Man skulle kunna tro att en skådespelare som vill bryta sig in i filmbranschen skulle undvika att satsa på något alltför ambitiöst första gången. Kanske enkla uppsättningar, enkla historier, några få centrala karaktärer – något relativt riskfritt som fungerar som ett medel för att visa upp sina filmtalanger. Men när man är Woody Harrelson gäller inte dessa regler. Ett exempel på detta är hans regidebut Lost in London.
Inte bara bestämde han sig för att filma den i en enda tagning och basera den på verkliga händelser från hans liv, utan den spelades in live i realtid – vilket innebar att minsta lilla missgrepp, varje misstag, och Woodys första film någonsin skulle för alltid vara fläckad.
Luckily Lost in London blev en succé – ett verkligt bevis på Woodys talang både framför och bakom kameran. Om du som missade den när den sändes förra året kan Lost in London nu ses på Digital HD och Hulu. Kolla in det här klippet:
Energin är påtaglig. Istället för att tänja på dessa gränser har Woody krossat dem i fragment. Frågan är: har den fått dig att tänka?
Kanske har det att se ett så ambitiöst projekt genomföras med finess inspirerat dig och fått dig att tänka att allt är möjligt. Med ett sådant överflöd av innehåll som är tillgängligt för oss i den moderna tidsåldern är det en förutsättning för en filmskapare att sticka ut och ha en unik udd.
För att hjälpa dig att få igång tankekartorna och få den kreativa saften att flöda, kommer här en rangordnad lista över tio andra experimentella filmer som flyttat dessa gränser i samma anda som Lost in London. Inspiration finns överallt!
Boyhood (2014)
Richard Linklaters indie-drama som visar Mason Jr. (Ellar Coltrane) från sex till arton år när han växer upp i Texas med skilda föräldrar (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Även om vi inte är några stora fans av själva filmen tycker vi att Boyhood förtjänar ett omnämnande, eftersom det inte går att förneka att Linklater levererade ett projekt som var inget mindre än ambitiöst.
Produktionen är det som gör den här filmen speciell, genomförd under tolv år så att han verkligen kunde skapa en film om att växa upp. Regissören skrev och utvecklade berättelsen årligen och använde de tidigare klippen som inspiration för att forma och utforma berättelsen och karaktärsutvecklingen, vilket gjorde att han kunde behålla samma skådespelare genom hela filmen utan att behöva använda specialeffekter eller smink.
The One I Love (2014)
En romkomedi med en läckert mörk vändning, The One I Love centrerar sig om ett problemfyllt par (den ena halvan spelas av Mark Duplass) när de semestrar till en vacker semesterort, bara för att de bisarra omständigheterna ska komplicera deras relation ytterligare.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) som den andra halvan av paret är en komplex och ovanlig roll, medan Duplass (Creep) är i toppform. Men det som verkligen lyfter den här indiefilmen är det faktum att dialogen improviserades. I en intervju med IndieWire förklarade Duplass den olika typen av improvisation som teamet använde:
Det manus vi använde för den här filmen är mycket detaljerat, mycket utstakat – det är en 50-sidig skiss… Men det finns ingen skriven dialog, så varje dialog i filmen är improviserad… Du är bara så organisk som du kan med dina motivationer och scenens bana, och använder överraskningar så att personen mittemot dig i scenen inte blir lat och vilar på sina klackar, så att det kan kännas, förhoppningsvis, lite mer spontant än om det var inövat.
Tangerine (2015)
När Sean Bakers Tangerine (om en hora som sliter sig igenom Tinseltown på julafton i jakt på den hallick som krossade hennes hjärta) hyllades som en bedrift av HBTQI-communityt, men den filmades också enbart med en iPhone 5S för att tillgodose filmens lilla budget. Baker berättade för The Verge att han och hans team använde tre olika iPhones, appen Filmic Pro för 8 dollar, en steadicam och några adapterobjektiv – och det är allt!
Skådespelaren James Ransone (Sinister) påpekade att nyckeln till inspelningen av filmen var att ha ett team som var väl insatt i traditionell filmskapande. ”Man måste fortfarande veta hur redigering fungerar. Ja, man kan göra en vacker film med en liten budget, men man måste kunna 100 år av filmskapande.”
Playtime (1967)
Mästerverket av den franske filmskaparen Jacques Tati (Monsieur Hulots semester). Produktionskostnaderna för denna djärva komedi var så höga att den behövde bli en stor succé för att täcka den summa som Tati hade lagt ut för att filmen skulle bli ekonomiskt bärkraftig. ”Tyvärr blev filmen ingen kommersiell succé och Tati hamnade i konkurs, men filmen var verkligen en teknisk och konstnärlig bedrift”, konstaterade Taste of Cinema.
Skjuten i 70 mm och utformad med extremt vida tagningar, är Playtime anmärkningsvärd för sin enorma scenografi som Tati hade byggt speciellt för filmen, liksom för regissörens kännetecknande användning av subtila men komplexa visuella komedier och innovativa ljudeffekter.
”Kulisserna är noggrant utformade och tillverkade för de gags där (huvudpersonen) Monsieur Hulots förödelse presenteras, och imponerande ordning och precision. Det finns inga närbilder i filmen, bara perfekt komponerade och koreograferade vida tagningar.”
Unsane (2018)
Det är ingen överraskning att filmskaparen Steven Soderbergh har tagit sig upp på listan, eftersom han var den som inledde en ny våg av indiebiofilm med sin långfilmsdebut Sex, Lies and Videotape och som sedan dess har skaffat sig ett rykte som en av de mest djärva, oförutsägbara och spännande filmskaparna.
