Les 21 meilleurs documentaires scientifiques que vous devriez regarder dès maintenant

Par Simon Ings

Mon professeur de pieuvre (2020)

Netflix

En 2010, le documentariste bluffant et affable Craig Foster était arrivé au bout de son rouleau. Cela faisait vingt ans qu’il réalisait des documentaires. Avec succès, d’ailleurs : il a coréalisé The Great Dance : A Hunter’s Story (2000), une étude fondamentale et plusieurs fois récompensée sur le peuple indigène San dans le désert du Kalahari. Pourtant, son énergie habituelle avait commencé à l’abandonner.

Plutôt que de se morfondre, Foster a décidé de plonger, tous les jours, dans une forêt de varech sous-marine froide, près de chez lui au Cap, en Afrique du Sud. C’est au cours d’une de ces plongées qu’il a rencontré une pieuvre commune qui se cachait des requins. L’observation d’un comportement aussi complexe et envoûtant a donné une idée à Foster : pendant l’année suivante, il a rendu visite à la pieuvre et a suivi ses mouvements. Au fil du temps, la pieuvre lui a répondu, l’a salué, a même joué avec lui, et c’est ainsi que Foster a commencé à cartographier le terrain commun qui existe entre deux formes d’intelligence sauvagement différentes.

Mélangeant les images de Foster avec les prises de vue spectaculaires et irisées du spécialiste sous-marin Roger Horrocks (responsable de certaines séquences remarquables dans les séries Our Planet et Blue Planet II de la BBC), My Octopus Teacher a remporté deux catégories aux Critics’ Choice Documentary Awards, celle du meilleur documentaire sur la science/nature et celle de la meilleure cinématographie.

Plus qu’un simple film sur la nature, c’est un film sur la curiosité, le jeu et la confiance. L’observation minutieuse et l’implication émotionnelle de Foster l’amènent à faire des déclarations drôlement étranges ; les humains et les pieuvres ne sont pas du tout semblables les uns aux autres de toutes les manières qu’il laisse entendre. Mais le point plus large du film – que la sympathie et l’intelligence peuvent combler un gouffre d’éons évolutifs – est beaucoup plus intéressant et, quand on y pense, beaucoup plus radical.

Night on Earth (2020)

Netflix

Plimsoll Productions, les producteurs de la série documentaire Hostile Planet, ont recruté pratiquement tous ceux qui sont quelqu’un dans la communauté des réalisateurs de films animaliers pour révéler, au cours de six épisodes énergiques, ce que le monde sauvage fait pendant notre sommeil. Peu de détails et beaucoup d’hyperboles – la narratrice Samira Wiley parle de la nuit comme si les téléspectateurs n’étaient jamais restés éveillés après 21 heures -, Night on Earth n’en est pas moins une véritable innovation, combinant des séquences diurnes et nocturnes pour révéler, parfois de manière déroutante, les comportements d’espèces même familières. Le segment du Zimbabwe filmé par le producteur de la série, Bill Markham, dans lequel des hyènes et des lions pourchassent des bébés éléphants, est un point culminant effroyable.

Composée de 60 tournages distincts sur un an dans 30 pays différents, l’émission fait bien plus que combler les lacunes laissées par l’équipe de Planète Terre. Elle a été créée à l’aide de nouveaux modèles d’appareils à faible luminosité qui filment en couleur et avec une clarté remarquable au clair de lune. Les cimes des arbres d’Argentine sont éclairées par une lumière infrarouge pour capturer la vie nocturne des singes hiboux. Le nettoyage numérique par Night on Earth des séquences de vision nocturne habituelles doit être vu pour être cru.

L’émission contient plus qu’assez de récits d’audace pour satisfaire les traditionalistes. Un caméraman a découvert que les chauves-souris vampires péruviennes, distraites de leur poursuite des bébés otaries à fourrure, sont plus qu’heureuses de grignoter les naturalistes. Mais il n’y a pas que de belles images : le nouveau kit s’accompagne d’une nouvelle façon de penser. Un épisode entier de cette courte série est consacré à la faune dans les villes parce que, qu’on le veuille ou non, c’est là que beaucoup de créatures vivent maintenant – ou essaient de le faire.

