Musique 101

On vous a déjà présenté Claudio Monteverdi, dont la musique se situe à cheval entre la fin de la Renaissance et le début du baroque. Explorons maintenant l’une de ses compositions les plus significatives, L’Orfeo, le premier opéra considéré comme une œuvre maîtresse.

Introduction

L’Orfeo (SV 318), parfois appelé La favola d’Orfeo, est une favola in musica, ou opéra (parfois considéré comme de la fin de la Renaissance), du début du baroque, de Claudio Monteverdi, sur un livret d’Alessandro Striggio. Il est basé sur la légende grecque d’Orphée et raconte l’histoire de sa descente aux enfers et de sa tentative infructueuse de ramener sa défunte épouse Eurydice au monde des vivants. Il a été écrit en 1607 pour une représentation à la cour lors du carnaval annuel de Mantoue. Alors que l’honneur du tout premier opéra revient à Dafne de Jacopo Peri, et que le plus ancien opéra existant est Euridice (également de Peri), L’Orfeo a l’honneur d’être le plus ancien opéra existant qui est encore régulièrement joué aujourd’hui.

Au début du XVIIe siècle, l’intermedio traditionnel – une séquence musicale entre les actes d’une pièce de théâtre droite – évoluait vers la forme d’un drame musical complet ou « opéra ». L’Orfeo de Monteverdi a fait sortir ce processus de sa phase expérimentale et a fourni le premier exemple pleinement développé de ce nouveau genre. Après sa première représentation, l’œuvre a été remise en scène à Mantoue, et peut-être dans d’autres centres italiens au cours des années suivantes. Sa partition a été publiée par Monteverdi en 1609 et à nouveau en 1615. Après la mort du compositeur en 1643, l’opéra n’a pas été joué pendant de nombreuses années et a été largement oublié jusqu’à ce qu’un regain d’intérêt à la fin du XIXe siècle conduise à une série d’éditions et de représentations modernes. Au début, il s’agissait plutôt de versions non mises en scène dans des instituts et des sociétés musicales, mais après la première représentation dramatisée moderne à Paris, en 1911, l’œuvre a commencé à être vue de plus en plus souvent dans des théâtres. Après la Seconde Guerre mondiale, la plupart des nouvelles éditions ont recherché l’authenticité en utilisant des instruments d’époque. De nombreux enregistrements ont été publiés, et l’opéra a été de plus en plus souvent mis en scène dans des maisons d’opéra. En 2007, le quatercentenaire de la première a été célébré par des représentations dans le monde entier.

Dans sa partition publiée, Monteverdi énumère environ 41 instruments à déployer, avec des groupes distincts d’instruments utilisés pour représenter des scènes et des personnages particuliers. Ainsi, les cordes, clavecins et flûtes à bec représentent les champs pastoraux de Thrace avec leurs nymphes et bergers, tandis que les cuivres lourds illustrent le monde souterrain et ses habitants. Composé au moment de la transition entre la Renaissance et le Baroque, L’Orfeo utilise toutes les ressources alors connues de l’art musical, avec une utilisation particulièrement audacieuse de la polyphonie. L’œuvre n’est pas orchestrée en tant que telle ; dans la tradition de la Renaissance, les instrumentistes suivaient les instructions générales du compositeur mais disposaient d’une grande liberté d’improvisation. Cela sépare l’œuvre de Monteverdi du canon d’opéra ultérieur et fait de chaque exécution de L’Orfeo une occasion individuelle unique.

Contexte historique

Claudio Monteverdi, né à Crémone en 1567, était un prodige musical qui a étudié sous Marc’Antonio Ingegneri, le maestro di cappella (chef de musique) de la cathédrale de Crémone. Après avoir reçu une formation en chant, en jeu de cordes et en composition, Monteverdi travaille comme musicien à Vérone et à Milan jusqu’à ce qu’il obtienne, en 1590 ou 1591, un poste d’assuonatore di vivuola (joueur de viole) à la cour du duc Vincenzo Gonzague à Mantoue. Grâce à ses capacités et à son travail acharné, Monteverdi se hisse au rang de maestro della musica (maître de musique) de Gonzague en 1601.

