Erklärung des synthetischen Kubismus

Um die revolutionären kubistischen Experimente von Georges Braque, Picasso und Juan Gris zu klassifizieren, neigen Kunsthistoriker dazu, diese Bewegung in zwei Hauptphasen zu unterteilen, den analytischen und den synthetischen Kubismus. Obwohl die erste Phase für sich genommen recht innovativ war, war die zweite wohl die phantasievollste Periode der frühen Avantgardekunst, die die Bewegung auf die Spitze trieb. Der synthetische Kubismus wird im Allgemeinen auf die Jahre 1912 bis 1914 datiert. Er führte viele neue konzeptionelle Alternativen zur bereits etablierten Ästhetik des Kubismus ein. Der vorangegangene analytische Ansatz basierte im Wesentlichen auf der Zerlegung eines Objekts in ein fragmentarisches Bild, während die nächste Phase ein Interesse an der Verflachung des Bildes und der Beseitigung aller Spuren von Anspielungen auf einen dreidimensionalen Raum entwickelte.

Als der Analytische Kubismus zu Ende ging, hatte er bereits mit den jahrhundertealten Regeln der Malerei gebrochen, indem er eine Alternative zur linearen Einpunktperspektive bot. Als jedoch der synthetische Kubismus begann, seine eigenen Regeln aufzustellen, wurde die europäische Kunstszene im Sturm erobert. Während sich der analytische Kubismus auf die Zerlegung oder Dekonstruktion eines Objekts konzentrierte, ging es dem synthetischen Kubismus um dessen Konstruktion oder Synthese. Er überbrückte die Kluft zwischen Realität und Kunst, indem er buchstäblich Teile der realen Welt auf der Leinwand einfügte. Echte Papierstücke ersetzten gemalte, flache Darstellungen von Papier, echte Notenhefte ersetzten gezeichnete Notationen usw. Indem sie die Bewegung auf ihren zweiten und letzten Akt ausdehnten, gaben sich die Autoren die kreative Freiheit, die Welt um sie herum so darzustellen, wie sie es für richtig hielten.

Die Erfindung der Collage

Das Konzept der Collage als Medium ist unter anderem ein direktes Ergebnis des Synthetischen Kubismus. Diese neue Kunstform, die Zeichen und Fragmente von realen Dingen integriert, war für die Entwicklung der Bewegung von entscheidender Bedeutung. Picassos erste Collage mit dem Titel Stilleben mit Stuhlgeflecht entstand im Mai 1912, während Braques erstes Papiercollé mit dem Titel Obstschale mit Glas im September desselben Jahres geschaffen wurde. Neben der Etablierung eines völlig neuen Mediums, das sich als entscheidend für viele Bewegungen des 20. Jahrhunderts erweisen sollte, ist auch zu erwähnen, dass der synthetische Kubismus die Grenze zwischen Malerei und Skulptur verwischte, da die meisten seiner Werke reliefartige Merkmale innerhalb ihrer Kompositionen aufwiesen.

Charakteristika des Synthetischen Kubismus

Um die Ideen des Synthetischen Kubismus vollständig zu erfassen, muss man auch seinen Vorläufer verstehen. Es gibt einige Merkmale, die allen analytischen Werken gemeinsam zu sein scheinen. Zunächst einmal erscheinen solche Kunstwerke als eine geschäftige Verflechtung von Flächen und Linien, bei der die Motive völlig zersplittert sind. Die Illusion einer dritten Dimension ist sehr wichtig, und es wird versucht, jedes Motiv aus mehreren Perspektiven darzustellen. Sie werden hauptsächlich mit einer begrenzten Anzahl dunkler Farben gemalt. Darüber hinaus gibt es nur sehr wenige tonale Variationen, da die allgemeine Farbgebung dazu neigt, mit einem ähnlichen dunklen Ton gedämpft zu werden.