Spaceship Earth (2020)

Hulu et Amazon Prime Video

Le réalisateur Matt Wolf s’appuie sur des archives impressionnantes d’images inédites pour raconter l’histoire souvent racontée (et souvent mal représentée) de Biosphère 2, la fierté et la joie d’une ambitieuse troupe de théâtre expérimental de San Francisco, le Theater of All Possibilities.

L’expérience, menée de main de maître par le bouillant écrivain et écologiste John Allen, et financée par le milliardaire Ed Bass, consistait à faire entrer huit personnes dans un dôme géant à Oracle, en Arizona, le 26 septembre 1991, et à verrouiller la porte derrière elles, pour voir si elles pouvaient survivre dans un écosystème hermétiquement fermé et conçu par elles-mêmes. Ils en sont ressortis deux ans plus tard, un peu plus sages, certainement plus minces et extrêmement sur la défensive au sujet de leur expérience, conçue comme un moyen spectaculaire de sensibilisation à l’environnement, et désormais embourbée dans une controverse financière et scientifique.

Biosphère 2 était un projet de recherche scientifique systémique qui recréait les principaux climats de la Terre – forêts tropicales, déserts, plaines, océans, récifs – en miniature. Le programme n’a jamais été un culte : il s’agissait d’une expérience naïve mais extrêmement productive de conception d’écosystèmes. Biosphère 2 (sans son équipage vivant) fait toujours de la science sous l’égide de son nouveau propriétaire, l’Université d’Arizona.

À notre époque de biohackers et de scientifiques citoyens, les premiers biosphériens nous paraissent beaucoup moins étranges aujourd’hui qu’ils n’ont dû le paraître quand, en 1994, (et après une deuxième mission), le projet a été effectivement démantelé par son nouveau patron Steve Bannon (plus tard le stratège en chef de Donald Trump).

Kooky et délicieux comme le film de Wolf est, Spaceship Earth parvient également à saisir le sérieux de l’intention derrière un projet trop souvent écrit, alors et depuis, comme un coup de publicité.

Feels Good Man (2020)

Microsoft Store, Apple Store et BBC iPlayer

Le film surréaliste, drôle et finalement dévastateur d’Arthur Jones raconte les tentatives de son ami Matt Furie de maîtriser son Pinocchio errant à lui, Pepe la grenouille.

Pepe a commencé sa vie comme un personnage de dessin animé dessiné à la main, l’un des quatre étudiants défoncés de Boy’s Club, la bande dessinée MySpace de Furie. Comme il était facile à dessiner, il a rapidement été repris en ligne par d’autres personnes, et a commencé à apparaître dans des messages de stoners mécontents à travers les États-Unis. À l’époque, cela ne semblait guère avoir d’importance, il s’agissait plutôt d’un reptile à bout de nerfs qui parlait à sa base.

Mais en 2014, lorsque la popstar Katy Perry a mis en scène son sourire vert sur son fil Twitter, certains fans de Pepe ont commencé à lui donner des capuches KKK et des moustaches d’Hitler dans le but d’effrayer le courant dominant. Les extrémistes des réseaux sociaux Reddit et 4Chan se sont mis de la partie : voilà un mème qu’ils pouvaient utiliser, « se sentant bien » à propos de tout, du viol à Auschwitz, le tout sous couvert d’une prétendue « blague ». Peu de temps après, l’espoir présidentiel Donald Trump a brièvement adopté Pepe comme mascotte en ligne et l’Anti-Defamation League a ajouté la grenouille à son registre de symboles de haine.

Feels Good Man, avec ses animations loufoques et ses virées en voiture – Furie essaie frénétiquement de racheter sa création par tous les moyens possibles, fan par fan s’il le faut – est aussi désorientant et terrifiant que l’histoire qu’il entreprend de raconter. Le Festival du film de Sundance a décerné à Jones un prix spécial du jury pour les cinéastes émergents, et le Festival international du film Lighthouse lui a attribué le prix du meilleur documentaire long métrage.