En av Soderberghs mest anmärkningsvärda prestationer var hans senaste resa in i skräckgenren med thrillern Unsane. Inte nog med att han spelade in hela filmen på en iPhone, han gjorde den dessutom på bara två veckor. Trots de betydande restriktionerna lyckades Soderbergh – filmen möttes av varma recensioner efter sin premiär på årets Berlinale och visar vad dagens vardagliga prylar kan göra för att tänja på gränserna för stilen på den stora duken.
Det heliga berget (1973)
Alejandro Jodorowskys surrealistiska epos hade premiär två år efter El Topo, och i jämförelse med hans förra film är Det heliga berget ett mycket mer ambitiöst och komplett verk. Den kretsar kring en mäktig alkemist i en korrupt, girig värld som leder en Kristusliknande karaktär och sju materialistiska figurer till det heliga berget, där de hoppas nå upplysning.
Det är en sinnesförvirrande resa och en rejäl backe att bestiga när det gäller att dechiffrera dess många symboliska budskap, men vad som är kristallklart är att få filmskapare har varit så engagerade som Jodorowsky när det gäller att leverera groteska, surrealistiska, symboliska och hallucinatoriska bilder för att hålla upp sitt mästerverk.
Men medan de flesta människor skulle förbereda sig innan huvudfotograferingen påbörjades genom att försäkra sig om att deras utrustning och team var i skick, tillbringade författaren och hans hustru en vecka utan sömn under ledning av en japansk zenmästare.
De centrala skådespelarna tillbringade på samma sätt tre månader med att utföra olika andliga övningar under ledning av Oscar Ichazo från Arica Institute, och regissören gav även skådespelarna psilocybinsvampar under inspelningen av scenen med döden och återfödelsen.
Effekten av dessa tekniker är påtaglig när man tittar på filmen och kulminerar för att skapa en upplyst upplevelse som känns utöver det vanliga, både visuellt, berättarmässigt och andligt. Som taglinen säger: ”Ingenting i din utbildning eller erfarenhet kan ha förberett dig för den här filmen.”
Irréversible (2002)
Auteur Gaspar Noés Irréversible är ambitiös i sin experimentella stil, som ofta förknippas med cinéma du corps (kroppens film), som enligt uppgift delar släktskap med vissa avantgardistiska produktioner, till exempel ett dämpat användande av narrativet, en överfallande filmfotografering, ett provocerande ämnesmaterial och en genomgående känsla av social nihilism.
Det är säkert att säga att Irréversible förkroppsligar sådana egenskaper. Noé experimenterade med kamerateknik, ljud och berättande och vävde historien med ett dussintal obrutna tagningar som smälte samman. En timme av filmens löptid innehöll ett lågfrekvent ljud för att skapa ett tillstånd av illamående och ångest och i berättelsen används omvänd kronologi.
Som David Sterritt noterade i sin roman Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, är Irréversible inte bara en historia som berättas baklänges, utan en komplex studie av tidens natur. ”Dess regissör är mindre intresserad av orsak och verkan än av själva tidens form.” När Noé själv talade om detta ämne konstaterade han: ”Strukturen är alldeles rolig och kameraarbetet är fullt av energi, men den handlar egentligen om att förlora någon man älskar”.
I dag är Irréversible fortfarande en av de mest splittrade filmerna som någonsin gjorts, men en sak som de flesta kan enas om är att Noé inte är rädd för att arbeta utanför boxen och för att förnya sig med sina stilistiska tekniker.
Metropolis (1927)
Att säga att Fritz Langs Metropolis var före sin tid skulle vara en underdrift – med en betydelsefull berättelse om klasskrig i en dystopisk stad anses Metropolis vara den första science fiction-filmen någonsin.
Den stumma tyska expressionistiska framtidsfilmen inspirerar fortfarande bildkonstnärer, regissörer, modekonstnärer och scenografer, och är fortfarande ett verkligt viktigt exempel på AI på skärmen tack vare designen och biomekaniken bakom roboten False Maria, som direkt påverkade designen av C3PO i Star Wars.
Lang utvecklade en rad genomarbetade specialeffekter och scenografier, allt från en enorm gotisk katedral till ett futuristiskt stadslandskap, samtidigt som han fyllde filmen med stilistiska influenser, från art deco till gotik och funktionalistisk modernism.
För att filma filmen använde sig filmfotograferna Karl Freund (Dracula) och Gunther Rittau (The Eternal Tone) i hög grad av tekniker från den tyska expressionismen och kompositören Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) hämtade inspiration från Richard Wagner och Richard Strauss för att skapa en unik filmmusik tillsammans med en stor orkester.
Ingen detalj i den här filmen har inte beaktats med minutiös uppmärksamhet på detaljerna, vilket är anledningen till att den fortfarande är en av de viktigaste filmerna i science fiction-historien.
2001: A Space Odyssey (1968)
Stanley Kubricks mästerverk må vara 50 år gammalt, men det känns fortfarande lika fräscht nu som då. Filmen förändrade verkligen science fictionens ansikte för alltid, och författaren visade att genren kunde och borde behandla tyngre teman om evolution, existens och artificiell intelligens.
Filmen är en ”icke-verbal” upplevelse – av två timmar och nitton minuter film finns det bara lite mindre än fyrtio minuter dialog – och näst efter karaktärsutvecklingen använde Kubrick tvångsmässig omsorg för att bygga sina maskiner och uppnå specialeffekter.
Som Taste of Cinema uttryckte det: ”Vare sig det gäller det legendariska snittet mellan benet och rymdskeppen eller den interstellära resan, använde Kubrick filmens hela kraft för att berätta historien om inte bara en enskild karaktär, utan om hela mänskligheten”
.