Obwohl die Maler des Kubismus mit ihren Werken, die durch die oben genannten Merkmale unterstrichen werden, einen respektablen Erfolg hatten, änderte sich die gesamte Bewegung um das Jahr 1912. Plötzlich waren die recht komplizierten Raster des Analytischen Kubismus völlig verschwunden. Was sich stattdessen zeigte, sollte sich später als der radikalste Aspekt des Synthetischen Kubismus erweisen. Anstelle der Idee, ein vorhandenes Objekt auf ein Raster herunterzubrechen, entschieden sich die Autoren nun dafür, ihre gesamte Komposition in Gedanken aus ungewöhnlichen Materialien und Formen aufzubauen (oder zu synthetisieren). Mit anderen Worten: Anstatt ein Objekt wie eine Geige genau zu betrachten, um ihre Form und Struktur zu interpretieren, schufen die Autoren eine geigenähnliche Form in ihrer Vorstellung. Im Gegensatz zum Wiederzusammensetzen von Facetten des ursprünglichen Bildes ging es darum, völlig neue Strukturen zu synthetisieren. Unter Verwendung der Symbole der gegenwärtigen Realität schufen die Künstler etwas völlig Neues und doch ziemlich Vertrautes. Der synthetische Kubismus zeichnet sich auch durch eine völlig neue Palette von Texturen aus und bezieht eine Vielzahl von Fremdmaterialien ein. Außerdem verschwand jeglicher Sinn für Dreidimensionalität, der in der Anfangsphase der Bewegung noch sehr präsent war.

Toying with Reality

Der Prozess der Einbeziehung von Fetzen alltäglicher Materialien wie Zeitungsausschnitten, Fahrkarten und Tabakblättern in ihre Kompositionen markierte eine Abkehr vom Intellektualismus des analytischen Kubismus und lenkte den Kurs auf eine entspanntere und spielerische Ästhetik. Nachdem sie sich die schöpferische Freiheit erlaubt hatten, die Welt um sich herum so darzustellen, wie sie es für richtig hielten, entdeckten die Maler des Synthetischen Kubismus eine unglaublich erfinderische Herangehensweise an die Bildgestaltung. Es gab praktisch keine Einschränkungen mehr, da die einzigen Grenzen durch die Kreativität der Künstler gesetzt waren. Diese Autoren, insbesondere Braque und Picasso, verwendeten neben Zeichnungen oder gemalten Teilen ihrer Werke auch collagierte Schnipsel. So konnten sie zum Beispiel einen Ausschnitt aus einer echten Zeitschrift collagieren, um eine Zeitung in der Komposition darzustellen, ihn aber neben eine mit Kohle gezeichnete Flasche stellen. Ein Künstler konnte eine solche Flasche aber auch mit Zeitungsausschnitten gestalten. Interessanterweise war es diese Nachahmung von Oberflächen und Texturen, die der letzten Phase des Kubismus den Beinamen synthetisch einbrachte. Es sollte ein Hinweis darauf sein, wie etwas Künstliches verwendet werden konnte, um ein Material innerhalb einer Nachahmung von etwas anderem zu beschreiben.

Die ursprüngliche Annahme, die den Synthetischen Kubismus prägte, war die Idee, physische Elemente einzuführen, die die Bilder realer erscheinen lassen sollten. Die Verwendung von alltäglichen Gegenständen war ein gezielter Angriff auf das, was damals als Kunst angesehen wurde. Indem die kubistischen Künstler solche Elemente in ihre Kunstwerke aufnahmen, suggerierten sie, dass Kunst mit Schere und Kleber ebenso effektiv gemacht werden kann wie mit Pinsel und Farbe. Dies war damals eine enorme Innovation, die die Kunstszene nachhaltig beeinflusste.

Die berühmtesten Praktiker und Kunstwerke

Auf der konzeptionellen Ebene ließ der synthetische Kubismus jedem Maler freie Hand, damit er seinen eigenen Weg finden konnte, diese neue und erfinderische Art der Formgebung zu nutzen. Viele dieser Künstler entschieden sich für die Komposition von Stillleben, da dieses Genre für viele die übliche Wahl war, aber es gab auch Kompositionen mit Musikinstrumenten, Harlekinen und anderen typischen kubistischen Themen. Alle diese Maler schufen spielerische Kunstwerke, da dies offensichtlich eine gemeinsame Tendenz aller war, die zur Endphase des Kubismus beitrugen.