Le Dilemme social (2020)

Netflix

Bien qu’il soit peu probable qu’il apprenne aux lecteurs réguliers du New Scientist quelque chose qu’ils ne savaient pas déjà, le docudrame de Jeff Orlowski est une superbe pièce d’éducation civique, explorant les accidents, les erreurs, les bonnes intentions et les mauvais comportements (humains et algorithmiques) qui ont façonné nos principales plateformes de médias sociaux. Orlowski, qui a reçu des Emmy Awards pour ses films écologiques Chasing Ice et Chasing Coral, a remporté l’Impact Film Award au Boulder International Film Festival et a reçu une mention honorable au Copenhagen International Documentary Festival pour sa dernière œuvre. The Social Dilemma combine des entretiens d’une franchise choquante avec des initiés de la Silicon Valley et les mésaventures dramatisées d’une famille accro aux médias sociaux.

Que les séquences dramatiques vous amusent ou vous irritent, cela dépendra probablement de votre familiarité avec le matériau. Vincent Kartheiser de Mad Men joue le rôle d’une IA contrôlant ce qui est implicitement Facebook – recommandant des vidéos politiques toujours plus extrêmes et finalement même des publicités pour des armes à feu à l’adolescent solitaire Ben (Skyler Gisondo). Kartheiser, comme d’habitude, dévore l’écran. Pourtant, le rôle de Ben, joliment écrit et interprété, apporte une véritable urgence morale à un documentaire qui aurait pu autrement basculer dans le territoire familier de la « confession d’entreprise » – définie de manière mémorable par l’experte en politique technologique Maria Farrell comme « J’étais perdue mais maintenant je suis retrouvée, venez assister à ma conférence TED ». Bien sûr, l’un des principaux sujets du film est le chouchou de TED Tristan Harris, un ancien éthicien de conception chez Google qui a ensuite cofondé le Center for Humane Technology.

Il est indéniable qu’une injection urgente d’humanité est nécessaire dans ce secteur. Pour l’instant, la seule façon pour les plateformes de médias sociaux de gagner de l’argent est de changer ce que nous faisons, comment nous pensons et qui nous sommes pour répondre aux spécifications d’un client. The Social Dilemma nous montre, dans des détails douloureux, comment elles s’y prennent.

Into the Inferno (2016)

Netflix

En 1977, le cinéaste Werner Herzog s’est précipité sur l’île antillaise évacuée de la Guadeloupe pour enregistrer l’éruption volcanique imminente de l’île dans un court métrage, La Soufrière. Trente ans plus tard, alors qu’il tournait Rencontres du bout du monde en Antarctique, il a rencontré et s’est lié d’amitié avec Clive Oppenheimer, un volcanologue de l’université de Cambridge. Into the Inferno réunit ces deux expériences, utilisant la familiarité et l’amitié pour donner du relief à un film qui ne parle que d’incendie, de catastrophe et de mort imminente. Il n’est pas étonnant que ce soit une œuvre aussi bon enfant et finalement édifiante.

Oppenheimer, qui a joué un rôle actif dans la réalisation du film, fournit le contexte scientifique. Il s’intéresse particulièrement à l’éruption incomparablement féroce du mont Toba en Indonésie, il y a 74 000 ans, qui, selon certains, aurait presque anéanti l’humanité.

Pour tous ses plans époustouflants de volcans en éruption, de rivières de lave et de piscines de magma, le film d’Herzog s’oriente résolument vers le territoire anthropologique pour tenter de découvrir comment des communautés dans des pays aussi différents que l’Islande, l’Éthiopie et la Corée du Nord non seulement survivent, mais prospèrent et trouvent un sens accru à la vie à côté de la mort. Au Vanuatu, par exemple, il existe une légende selon laquelle un soldat américain surnaturel, John Frum, sortirait un jour du volcan du mont Yasur, sur l’île de Tanna, pour répandre sa prime. En Corée du Nord, la légende veut que le fondateur du pays, Kim Il-sung, ait vécu dans une cabane en rondins au pied d’un volcan actif, le mont Paektu. Des armées de civils viennent aujourd’hui s’y recueillir.

Le grand thème de Herzog est la façon dont les gens chassent le sens du monde jusqu’à l’obsession. Les volcans sont, il s’avère, un sujet idéal, qu’il traite avec un flair dramatique et beaucoup de charme.

Unnatural Selection (2019)

Netflix

Selon Joe Egender, qui a cocréé cette série sur le génie génétique avec Leeor Kaufman, Unnatural Selection a commencé sa vie vers 2015 sous forme de scénario de science-fiction. Au cours d’un dîner, les auteurs se sont rendu compte que le matériel qu’Egender amassait était trop complexe pour une fiction – et à peine crédible de toute façon. Comment, se sont-ils demandés, n’ont-ils pas déjà su qu’il existait des technologies prêtes à transformer non seulement leurs vies, mais l’avenir même de la vie sur cette planète ?

