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L’art moderne a connu un certain nombre de changements stylistiques, mais peu ont été aussi sublimes que la peinture en champ de couleur. Ce terme s’applique aux œuvres d’art présentant de grandes surfaces de teintes plates et uniques. Cette méthode est apparue à la fin des années 1940, lorsque plusieurs artistes abstraits ont tenté de créer une nouvelle forme d’art. Ils voulaient évoquer des émotions et des idées par le biais de la couleur elle-même plutôt que de rendre des scènes et des formes reconnaissables et illustratives. Au lieu de cela, l’arrière-plan et le premier plan du tableau ne font qu’un, et l’espace du tableau – conçu comme un « champ » – semble consommer à la fois la toile et le point de vue du spectateur.
Le mouvement a été lancé par les artistes expressionnistes abstraits Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still. À la fin des années 1950, une nouvelle génération de peintres de champs colorés a commencé à émerger, et la popularité du style s’est maintenue parmi les artistes modernes jusqu’au milieu des années 60. Lisez la suite pour découvrir les artistes clés qui ont été le fer de lance de ce mouvement novateur.
Voici six peintres en champ de couleur qui ont popularisé le mouvement artistique moderne.
Clyfford Still
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Le peintre américain Clyfford Still est considéré par beaucoup comme le premier artiste à arriver au style de l’abstraction par champs de couleurs. Son œuvre mature présente des champs de teintes vives à une échelle monumentale, évoquant une tension dramatique. « Ce ne sont pas des peintures au sens habituel du terme », a-t-il dit un jour. » Ce sont la vie et la mort qui fusionnent dans une union effrayante… Elles allument un feu ; à travers elles, je respire à nouveau, je tiens une corde d’or, je trouve ma propre révélation. »
Mark Rothko
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Mark Rothko ne s’est jamais officiellement appelé un peintre de champ de couleur, mais il est considéré par les critiques comme l’un des pionniers clés du style. Célèbre pour ses toiles géantes présentant de grandes sections de teintes pures, Rothko pensait que la couleur pouvait puiser dans nos émotions les plus profondes. Son choix de pigments reflétait son humeur du moment. Lorsqu’il a adopté pour la première fois le style des champs colorés dans les années 1950, il a peint avec des teintes vives et chaudes. Cependant, au fil des années et de la détérioration de sa santé mentale, il a commencé à utiliser des noirs, des bleus et des gris sombres. Il aurait dit un jour : « Si vous n’êtes ému que par les relations entre les couleurs, vous passez à côté de l’essentiel. Ce qui m’intéresse, c’est d’exprimer les grandes émotions – la tragédie, l’extase, le malheur. »
Barnett Newman
Barnett Newman croyait : « Un peintre est un chorégraphe de l’espace. » L’artiste américain a inventé ce qu’il appelait le « zip », une bande de couleur verticale qui distinguait ses œuvres de celles de ses collègues expressionnistes abstraits. L’un de ses tableaux les plus célèbres, datant de 1950-51, intitulé Vir heroicus sublimis (« L’homme, héroïque et sublime »), mesure un format épique de 95 x 213 pouces et constitue sa plus grande toile à l’époque. Il s’agit de sa plus grande toile de l’époque. Elle présente de grands champs de couleur rouge vif, interrompus par des lignes verticales occasionnelles de type « zip ». Avec son échelle écrasante, Newman a tenté de susciter une forte réaction du spectateur et de l’envelopper complètement – ainsi que son espace personnel – dans cette teinte vibrante.
Kenneth Noland
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Le peintre américain Kenneth Noland est connu pour ses formes abstraites simplifiées, notamment des cercles, des chevrons et des rayures. Ses compositions minimalistes n’avaient pas pour but de représenter un objet mais étaient uniquement un moyen d’explorer la couleur pure. Ses œuvres circulaires légèrement irrégulières présentent des teintes variées qui se complètent et s’opposent les unes aux autres. L’effet produit est une énergie vive qui semble vibrer à partir de la toile. Noland a dit un jour : » Je pense à la peinture sans sujet comme à la musique sans paroles. »
Helen Frankenthaler
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L’artiste américaine Helen Frankenthaler a joué un rôle crucial dans l’évolution de la peinture à champ de couleur, car elle a développé sa propre technique révolutionnaire pour remplir les toiles de grands champs de couleur. Elle a inventé le procédé de « maculage », qui consiste à verser de la peinture diluée à la térébenthine sur la toile. Cette technique produit des compositions vibrantes et brumeuses qui donnent un aspect et une sensation entièrement nouveaux à la texture de la toile. Mountains and Sea (1952) a été la première œuvre d’art dans laquelle Frankenthaler a utilisé ce procédé, et lorsque ses collègues artistes du champ coloré Morris Louis et Kenneth Noland ont vu l’œuvre, ils ont rapidement adopté la méthode, eux aussi.
Morris Louis
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L’un des derniers artistes du color field, Morris Louis a remis en question la façon dont la couleur doit remplir un espace. Il a continuellement expérimenté en manipulant de grandes toiles de manière créative afin de contrôler le flux de ses peintures acryliques. Dans Delta Theta, une œuvre de sa série Unfurled créée en 1961, Louis a plié en deux l’énorme toile de près de six mètres de large avant de verser la peinture acrylique sur sa surface. Les stries de teintes arc-en-ciel qui en résultent apparaissent sur les deux coins inférieurs de la toile, tandis que la grande zone centrale de l’œuvre est laissée nue.
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