Pablo Picasso

Der berühmte Spanier schuf seine erste synthetische Collage im Jahr 1911 und nannte sie „Stillleben mit Stuhllehne“. Neben den traditionellen Materialien, die dem Maler zur Verfügung standen, verwendete er ein Stück Wachstuch und ein langes Seil. Das Wachstuchmuster sollte die Stangen des Stuhls simulieren, und das Seil diente als Bilderrahmen. Anstatt einen Stuhl abzubilden, wurde tatsächlich ein Teil eines Stuhls auf das Bild gesetzt, was der revolutionärste Aspekt der Kompositionen war. Obwohl Picasso mit diesem Werk spielerisch und zwanglos umging, wurde das Stuhl-Caning zum Prototyp aller späteren Ready-made-Experimente und hatte einen großen Einfluss auf Marcel Duchamp. Obwohl dieses Gemälde Picassos ikonischstes synthetisches Werk ist, ist seine Serie mit dem Titel Gitarren die populärste. Für diese Kunstwerke verwendete er Zeitungen, Notenblätter, Tapeten, verschiedene Stoffe, Karton usw. Außerdem verwendete er Holzkohle, Bleistift, Öl, Wachs, Holz und andere vorgefertigte Gegenstände wie Teelöffel. Andere bemerkenswerte Kunstwerke, die Picasso in seiner Zeit schuf, sind Die Taverne (1914), Pfeife, Glas, Kreuz-Ass, Bassflasche, Gitarre, Ma Jolie, Würfel (1914), Harlekin (1915), Mann mit Pfeife (1915) und Drei Musiker (1921).

Georges Braque

Bei Georges Braque zeigte sich die neue Art des Schaffens in zwei Kunstwerken. In „The Portuguese“ (1911) begann er damit zu experimentieren, Materialien wie Sägespäne mit seiner Farbe zu mischen, um interessante Strukturen zu schaffen. Es war das erste Mal, dass jemand Sand zu einer Malfläche hinzufügte, um Textur und Tiefe zu erzeugen. Er führte auch die Verwendung von Schablonenschriften ein, ein Merkmal, das etwa ein halbes Jahrhundert später, als die situationistischen Interventionen in Frankreich aufkamen, eine große Wirkung haben sollte. Als Reaktion auf Picassos Chair-Caning begann Braque, bedrucktes oder dekoratives Farbpapier in seinen eigenen Kompositionen zu verwenden. Seine erste dokumentierte Verwendung von Pappmaché war in Fruit Dish and Glass (1912). In diesem Bild verwendete Braque ausgeschnittene Tapetenstücke und schattierte das Bild dann mit Farbe, die mit Sand gefüllt war. Obstschale und Glas“ ist nicht nur eines der wichtigsten synthetischen Kunstwerke, sondern auch ein guter Indikator dafür, wie der Autor sich von der ernsten und übermäßig komplexen Natur des analytischen Kubismus abwenden wollte. Weitere Beispiele für Georges‘ synthetische Werke sind Flasche, Zeitung, Pfeife und Glas (1913), Die Geige (1914) und Junge Frau mit Gitarre (1913).

Juan Gris

Obwohl Juan Gris als der weniger bedeutende und produktive als die beiden oben genannten Autoren gilt, kann er dennoch als der poetischste der Bewegung bezeichnet werden. In Gris‘ Schale mit Früchten (1916) hat er alle wesentlichen Konzepte des Synthetischen Kubismus mit großem Erfolg umgesetzt. Bei der Analyse dieses Kunstwerks ist es leicht, die allgemeine Form eines Kompotts zu erkennen und einige farbige Formen als Fruchtstücke zu identifizieren. Die Tischplatte und etwas, das wie der Schatten der Schale rechts vom Sockel aussieht, sind ebenfalls zu erkennen. In Gris‘ Das offene Fenster (1917) sehen wir ein Werk, das aus einfachen Formen besteht, die von sanften Blau- und Grautönen und modifiziertem Weiß dominiert werden. Dies ist wahrscheinlich das beste Beispiel dafür, warum Juan Gris als Dichter des synthetischen Kubismus wahrgenommen wurde und immer noch wird – die gesamte Komposition ist von einer sanften, ruhigen Stimmung erfüllt, die man in keinem Werk von Picasso oder Braque finden kann.