Filmé entre 2016 et 2018, le documentaire en quatre parties qu’ils ont réalisé en réponse à cette révélation est un parcours effréné, des villages du Burkina Faso où sévit la malaria aux cliniques de fertilité d’Ukraine. Unnatural Selection nous conduit à travers diverses formes de génie génétique, en prenant autant d’implications sociétales et environnementales que le temps le permet.

Le résultat n’est pas exactement ordonné. Sans narrateur pour nous guider, nous glissons entre CRISPR, édition de gènes, lecteurs de gènes, thérapie génique et génie génétique comme s’il s’agissait de tous les aspects d’une même idée difficile à saisir. Une minute, nous parlons à Kevin Esvelt, un scientifique de l’Institut de technologie du Massachusetts qui veut immuniser les souris qui infectent les tiques avec la maladie de Lyme ; la minute suivante, nous essayons de nous faire une idée de la logique tordue par laquelle David Ishee, un éleveur de chiens du Mississippi, espère créer des chiots mastiffs à fluorescence verte en ajoutant des E. Coli au sperme de chien.

Pour autant, Unnatural Selection fonctionne très bien en effet comme une chronique des ambitions et des luttes des scientifiques, des médecins, des patients, des défenseurs de la nature et des biohackers qui cherchent à prendre le contrôle de l’évolution. « Le point commun entre tous les personnages, dit Kaufman, est qu’ils sont en possession de la technologie de demain, mais qu’ils sont coincés dans les systèmes d’aujourd’hui. »

Kiss the Ground (2020)

Netflix

Une chose est sûre : le cinéaste et activiste climatique Josh Tickell sait comment provoquer des remous. En 1997, il a conduit une camionnette alimentée par de l’huile de cuisson usagée à travers les États-Unis, attirant l’attention du monde entier. Pendant les dix années suivantes, il a fait la promotion de la durabilité personnelle via le circuit des conférences universitaires, et son premier film, le documentaire Fuel, a été nommé aux Oscars en 2008.

Les années n’ont pas atténué son approche survoltée. Son livre de 2017, Kiss the Ground, est sous-titré « Comment la nourriture que vous mangez peut inverser le changement climatique, guérir votre corps &enfin sauver notre monde ». Son nouveau documentaire est coréalisé avec sa femme, la cinéaste Rebecca Harrell Tickell, et porte à l’écran l’affirmation centrale du livre : la capacité du sol à séquestrer le carbone pourrait être la clé pour inverser les effets du changement climatique.

Bien sûr, toute solution unique à un problème aussi complexe et méchant que le changement climatique a besoin que ses pneus soient bottés avec une grande minutie. Mais les arguments des Tickells, narrés par l’acteur et activiste Woody Harrelson, sont convaincants et bien étayés. Le film rassemble des séquences épiques tournées sur cinq continents, des images saisissantes de la NASA et de l’Administration nationale des océans et de l’atmosphère des États-Unis, des animations époustouflantes et les opinions de scientifiques, d’écologistes et d’experts de premier plan, dont des lauréats du prix Nobel et des membres du Groupe d’experts intergouvernemental sur l’évolution du climat.

Le climat n’est pas non plus l’alpha et l’oméga de ce film, loin de là. Si nous régénérons les sols de la Terre, affirme le film, nous pouvons également reconstituer nos réserves d’eau, empêcher les espèces de disparaître et mieux nourrir le monde.

Un message aussi positif et inspirant est un shoo-in pour les shortlists. Bien sûr, Kiss the Ground a déjà remporté plus de deux douzaines de prix internationaux, dont ceux du meilleur documentaire et du meilleur film aux London Independent Film Awards et du meilleur documentaire de long métrage aux Venice Film Awards.

Challenger : The Final Flight (2020)

Netflix

Le 28 janvier 1986, la navette spatiale Challenger de la NASA quittait Cap Canaveral en Floride pour une mission de déploiement de satellites. C’était aussi, très ouvertement, un vol de relations publiques : à bord se trouvaient le premier astronaute afro-américain, Ronald McNair, le premier astronaute asiatique, Ellison Onizuka, et l’enseignante Christa McAuliffe, qui allait être la première citoyenne privée dans l’espace.