La passion particulière de Vincenzo Gonzaga pour le théâtre musical et le spectacle est née de ses liens familiaux avec la cour de Florence. Vers la fin du XVIe siècle, des musiciens florentins novateurs développaient l’intermedio – une forme d’interlude musical établie de longue date et insérée entre les actes de drames parlés – en des formes de plus en plus élaborées. Menés par Jacopo Corsi, ces successeurs de la célèbre Camerata sont à l’origine de la première œuvre généralement reconnue comme appartenant au genre de l’opéra : Dafne, composée par Corsi et Jacopo Peri et jouée à Florence en 1598. Cette œuvre combinait des éléments de chant madrigal et de monodie avec des danses et des passages instrumentaux pour former un ensemble dramatique. Il ne subsiste que des fragments de sa musique, mais plusieurs autres œuvres florentines de la même période – Appresentatione di Anima, et di Corpo d’Emilio de’ Cavalieri, Euridice de Peri et Euridice de Giulio Caccini portant le même titre – sont encore complètes. Ces deux dernières œuvres étaient la première des nombreuses représentations musicales du mythe d’Orphée tel que raconté dans les Métamorphoses d’Ovide, et en tant que telles, elles étaient des précurseurs directs de L’Orfeo de Monteverdi.

La cour des Gonzague avait une longue histoire de promotion du divertissement dramatique. Un siècle avant l’époque du duc Vincenzo, la cour avait mis en scène le drame lyrique d’Angelo Poliziano, La favola di Orfeo, dont au moins la moitié était chantée plutôt que parlée. Plus récemment, en 1598, Monteverdi avait aidé l’établissement musical de la cour à produire la pièce Il pastor fido de Giovanni Battista Guarini, décrite par l’historien du théâtre Mark Ringer comme une « œuvre théâtrale décisive » qui a inspiré l’engouement italien pour le drame pastoral. Le 6 octobre 1600, alors qu’il était en visite à Florence pour le mariage de Marie de Médicis avec le roi Henri IV de France, le duc Vincenzo assista à une représentation de l’Euridice de Peri. Il est probable que ses principaux musiciens, dont Monteverdi, étaient également présents à cette représentation. Le duc a rapidement reconnu la nouveauté de cette nouvelle forme de divertissement dramatique, et son potentiel pour apporter du prestige à ceux qui étaient prêts à la sponsoriser.

Composition

Lorsque Monteverdi a écrit la musique de L’Orfeo, il avait une base approfondie dans la musique théâtrale. Il avait été employé à la cour des Gonzague pendant 16 ans, la plupart du temps comme interprète ou arrangeur de musique de scène, et en 1604 il avait écrit le ballo Gli amori di Diane ed Endimone pour le carnaval de Mantoue de 1604-05. Les éléments à partir desquels Monteverdi a construit sa première partition d’opéra – l’aria, le chant strophique, le récitatif, les chœurs, les danses, les intermèdes musicaux dramatiques – n’ont pas été créés par lui, comme l’a souligné le chef d’orchestre Nikolaus Harnoncourt, mais « il a mélangé tout le stock des possibilités les plus récentes et les plus anciennes en une unité qui était vraiment nouvelle ». Le musicologue Robert Donington écrit de même : L’œuvre  » ne contient aucun élément qui ne soit pas basé sur un précédent, mais elle atteint sa pleine maturité dans cette forme récemment développée. . . . Voici des mots aussi directement exprimés en musique que l’on voulait qu’ils le soient ; voici une musique qui les exprime… avec la pleine inspiration du génie. »

