, montrant ce que les gadgets quotidiens d’aujourd’hui peuvent faire pour repousser les limites du style sur grand écran.
La Montagne sacrée (1973)
L’épopée surréaliste d’Alejandro Jodorowsky a été présentée en première mondiale deux ans après El Topo et, en comparaison avec son premier film, La Montagne sacrée est une œuvre bien plus ambitieuse et complète. Elle est centrée sur un puissant alchimiste dans un monde corrompu et avide qui conduit un personnage christique et sept personnages matérialistes à la Montagne sainte, où ils espèrent atteindre l’illumination.
C’est un voyage époustouflant et toute une colline à gravir pour déchiffrer ses nombreux messages symboliques, mais ce qui est clair comme de l’eau de roche, c’est que peu de cinéastes ont été aussi engagés que Jodorowsky pour fournir des images grotesques, surréalistes, symboliques et hallucinatoires pour soutenir son œuvre maîtresse.
Alors que la plupart des gens se prépareraient avant le début du tournage principal en s’assurant que leur équipement et leur équipe sont au point, l’auteur et sa femme ont passé une semaine sans dormir sous la direction d’un maître zen japonais.
Les membres du casting central ont de même passé trois mois à effectuer divers exercices spirituels guidés par Oscar Ichazo de l’Institut Arica et le réalisateur a également administré des champignons psilocybines aux acteurs pendant le tournage de la scène de mort-renaissance.
L’effet de ces techniques est palpable en regardant le film, culminant pour créer une expérience éclairée qui semble hors du monde, visuellement, narrativement et spirituellement. Comme le dit le slogan, « Rien dans votre éducation ou votre expérience ne peut vous avoir préparé à ce film. »
Irréversible (2002)
L’Irréversible de l’auteur Gaspar Noé est ambitieux dans son style expérimental, souvent associé au cinéma du corps, qui partagerait des affinités avec certaines productions d’avant-garde telles qu’une utilisation atténuée de la narration, une cinématographie agressive, des sujets provocants et un sentiment omniprésent de nihilisme social.
On peut dire qu’Irréversible incarne de telles caractéristiques. Noé a expérimenté les techniques de caméra, le son et la narration, tissant l’histoire avec une douzaine de plans ininterrompus fondus ensemble. Une heure du film comporte un son à basse fréquence pour créer un état de nausée et d’anxiété et le récit utilise une chronologie inversée.
Comme l’a noté David Sterritt dans son roman Guiltless Pleasures : A David Sterritt Film Reader, Irréversible n’est pas simplement une histoire racontée à l’envers, mais une étude complexe de la nature du temps. « Son réalisateur s’intéresse moins aux causes et aux effets qu’à la forme du temps lui-même ». S’exprimant à ce sujet, Noé a lui-même déclaré : « La structure est toute drôle et le travail de caméra est plein d’énergie, mais il s’agit en réalité de perdre quelqu’un que l’on aime. »
À ce jour, Irréversible reste l’un des films les plus divisés jamais réalisés, mais une chose sur laquelle la plupart peuvent s’accorder est que Noé n’a pas peur de travailler hors des sentiers battus et d’innover avec ses techniques stylistiques.
Metropolis (1927)
Dire que Metropolis de Fritz Lang était en avance sur son temps serait un euphémisme – avec une histoire significative sur la lutte des classes dans une ville dystopique, Metropolis est considéré comme le tout premier film de science-fiction.
Inspirant encore aujourd’hui les artistes visuels, les réalisateurs, les créateurs de mode et les décorateurs, le film expressionniste allemand muet du futur reste un exemple vraiment essentiel de l’IA à l’écran en raison de la conception et de la biomécanique derrière le robot False Maria, qui a ensuite directement influencé la conception de C3PO dans Star Wars.
Lang a développé une gamme d’effets spéciaux et de décors élaborés, allant d’une immense cathédrale gothique à un paysage urbain futuriste, tout en remplissant le film d’influences stylistiques, de l’Art déco au gothique en passant par le modernisme fonctionnaliste.
Pendant ce temps, les directeurs de la photographie Karl Freund (Dracula) et Gunther Rittau (Le ton éternel) se sont largement appuyés sur les techniques de l’expressionnisme allemand pour tourner le film et le compositeur Gottfried Huppertz (Die Nibelungen : Siegfried) s’est inspiré de Richard Wagner et Richard Strauss pour créer une partition unique mise en place avec un grand orchestre.
Pas un seul détail de ce film n’a été considéré avec une attention méticuleuse, c’est pourquoi il reste l’un des films les plus importants de l’histoire de la science-fiction.
2001 : L’Odyssée de l’espace (1968)
Le chef-d’œuvre de Stanley Kubrick a peut-être 50 ans, mais il semble toujours aussi frais aujourd’hui qu’à l’époque. Un film qui a véritablement changé le visage de la science-fiction pour toujours, l’auteur a montré que le genre pouvait et devait traiter de thèmes plus lourds sur l’évolution, l’existence et l’intelligence artificielle.
Le film est une expérience « non verbale » – sur deux heures et dix-neuf minutes de film, il n’y a qu’un peu moins de quarante minutes de dialogues – et en second lieu au développement des personnages, Kubrick a utilisé un soin obsessionnel pour construire ses machines et réaliser des effets spéciaux.
Comme le dit Taste of Cinema, « qu’il s’agisse de la légendaire coupure entre l’os et les vaisseaux spatiaux ou du voyage interstellaire, Kubrick a utilisé toute la puissance du film pour raconter l’histoire non pas d’un seul personnage, mais de toute l’humanité. »
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