Quarante-treize secondes après le début du vol, des gaz chauds pulvérisés par l’un des boosters de fusée à combustible solide ont rompu le réservoir principal. Son fond s’est décollé et des quantités massives d’hydrogène liquide ont jailli du réservoir, créant une poussée soudaine vers l’avant de plus de 1000 tonnes. L’ensemble s’est brisé.

Challenger : The Final Flight rassemble des documents d’archives, des images d’actualité et des entretiens avec des proches de l’équipage de Challenger, ainsi que des ingénieurs et d’autres personnes impliquées dans la mission de la navette spatiale. La série en quatre parties récapitule la tragédie dans des détails atroces, laissant les personnes les plus proches de la catastrophe raconter son histoire.

La NASA avait voulu normaliser l’idée du voyage spatial. Au lieu de cela, elle a dû faire face à des années d’auto-examen et de réinvention douloureuses. Les réalisateurs Steven Leckart et Daniel Junge examinent les oublis systémiques qui ont conduit à la catastrophe de Challenger, et les défaillances culturelles qui ont vu la NASA jouer brièvement avec une dissimulation.

Plus mémorables, cependant, sont les témoignages poignants des familles de l’équipage et le sentiment douloureux des opportunités perdues, juste au moment où l’espace commençait à se sentir plus proche que jamais.

Crip Camp (2020)

Netflix

Les scénaristes-producteurs Nicole Newnham et James LeBrecht ont remporté le prix du public à Sundance en 2020 pour leur histoire de Camp Jened, un camp d’été à l’esprit libre, semblable à Woodstock, dans les montagnes de Catskill, dans l’État de New York, qui a été conçu pour les adolescents handicapés.

Beaucoup de ceux qui ont fréquenté le camp au début des années 1970 ont eu le sentiment que c’était la première fois qu’ils étaient vus, entendus et reconnus en tant qu’individus. Au camp Jened, personne n’était stigmatisé ou ne se sentait à l’écart. « C’était tellement funky ! » se souvient l’écrivain Denise Sherer Jacobson. « Mais c’était une utopie quand nous y étions. »

« Ce camp a changé le monde », dit LeBrecht, qui est né avec un spina-bifida et a commencé à fréquenter le Camp Jened à l’âge de 14 ans.

Combinant des entretiens avec des documents d’archives et des images d’actualité, Crip Camp décrit comment les anciens du Camp Jened, inspirés par leurs expériences, ont entrepris de fomenter une révolution de l’accessibilité. Judy Heumann, une conseillère du camp qui est devenue par la suite un leader du mouvement pour les droits des personnes handicapées, figure en bonne place alors que le film trace une ligne convaincante depuis les parties de baseball, les chants folkloriques et les clinches furtifs au Camp Jened jusqu’à la signature éventuelle de la loi sur les Américains handicapés en 1990.

Heumann, une survivante de la polio qui a été conseillère spéciale au Département d’État américain sous la présidence de Barack Obama à l’époque, se souvient : « Ce camp est l’endroit où nous avons eu ces conversations dans les couchettes, tard dans la nuit, qui nous ont fait réaliser, hé, il y a ce mouvement des droits civiques qui se déroule autour de nous, pourquoi n’en faisons-nous pas partie ? »

Le pharmacien (2020)

Netflix

Il a suffi d’une rencontre avec Dan Schneider, pharmacien de Louisiane d’âge moyen. C’est à ce moment-là que les réalisatrices Jenner Furst et Julia Willoughby Nason ont entrepris de construire une série de quatre épisodes sur des crimes réels autour des enquêtes privées de Schneider, d’abord sur la mort de son fils dans une fusillade liée à la drogue en 1999, puis sur les plus d’un demi-million de décès par overdose aux États-Unis entre 2000 et 2015.

D’un côté, baser une série sur Schneider était une évidence. Débouté par les autorités, pour qui son fils n’était qu’une victime toxicomane de plus, Schneider avait lancé sa propre enquête sur le meurtre, enregistrant tous ses appels et même ses pensées privées dans l’espoir de présenter un jour ses preuves au procès. Schneider s’est révélé être un client étonnamment dur, harcelant le voisinage, bombardant des étrangers d’appels téléphoniques et harcelant une femme pour qu’elle témoigne, même si cela l’obligeait à se placer sous la protection des témoins.