Monteverdi énonce les exigences orchestrales au début de sa partition publiée, mais conformément à la pratique de l’époque, il ne précise pas leur usage exact. A cette époque, il était d’usage de laisser à chaque interprète de l’œuvre la liberté de prendre des décisions locales, en fonction des forces orchestrales dont il disposait. Celles-ci pouvaient être très différentes d’un endroit à l’autre. De plus, comme le souligne Harnoncourt, les instrumentistes étaient tous des compositeurs et s’attendaient à collaborer de manière créative à chaque représentation, plutôt que de jouer un texte imposé. Une autre pratique de l’époque consistait à permettre aux chanteurs d’embellir leurs arias. Monteverdi a écrit des versions unies et embellies de certaines arias, comme le « Possente spirito » d’Orfeo, mais selon Harnoncourt « il est évident que là où il n’a pas écrit d’embellissements, il ne voulait pas qu’on en chante. »

Chaque acte de l’opéra traite d’un seul élément de l’histoire, et chacun se termine par un chœur. Malgré la structure en cinq actes, avec deux séries de changements de scène, il est probable que L’Orfeo s’est conformé à la pratique standard des divertissements de cour de l’époque et a été joué comme une entité continue, sans intervalles ni descentes de rideau entre les actes. La coutume contemporaine voulait que les changements de scène se fassent à la vue du public, ces changements étant reflétés musicalement par des changements d’instrumentation, de tonalité et de style.

Synopsis

L’action se déroule dans deux lieux contrastés : les champs de Thrace (actes 1, 2 et 5) et les Enfers (actes 3 et 4). Une toccata instrumentale (en anglais : tucket, signifiant une fanfare de trompettes) précède l’entrée de La musica, représentant « l’esprit de la musique », qui chante un prologue de cinq strophes en vers. Après avoir accueilli gracieusement le public, elle annonce qu’elle peut, grâce à de doux sons, « calmer tous les cœurs troublés ». Elle chante un autre hymne au pouvoir de la musique, avant de présenter le principal protagoniste du drame, Orfeo, qui « tenait les bêtes sauvages sous le charme de son chant ».

Acte 1

Après la dernière demande de silence de La musica, le rideau se lève sur l’acte 1 pour révéler une scène pastorale. Orfeo et Euridice entrent en compagnie d’un chœur de nymphes et de bergers, qui agissent à la manière d’un chœur grec, commentant l’action à la fois en tant que groupe et en tant qu’individus. Un berger annonce que c’est le jour des noces du couple ; le chœur répond, d’abord par une invocation majestueuse (« Viens, Hymen, ô viens »), puis par une danse joyeuse (« Quitte les montagnes, quitte les fontaines »). Orfeo et Euridice chantent leur amour mutuel avant de partir avec la plupart des membres du groupe pour la cérémonie de mariage dans le temple. Ceux qui restent sur scène chantent un bref chœur, commentant comment Orfeo était autrefois celui « pour qui les soupirs étaient la nourriture et les pleurs la boisson » avant que l’amour ne l’amène à un état de bonheur sublime.

Act 2

Orfeo revient avec le chœur principal, et chante avec eux les beautés de la nature. Orfeo songe alors à son malheur passé, mais proclame : « Après le chagrin, on est plus content, après la douleur, on est plus heureux. » L’atmosphère de contentement prend fin brusquement lorsque La messaggera entre, apportant la nouvelle qu’Euridice, en cueillant des fleurs, a reçu une morsure de serpent fatale. Le chœur exprime son angoisse :  » Ah, amer événement, ah, destin impie et cruel !  » tandis que la Messagère se fustige elle-même en tant que porteuse de mauvaises nouvelles ( » Pour toujours, je m’enfuirai, et dans une caverne solitaire, je mènerai une vie à la mesure de mon chagrin « ). Orfeo, après avoir exprimé son chagrin et son incrédulité (« Tu es mort, ma vie, et je respire ? »), déclare son intention de descendre aux Enfers et de persuader son souverain de permettre à Euridice de revenir à la vie. Sinon, dit-il, « je resterai avec toi en compagnie de la mort ». Il s’en va, et le chœur reprend sa complainte.