Der Einfluss des Synthetischen Kubismus auf die Kunst

Obwohl der Ausbruch des Ersten Weltkriegs der Entwicklung des Synthetischen Kubismus einen großen Dämpfer versetzte, entwickelten ihn viele Künstler auch in den Kriegsjahren weiter. Leider kämpften viele Autoren und ihre Schüler an den Fronten und verloren ihr Leben in den Schützengräben Europas. Man kann also mit Fug und Recht behaupten, dass dieser letzte Akt des Kubismus weitaus fortgeschrittener gewesen wäre, wenn seine Entwicklung in friedlicheren Zeiten stattgefunden hätte. Picasso war einer der Autoren, die der Einberufung zur Armee entgingen, und so blieb er für den Rest seiner Existenz der entscheidende Kopf hinter den synthetischen Bildern. Obwohl die Zeitlinien in diesem Punkt etwas verschwommen sind, sind sich viele Experten einig, dass der innovativste Abschnitt des synthetischen Kubismus ungefähr mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 endete.

Obwohl die Natur des synthetischen Kubismus recht temperamentvoll und skurril war, wird er von den meisten Kunstkritikern sehr ernst genommen und seinen Errungenschaften enorme Bedeutung beigemessen. Diese Periode kubistischer Kunstwerke erforschte viele neue Wege, die in den meisten nachfolgenden Avantgarde-Bewegungen eine wichtige Rolle spielten. Die Art und Weise, wie sie die Bildkomposition behandelte, Elemente der Mischtechnik einbezog, die Kreativität des Autors freisetzte und sich auf die Verwendung unkonventioneller Materialien stützte – all diese Merkmale fanden im restlichen 20. Das neue stilistische Vokabular und die technische Sprache des Synthetischen Kubismus dienten als Ausgangspunkt für eine Reihe von Bewegungen und Anti-Kunst-Schulen, wie den Surrealismus und den berüchtigten Dadaismus. Er beeinflusste auch viele namhafte jüngere Künstler wie Jacob Lawrence, Romare Bearden, Hans Hoffman und viele andere. Darüber hinaus kann die Integration von hoher und niedriger Kunst durch den Synthetischen Kubismus als die Hauptthese der Pop Art angesehen werden, der jüngsten der großen künstlerischen Bewegungen des 20. Durch all diese geistigen Nachfolger ist das Vermächtnis des Synthetischen Kubismus praktisch in die Kunstgeschichte eingegangen, und man kann mit Sicherheit davon ausgehen, dass die gesamte zeitgenössische Szene nicht dieselbe wäre, wenn der späte kubistische Stil nicht eine solch fantasievolle Praxis hervorgebracht hätte.

Hinweis der Redaktion: Synthetisches Jahrhundert: Collage vom Kubismus zur Postmoderne

Der synthetische Kubismus, der 1912 während der gemeinsamen Untersuchungen von Braque und Picasso erfunden wurde, kombinierte reale Objekte mit traditionellen Materialien der bildenden Kunst auf einer zweidimensionalen Oberfläche. Synthetisches Jahrhundert: Collage vom Kubismus zur Postmoderne ist ein fantastischer Überblick darüber, wie und warum der synthetische Kubismus entstanden ist. Es analysiert seine Geschichte und seine Vertreter sowie die Ideen hinter dieser wohl revolutionärsten Bewegung in der frühen Avantgardekunst. Synthetisches Jahrhundert: Collage vom Kubismus bis zur Postmoderne präsentiert den Lesern auch verschiedene Beispiele synthetischer Werke, so dass jeder Interessierte aus erster Hand sehen kann, wie solche Kunstwerke aussehen und was sie genau bedeuten. Das Buch widmet nicht nur viele Seiten der Analyse des synthetischen Kubismus und untersucht, wie die Collage für die Entwicklung seiner Konzepte verwendet wurde, sondern untersucht auch, wie einflussreich die letzte Phase von Braque und Picasso für den Rest der Kunst des 20. Jahrhunderts war.

1. Eimert, D., Apollinaire, G., Kubismus (Art of Century Collection), Parkstone International, 2014
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Ausgewählte Bilder: Picasso – Stillleben mit Stuhl, 1912 – Bild via pinterest.com; Juan Gris – Das offene Fenster, 1917 – Bild via ibiblio.org; Picasso – Flasche von Vieux Marc, Glas, Gitarre und Zeitung, 1913 – Bild via tate.org.uk