Music 101

Du har redan fått en introduktion till Claudio Monteverdi, vars musik sträcker sig mellan sen renässans och tidig barock. Nu ska vi utforska en av hans mest betydelsefulla kompositioner, L’Orfeo, den första operan som anses vara ett mästerverk.

Introduktion

L’Orfeo (SV 318), ibland kallad La favola d’Orfeo, är en tidig barock favola in musica, eller opera (ibland betraktad som senrenässans), av Claudio Monteverdi, med ett libretto av Alessandro Striggio. Den bygger på den grekiska legenden om Orfeus och berättar historien om hans nedstigning till Hades och hans fruktlösa försök att föra sin döda brud Eurydike tillbaka till den levande världen. Den skrevs 1607 för en hovföreställning under den årliga karnevalen i Mantua. Även om äran av den första operan någonsin går till Jacopo Peris Dafne, och den tidigaste bevarade operan är Euridice (också av Peri), har L’Orfeo äran av att vara den tidigaste bevarade operan som fortfarande spelas regelbundet i dag.

Under det tidiga 1600-talet höll den traditionella intermedio – en musikalisk sekvens mellan akterna i ett rakt skådespel – på att utvecklas till formen av ett komplett musikdrama eller ”opera”. Monteverdis L’Orfeo flyttade denna process ut ur sin experimentella era och gav det första fullt utvecklade exemplet på den nya genren. Efter sitt första framförande sattes verket upp igen i Mantua, och möjligen även i andra italienska centra under de följande åren. Partituret publicerades av Monteverdi 1609 och återigen 1615. Efter kompositörens död 1643 var operan inte uppförd under många år och var i stort sett bortglömd tills ett återuppväckt intresse i slutet av 1800-talet ledde till en uppsjö av moderna utgåvor och föreställningar. Till att börja med tenderade dessa att vara icke-sceniska versioner inom institut och musiksällskap, men efter den första moderna dramatiserade föreställningen i Paris 1911 började man allt oftare se verket på teatrar. Efter andra världskriget strävade de flesta nya upplagor efter autenticitet genom att använda instrument från samma tid. Många inspelningar gavs ut och operan sattes allt oftare upp på operahus. År 2007 firades kvartssekelåret för premiären med föreställningar över hela världen.

I sitt publicerade partitur räknar Monteverdi upp cirka 41 instrument som ska användas, med olika grupper av instrument som används för att skildra särskilda scener och karaktärer. Strängar, cembalo och blockflöjter representerar således de pastorala fälten i Thrakien med sina nymfer och herdar, medan tunga mässingsinstrument illustrerar underjorden och dess invånare. L’Orfeo är komponerad vid övergången från renässansen till barocken och använder sig av alla de resurser som då var kända inom musikkonsten, med en särskilt djärv användning av polyfoni. Verket är inte orkestrerat som sådant; i renässanstraditionen följde instrumentalisterna kompositörens allmänna instruktioner men gavs stor frihet att improvisera. Detta skiljer Monteverdis verk från den senare operakanon och gör varje framförande av L’Orfeo till ett unikt individuellt tillfälle.

Historisk bakgrund

Claudio Monteverdi, född i Cremona 1567, var ett musikaliskt underbarn som studerade för Marc’Antonio Ingegneri, maestro di cappella (chef för musiken) vid katedralen i Cremona. Efter utbildning i sång, stråkspel och komposition arbetade Monteverdi som musiker i Verona och Milano tills han 1590 eller 1591 fick en tjänst som assuonatore di vivuola (altspelare) vid hertig Vincenzo Gonzagas hov i Mantua. Genom skicklighet och hårt arbete steg Monteverdi till Gonzagas maestro della musica (musikmästare) 1601.

Vincenzo Gonzagas särskilda passion för musikteater och skådespel växte fram genom hans familjekontakter med hovet i Florens. Mot slutet av 1500-talet utvecklade innovativa florentinska musiker intermedio – en sedan länge etablerad form av musikaliska mellanspel som infogades mellan akterna i talade dramer – till alltmer genomarbetade former. Under ledning av Jacopo Corsi var dessa efterföljare till den berömda Camerata ansvariga för det första verket som allmänt erkändes som tillhörande genren opera: Dafne, komponerat av Corsi och Jacopo Peri och uppfört i Florens 1598. Detta verk kombinerade inslag av madrigalsång och monodier med dans och instrumentala passager för att bilda en dramatisk helhet. Endast fragment av musiken finns kvar, men flera andra florentinska verk från samma period – Appresentatione di Anima, et di Corpo av Emilio de’ Cavalieri, Peris Euridice och Giulio Caccinis Euridice med samma titel – finns bevarade i sin helhet. De två sistnämnda verken var de första av många musikaliska framställningar av Orfeus-myten som återges i Ovids Metamorfoser, och som sådana var de direkta föregångare till Monteverdis L’Orfeo.

