Il existe un syndicat de musiciens. Beaucoup de musiciens ne le savent pas – ou ne peuvent pas y adhérer

Alors que Budden veut 2 Chainz pour son syndicat potentiel, le rappeur est en fait automatiquement éligible à l’adhésion à SAG-AFTRA par le biais de son contrat avec la major-label – comme toute autre personne qui signe chez Universal, Sony ou Warner Music Group. De plus, même si 2 Chainz n’est pas syndiqué, son label verse 12,75 % des revenus bruts de sa musique au fonds de santé et de retraite du syndicat. Un représentant du rappeur a refusé de commenter son statut syndical.

Cela pose clairement un défi à SAG-AFTRA (et à l’AFM également). Il est crucial pour ces organisations d’exploiter le militantisme croissant de leurs membres potentiels. Cependant, ces membres potentiels ont un manque général de connaissances sur leurs syndicats – comment adhérer, ce que cela signifie et pourquoi cela peut être important. SAG-AFTRA et l’AFM doivent rapidement combler un déficit de sensibilisation s’ils espèrent capitaliser sur le regain d’intérêt pour les droits des créateurs et jouer un rôle majeur dans le façonnement du paysage musical du 21e siècle.

« La plupart des artistes ne réalisent pas que nous venons de passer des mois à négocier un contrat qui va ajouter des millions de dollars à leur résultat net chaque année », reconnaît David White, directeur exécutif de SAG-AFTRA. « La plupart des artistes ne savent pas que nous travaillons directement avec SoundExchange et d’autres groupes pour nous assurer que les juridictions du monde entier paient les artistes de manière appropriée. Nous avons encore du chemin à faire pour nous assurer que nous sommes en tête des préoccupations des artistes réels. »

Toutes les maisons de disques devraient commencer à laisser la propriété aux artistes, sinon vous serez considéré comme un maître d’esclaves ! Faites que ce soit égal pour les deux côtés ceux qui mettent de l’argent et le créateur ! !! Est-ce que même est trop ?

– Meek Mill (@MeekMill) 20 février 2019

Pour être juste, l’indice de tête de chaque syndicat a souffert au cours du dernier demi-siècle. Dans les années 1950, plus d’un tiers de la main-d’œuvre américaine était syndiquée. Grâce à une guerre prolongée contre le travail, ce nombre est tombé à un niveau historiquement bas – environ un travailleur américain sur dix est syndiqué aujourd’hui.

Les musiciens qui espèrent se syndiquer sont également confrontés à des obstacles différents de ceux de nombreuses autres industries. « Vous avez des stars qui passent dans et hors des bases de données syndicales, parfois en tant qu’employeur, et parfois en tant que membre détenteur d’une carte », explique Shaun Richman, un ancien organisateur qui sert maintenant de directeur de programme au Harry Van Arsdale Jr. Center for Labor Studies. Si 2 Chainz engage une section de cordes pour enregistrer avec lui, il est le patron ; quand il se retourne pour négocier un contrat avec son label, il est l’employé. « C’est totalement tordu », dit Richman.

Richman attribue l’incertitude de ce système, en partie, au succès du rock and roll. Avant l’arrivée du rock, « l’AFM avait un modèle très performant et une main-d’œuvre essentiellement syndiquée à 100% », dit-il. « Ils considéraient que les producteurs étaient les patrons. Le producteur engage les auteurs-compositeurs et le groupe n’est que des musiciens qui travaillent. » Les lignes entre le travailleur et l’employeur se sont effacées lorsque le rock « a commencé à fusionner le rôle de l’auteur-compositeur, du producteur et de l’artiste. »

Le rock est rapidement devenu un gros business, et son modèle de production musicale est devenu de plus en plus commun. Cela signifie que « la quantité de travail faisant l’objet d’une négociation collective a diminué », déclare Don Gorder, membre de longue date de l’AFM qui est actuellement président du département de gestion et d’affaires musicales de Berklee. « Maintenant, il existe principalement dans les villes où il y a des symphonies et des orchestres et l’industrie du disque qui existe principalement à Los Angeles et Nashville. »

Le nouveau modèle a également perturbé la dynamique de travail dans la scène musicale live. « Les anciens clubs de jazz sont toujours syndiqués, tout comme des lieux tels que l’Orchestre symphonique de Chicago », explique Richman. Mais les groupes de rock n’étaient pas souvent les bienvenus dans les salles établies, alors que le genre commençait à peine à être populaire. Par conséquent, « les débuts du rock ‘n’ roll ont dû trouver et créer de nouveaux lieux pour se produire – pensez au Fillmore de Bill Graham, au Winterland, etc. Ces nouveaux clubs ont ouvert leurs portes sans être syndiqués et le sont restés. »