Acte 3

Orfeo est guidé par Speranza jusqu’aux portes d’Hadès. Après lui avoir indiqué les mots inscrits sur la porte (« Abandonnez l’espoir, vous tous qui entrez ici »), Speranza s’en va. Orfeo est alors confronté au passeur Caronte, qui s’adresse durement à Orfeo et refuse de lui faire traverser le Styx. Orfeo tente de persuader Caronte en lui chantant une chanson flatteuse (« Esprit puissant et divinité puissante »), mais le passeur reste impassible. Cependant, lorsqu’Orfeo prend sa lyre et en joue, Caronte est apaisé et s’endort. Saisissant sa chance, Orfeo vole la barque du passeur, traverse le fleuve et pénètre dans les Enfers, tandis qu’un chœur d’esprits rappelle que la nature ne peut se défendre contre l’homme : « Il a dompté la mer avec du bois fragile, et dédaigné la rage des vents. »

Act 4

Dans les Enfers, Proserpine, reine d’Hadès, qui a été profondément touchée par le chant d’Orfeo, supplie le roi Plutone, son époux, de libérer Euridice. Touché par ses supplications, Plutone accepte à la condition qu’Orfeo, tout en conduisant Euridice vers le monde, ne se retourne pas. S’il le fait, « un seul regard le condamnera à une perte éternelle ». Orfeo entre, conduit Euridice et chante avec confiance que ce jour-là, il reposera sur le sein blanc de sa femme. Mais alors qu’il chante, une note de doute s’insinue : « Qui m’assurera qu’elle suit ? » Peut-être Plutone, poussé par l’envie, a-t-il imposé cette condition par dépit ? Soudain distrait par une agitation hors de la scène, Orfeo regarde autour de lui ; immédiatement, l’image d’Euridice commence à s’estomper. Elle chante, désespérée : « Tu me perds par trop d’amour ? » et disparaît. Orfeo tente de la suivre mais il est attiré par une force invisible. Le chœur des esprits chante qu’Orfeo, après avoir vaincu Hadès, a été à son tour vaincu par ses passions.

Acte 5

De retour dans les champs de Thrace, Orfeo a un long soliloque dans lequel il déplore sa perte, loue la beauté d’Euridice et se résout à ce que son cœur ne soit plus jamais percé par la flèche de Cupidon. Un écho hors scène répète ses dernières phrases. Soudain, dans un nuage, Apollon descend des cieux et le réprimande : « Pourquoi te livres-tu en proie à la rage et au chagrin ? » Il invite Orfeo à quitter le monde et à le rejoindre dans les cieux, où il reconnaîtra la ressemblance d’Euridice dans les étoiles. Orfeo répond qu’il serait indigne de ne pas suivre les conseils d’un père si sage, et ensemble ils montent. Un chœur de bergers conclut que  » celui qui sème dans la souffrance récoltera le fruit de toute grâce « , avant que l’opéra ne se termine par une vigoureuse moresca.

Fin du livret original

Dans le livret de Striggio de 1607, le soliloque de l’acte 5 d’Orfeo est interrompu, non par l’apparition d’Apollon, mais par un chœur de maenades ou de Bacchantes – des femmes sauvages et ivres – qui chantent la « fureur divine » de leur maître, le dieu Bacchus. La cause de leur colère est Orfeo et son renoncement aux femmes ; il n’échappera pas à leur colère céleste, et plus il s’y dérobera, plus son sort sera sévère. Orfeo quitte la scène et son destin reste incertain, car les Bacchantes se consacrent pendant le reste de l’opéra à des chants et des danses sauvages à la gloire de Bacchus. Claude Palisca, spécialiste de la musique ancienne, estime que les deux fins ne sont pas incompatibles ; Orfeo échappe à la fureur des Bacchantes et est ensuite secouru par Apollon.