Schneider a conclu son enquête. Un an plus tard, cependant, il a commencé à remarquer que des personnes de l’âge de son fils se procuraient des ordonnances d’OxyContin. Sa réaction a été de prendre à nouveau ses clés de voiture et son magnétophone. Tant mieux pour lui : il a repéré la crise des opioïdes avant le reste d’entre nous. Ici, cependant, la formule du crime réel a eu du mal à englober toutes les questions en jeu. L’assassin du fils de Schneider, un adolescent noir pauvre, est allé en prison. Purdue Pharma, dont la croissance explosive des ventes d’OxyContin ne pouvait provenir que de la surconsommation, a réalisé 35 milliards de dollars de revenus cumulés en 2017.

Bien qu’il finisse par poser plus de questions qu’il n’apporte de réponses, The Pharmacist déploie les enregistrements et les documents de Schneider de manière captivante, ce qui lui confère une rare immédiateté.

Human Flow (2017)

Apple TV et Amazon Prime

Comment dépeindre le sort de plus de 65 millions de personnes ? C’est le défi que s’est lancé l’artiste et activiste chinois Ai Weiwei, et les cinq prix que Human Flow a reçus à la Mostra de Venise 2017 attestent de sa réussite tantôt inspirante, tantôt déchirante.

Sixante-cinq millions : c’est le nombre de personnes qui ont été contraintes de fuir leur foyer dans le monde en 2015 en raison de la famine, du changement climatique et de la guerre, dans le plus grand déplacement humain depuis la Seconde Guerre mondiale. Le chiffre actuel du Haut-Commissariat des Nations unies pour les réfugiés pour les personnes déplacées dépasse les 79,5 millions.

Filmant dans 23 pays au cours d’une année, Ai combine une cinématographie épique et des images obsédantes filmées par des drones de paysages urbains détruits et de vastes océans avec des interviews et des interactions personnelles, parfois saisies à la volée avec son propre iPhone. Le résultat est un film qui, tout en ne perdant jamais de vue les individus impliqués, parvient à englober l’ampleur de la tragédie : un « flux humain » en effet.

Le flux humain n’est pas non plus la fin de tout. Au moins, le mouvement implique l’espoir. Le film d’Ai révèle cependant que le mode de vie des réfugiés n’est plus une phase temporaire, c’est un état d’être permanent. Des générations entières naissent sans vaccins, sans éducation et sans le moindre sentiment d’être valorisées. Si Human Flow est un film à court de solutions, il est riche du genre d’empathie dont nous avons besoin pour comprendre ce qu’est être un migrant en termes humains.

Planet Earth II

Planet Earth II, Blue Planet II, Our Planet and Seven Worlds, One Planet

BBC iPlayer, Netflix, SkyGo

Regardez les grandes émissions télévisées d’histoire naturelle de ces dernières années narrées par David Attenborough, et vous serez témoin d’un changement remarquable. Le naturaliste préféré de tout le monde avant la marée semble enfin s’être mis en colère contre l’état de la planète, et contre notre rôle dans son déclin. Planet Earth II était relativement optimiste quant à l’état du monde, même si ses dernières minutes contenaient une homélie sur divers « problèmes ». Blue Planet II était plus direct, déclarant une guerre contre les plastiques océaniques qui a gagné beaucoup de rythme et d’enthousiasme depuis la première diffusion de l’émission en 2017.

Deux ans plus tard, et Seven Worlds, One Planet a vu les tempêtes générées par le changement climatique anthropique mondial souffler les poussins d’albatros hors de leurs nids. Enfin, les supérieurs de l’unité d’histoire naturelle de la BBC avaient abandonné leur quête d’un « équilibre » spécieux autour de l’urgence du changement climatique, et laissaient leurs cinéastes, et Attenborough, dire la vérité sans fard sur le monde naturel – ou ce qu’il en restait.

Mais ils avaient été gazumpés : Netflix avait déjà recruté la même communauté de producteurs, de cinéastes et de naturalistes pour produire sa propre série, Our Planet. C’est certainement ce que la BBC aurait dû faire il y a des années. C’est cher, visuellement ravissant et absolument sans ménagement dans son analyse de la direction que prend le monde.