Cela signifie que les deux principaux syndicats de musiciens s’adressent principalement aux chanteurs des grands labels – effectivement le top 1% des artistes – et aux instrumentistes qui travaillent principalement avec des orchestres ou dans l’opéra ou le théâtre musical. Un grand nombre d’artistes se situent entre ces deux catégories – personne sur un label indépendant, par exemple, ou les multitudes d’artistes non signés qui s’efforcent de devenir célèbres. « La majorité des musiciens actifs n’auront peut-être jamais d’interface avec un grand label », déclare Kevin Erickson, directeur de la Future of Music coalition, un groupe de réflexion à but non lucratif qui se bat pour « faire passer les artistes en premier ». « La diversité des pratiques et des modèles commerciaux représente un défi pour les modes d’organisation traditionnels. »

L’incapacité des syndicats à se connecter aux besoins quotidiens de tant de musiciens actifs crée une boucle de rétroaction négative : « Les gens ne les connaissent pas parce qu’ils ne sont pas nécessairement en mesure de travailler sur les questions qui concernent immédiatement cette population », explique un cadre familier des syndicats de la musique qui s’est exprimé sous couvert d’anonymat. « Et puis, comme cette population ne fait pas partie du syndicat, elle est moins à même de pousser le syndicat dans une direction où il serait plus attentif à ses problèmes. »

Gorder a vu l’importance du syndicat s’estomper pour ses étudiants. Il estime que moins de 10% des participants à Berklee « savent quelque chose sur SAG-AFTRA ou l’AFM ». Cette méconnaissance s’étend également à l’extérieur des murs de Berklee – les initiés soulignent que les grandes maisons de disques sont peu enclines à informer les artistes qu’elles signent de leur éligibilité au SAG-AFTRA. Il n’est donc peut-être pas surprenant qu’en 2016, Lady Gaga ait déclaré : « nous n’avons pas de syndicat en tant qu’artistes. Nous nous battons juste pour nous-mêmes. »

Malgré le déficit de sensibilisation, l’accès à un syndicat peut encore apporter des avantages utiles. « L’inégalité des revenus et les autres problèmes sur le lieu de travail ne seront jamais résolus par les musiciens seuls », affirme Adam Krauthamer, le nouveau président de la section new-yorkaise de l’AFM. « Le travail est la voie à suivre. »

Comme la plupart des syndicats, SAG-AFTRA et l’AFM offrent des soins de santé et des pensions. White dit que l’adhésion à SAG-AFTRA « est comme avoir une équipe juridique à votre disposition pour les batailles qui surviennent dans le cadre de l’accord autour des conditions de travail, du paiement et des redevances que vous allez percevoir. » Plusieurs différends contractuels très médiatisés ont fait l’actualité ces derniers temps – De La Soul, Lil Uzi Vert – et les experts juridiques disent que SAG-AFTRA pourrait fournir un arbitrage aux deux actes s’ils le demandaient.

SAG-AFTRA et AFM disent tous deux qu’ils s’engagent à découvrir de nouveaux modes d’organisation et à atteindre des populations qui n’auraient peut-être pas eu connaissance de ces modes dans le passé.  » Nous sommes pleinement engagés dans l’expansion de ce type de sensibilisation « , déclare White. En 2015, SAG-AFTRA a créé un nouveau poste dans son département d’organisation dans le but exprès d’entrer en contact avec un plus grand nombre d’artistes percevant des droits d’auteur ainsi qu’avec des chanteurs professionnels. La Fondation SAG-AFTRA a décerné à Lady Gaga un « Artist Inspiration Award » l’automne dernier.

Krauthamer s’est présenté explicitement sur une plateforme de modernisation de sa section du syndicat. « Beaucoup de modèles d’affaires ont changé du jour au lendemain, et nous avons vraiment pris du retard », dit-il. « Je voulais commencer à adapter nos pratiques ici, à la section 802, à ce que les musiciens vivent au quotidien. »

Une partie de la nouvelle initiative de l’AFM à New York, 802 Strong, consiste à tendre la main à ceux qui font du hip-hop « et à d’autres communautés qui n’ont pas été historiquement représentées par le syndicat ». « Nous voulons qu’ils nous éduquent sur ce qu’est leur activité », dit Krauthamer. « Et nous espérons les éduquer sur la valeur de faire partie du syndicat. »

Le chef de la section locale 802 est conscient de conversations comme celle entre Budden et 2 Chainz. « Il y a une discussion dans le monde du hip-hop : Les rappeurs devraient-ils être dans un syndicat ? » reconnaît M. Krauthamer. « Ma réponse est, bien sûr qu’ils devraient l’être ». Le défi pour lui – et pour d’autres qui espèrent organiser les musiciens – sera d’articuler pourquoi.