Mercury 13

Netflix

D’Amelia Earhart à Tiny Broadwick, les femmes figurent en bonne place dans les histoires des pionniers de l’aviation. Et lorsque William Randolph Lovelace a invité des femmes pilotes dans son projet de recherche financé par des fonds privés au début des années 1960, il a obtenu la crème de la crème.

Lovelace était le médecin qui a mis au point les tests physiques et psychologiques utilisés pour sélectionner les candidats à l’espace. Il ne doutait pas que les femmes étaient capables de voler dans l’espace, et il n’était pas le seul. La Russie a envoyé la première femme – Valentina Tereshkova – dans l’espace en 1963.

En revanche, aux États-Unis, la NASA s’est tournée vers les pilotes d’essai militaires, qui étaient tous des hommes, pour son programme Apollo. S’exprimant devant le Congrès en 1962, certaines des femmes de Lovelace ont fait valoir qu’elles avaient été empêchées de s’engager pour des raisons de discrimination sexuelle. Leur affaire a été rejetée.

Les femmes de Mercury 13 avaient l’étoffe d’un bon pilote, et auraient pu voler, mais ne l’ont pas fait. Pourtant, leur détermination à tirer le meilleur parti de leur sort est inspirante. L’une d’elles a appris seule la voltige aérienne. Une autre a cofondé l’Organisation nationale des femmes. Et plusieurs – belle ironie – ont poursuivi une carrière réussie de pilotes d’essai.

Icarus

Netflix

L’astuce d’un bon documentaire est de savoir quand l’histoire que vous avez entrepris de raconter n’est pas à moitié aussi bonne que celle qui vient d’atterrir sur vos genoux.

Le réalisateur d’Icarus, Bryan Fogel, est un cycliste amateur passionné et a été agacé par la façon dont le coureur professionnel Lance Armstrong a construit sa carrière sur l’utilisation de substances améliorant les performances. Fogel a donc décidé de tenter de tricher pour obtenir quelques trophées – et de réaliser un documentaire dénonciateur sur cette expérience.

Pour faire cela correctement, Fogel avait besoin de l’aide d’experts, et c’est ainsi qu’il est tombé sur Grigory Rodchenkov, un pilier du programme antidopage russe et, il s’avère, un acteur clé dans une tentative de contournement des règles, parrainée par l’État, qui dure depuis des décennies.

Une fois cette affaire révélée, la Russie est partiellement bannie des Jeux olympiques d’été de 2016 (et carrément bannie des Jeux olympiques d’hiver de 2018) et Rodchenkov, devenu lanceur d’alerte, s’enfuit aux États-Unis – en grande partie grâce à Fogel.

Fogel n’a jamais triché pour obtenir ce trophée cycliste, mais je n’imagine pas qu’il soit trop contrarié : Icare a remporté un Oscar bien mérité pour le meilleur documentaire.

The Planets

BBC iPlayer

Sur cinq épisodes visuellement éblouissants, Brian Cox guide le téléspectateur à travers les 4.5 milliards d’années d’histoire de collisions, de quasi-accidents et d’harmoniques planétaires bizarres, un plat présenté sur un lit de géométrie diabolique, et étouffé dans une riche sauce CGI.

Une fois que vous aurez retrouvé votre souffle, je vous défie de ne pas revoir The Planets immédiatement. La science est solide et les effets spéciaux sont soigneusement pensés.

L’impression de stabilité d’horloge de notre système solaire est une illusion. Chaque planète a fait un voyage incroyable, son destin, sa position et même sa composition dépendant de l’interaction chaotique de forces inimaginablement énormes. L’interprétation de Cox est un peu exagérée à certains égards, mais dans cette série, je pense qu’il est utile qu’il personnifie ses protagonistes rocheux et gazeux chaque fois qu’il le peut. Mercure, « un embryon arraché à sa position prometteuse avant qu’il ne puisse mûrir », ne sera plus jamais le même.

Apollo 11

Netflix

Imaginez réaliser un documentaire cinématographique en 65mm sur le premier alunissage – puis abandonner, et classer le tout dans un tiroir. Vous vous en voudriez maintenant. Regardez ce que Todd Douglas Miller a fait de vos images ! Il les a assemblées avec des sélections de 11 000 heures de fichiers audio non catalogués et des rames de films originaux restaurés pour créer Apollo 11. D’une durée d’une heure et demie seulement, il s’agit aisément du document humain le plus riche jamais réalisé sur notre première aventure extraterrestre.

Comment Miller a-t-il fait ? Pour commencer, il a fait confiance à ses sources. S’il trouvait une prise de vue spectaculaire ou instructive, il la laissait s’étendre longuement. Si un astronaute ou quelqu’un du centre de contrôle avait quelque chose d’utile à dire, il les laissait le faire, sans interruption, sans narration, sans faux drame.

Cela lui donnait encore beaucoup à faire. En montant ensemble des plans des spectateurs au lancement de la fusée, il assemble un instantané de l’Amérique des années 1960, à la fois intime et épique. La partition électronique de Matt Morton, construite sur un synthétiseur Moog d’époque, maintient le tout en place : la musique est un acteur du drame qui se déroule, c’est certain, mais elle n’est jamais superflue. Le film a été nommé pour cinq Primetime Creative Arts Emmy Awards.

Le jeu de l’ivoire

Netflix

Earth League International et sa fondatrice Andrea Crosta sont les héros-détectives de ce thriller véridique, qui suit le commerce des défenses d’éléphants de la Tanzanie, du Kenya et de la Zambie vers Hong Kong, le Vietnam et la Chine.

Les réalisateurs Kief Davidson et Richard Ladkani ont un penchant pour les prises de vue au drone de 4X4 filant à toute allure dans un paysage plat. (Ladkani a inclus plusieurs plans similaires dans l’un de nos documentaires préférés de 2019, Sea of Shadows.)

Dans les cinq années précédant 2016, 150 000 éléphants ont été tués pour leur ivoire. Dans le même temps, la probabilité de l’extinction des éléphants faisait grimper le prix de leur ivoire, augmentant la menace pour les troupeaux restants.

Depuis la sortie du film, il y a eu un peu de bonnes nouvelles. La Chine a interdit le commerce de l’ivoire à la fin de 2017, et les sondages suggèrent que les citoyens chinois se désintéressent de l’ivoire, à la fois comme médecine traditionnelle et comme produit de luxe. Pourtant, les éléphants sont loin d’être en sécurité, et ce film urgent et articulé reste plus actuel que jamais.

Bébés

Netflix

Combien voulez-vous en savoir sur votre bébé ? La chère et captivante série documentaire de Netflix suit 15 familles du monde entier pendant la première année complète de la vie de leur nouveau bébé. Des données scientifiques solides viennent s’ajouter à tous ces adorables gazouillis et rebonds. Chaque épisode suit une partie différente du processus, comme les liens affectifs, l’alimentation, le sommeil et la parole.

Prenez vos pilules

Netflix

L’amphétamine a été vendue pour la première fois au public en 1932, sous la forme d’un inhalateur décongestionnant. Cinq ans plus tard, le magazine Time alertait déjà sur le fait que les étudiants utilisaient des « pilules d’encouragement » pour réussir leurs cours. Les choses sont maintenant bien plus avancées.

De l’école au lieu de travail, les gens semblent se tourner vers les pilules pour se donner un avantage. La réalisatrice Alison Klayman ne se préoccupe cependant pas tant des drogues elles-mêmes que de ce qu’elles disent d’une société dans laquelle la réussite est si difficile à obtenir que la prise de drogue est devenue un choix de carrière.

Blackfish

Netflix

Traitement de la mort de la dresseuse de SeaWorld Dawn Brancheau en 2010, le documentaire de Gabriela Cowperthwaite, nommé aux BAFTA, raconte l’histoire de Tilikum, un orque mâle de 5500 kilos apparemment très affecté par la vie d’attraction dans les parcs marins.

Dans la nature, il n’y a aucun cas enregistré d’orques tuant des personnes, mais Tilikum en a tué trois. Plus nous en apprenons sur la vie sociale complexe de ces créatures, plus nous nous rendons compte de tout ce que nous avons encore à apprendre. Nous ne devrions certainement pas les garder en isolement.

Blackfish a été regardé plus de 60 millions de fois, déclenchant la tendance actuelle des documentaires d’investigation sur la nature. Il reste l’un des meilleurs, et des plus sombres, de son genre. Il a été nommé pour le prix BAFTA du meilleur documentaire.