Gonzaga hovet hade en lång historia av att främja dramatisk underhållning. Ett århundrade före hertig Vincenzos tid hade hovet satt upp Angelo Polizianos lyriska drama La favola di Orfeo, som åtminstone till hälften sjöngs snarare än talades. Mer nyligen, 1598, hade Monteverdi hjälpt hovets musikaliska etablissemang att producera Giovanni Battista Guarinis pjäs Il pastor fido, som av teaterhistorikern Mark Ringer beskrivs som en ”vattendelare” som inspirerade den italienska vurmen för pastoral dramatik. När hertig Vincenzo besökte Florens den 6 oktober 1600 i samband med Maria de’ Medicis bröllop med kung Henrik IV av Frankrike närvarade han vid en föreställning av Peris Euridice. Det är troligt att hans främsta musiker, däribland Monteverdi, också var närvarande vid denna föreställning. Hertigen insåg snabbt nyheten i denna nya form av dramatisk underhållning och dess potential att ge prestige åt dem som var beredda att sponsra den.

Komposition

När Monteverdi skrev musiken till L’Orfeo hade han en grundlig grund i teatermusik. Han hade varit anställd vid Gonzagas hov i 16 år, varav en stor del som utförare eller arrangör av scenmusik, och 1604 hade han skrivit ballongen Gli amori di Diane ed Endimone för Mantua-karnevalen 1604-05. De element som Monteverdi konstruerade sitt första operapartitur av – aria, strofisk sång, recitativ, körer, danser, dramatiska musikaliska intermezzon – var, som dirigenten Nikolaus Harnoncourt har påpekat, inte skapade av honom själv, utan ”han blandade hela beståndet av nya och äldre möjligheter till en enhet som verkligen var ny”. Musikforskaren Robert Donington skriver på liknande sätt: ”innehåller inget element som inte är baserat på tidigare, men den når sin fulla mognad i den nyligen utvecklade formen. . . . Här finns ord som uttrycks lika direkt i musik som de ville att de skulle uttryckas; här finns musik som uttrycker dem … med geniets fulla inspiration.”

Monteverdi anger orkesterkraven i början av sitt publicerade partitur, men i enlighet med den tidens praxis specificerar han inte deras exakta användning. Vid den tiden var det vanligt att låta varje tolkare av verket ha frihet att fatta lokala beslut utifrån de orkesterstyrkor som stod till deras förfogande. Dessa kunde skilja sig kraftigt från plats till plats. Dessutom, som Harnoncourt påpekar, skulle instrumentalisterna alla ha varit kompositörer och skulle ha förväntat sig att samarbeta kreativt vid varje framförande, snarare än att spela en bestämd text. En annan praxis vid denna tid var att låta sångarna försköna sina arior. Monteverdi skrev enkla och förskönade versioner av vissa arior, till exempel Orfeos ”Possente spirito”, men enligt Harnoncourt ”är det uppenbart att där han inte skrev några utsmyckningar ville han inte att de skulle sjungas.”

Varje akt i operan behandlar en enda del av berättelsen, och varje akt avslutas med en kör. Trots strukturen i fem akter, med två uppsättningar scenbyten, är det troligt att L’Orfeo överensstämde med standardpraxis för hovunderhållningar vid den tiden och spelades som en sammanhängande enhet, utan intervaller eller ridånedgångar mellan akterna. Det var en samtida sedvänja att scenbytena skedde i publikens åsyn, och dessa byten återspeglades musikaliskt genom förändringar i instrumentering, tonart och stil.

Synopsis

Handlingen utspelar sig på två kontrasterande platser: Thrakiens åkrar (akterna 1, 2 och 5) och underjorden (akterna 3 och 4). En instrumental toccata (engelska: tucket, vilket betyder en flärd på trumpeterna) föregår inträdet av La musica, som representerar ”musikens ande”, som sjunger en prolog med fem versstämmor. Efter ett välvilligt välkomnande av publiken meddelar hon att hon genom ljuva toner kan ”lugna varje oroligt hjärta”. Hon sjunger ytterligare en lovsång till musikens kraft, innan hon presenterar dramats huvudperson, Orfeo, som ”höll de vilda djuren trollbundna med sin sång.”

Akt 1

Efter La musicas sista begäran om tystnad går ridån upp för akt 1 och avslöjar en pastoral scen. Orfeo och Euridice träder in tillsammans med en kör av nymfer och herdar, som agerar på samma sätt som en grekisk kör och kommenterar handlingen både som grupp och som individer. En herde meddelar att detta är parets bröllopsdag; kören svarar, först med en ståtlig åkallan (”Kom, Hymen, kom”) och sedan med en glad dans (”Lämna bergen, lämna källorna”). Orfeo och Euridice sjunger om sin kärlek till varandra innan de med större delen av gruppen ger sig av till bröllopsceremonin i templet. De som är kvar på scenen sjunger en kort kör och kommenterar hur Orfeo brukade vara en ”för vilken suckar var mat och gråt var dryck” innan kärleken förde honom till ett tillstånd av sublim lycka.

2:a akten

Orfeo återvänder med huvudkören och sjunger tillsammans med dem om naturens skönheter. Orfeo grubblar sedan över sin tidigare olycka, men proklamerar: ”Efter sorg är man mer nöjd, efter smärta är man lyckligare.” Stämningen av tillfredsställelse bryts abrupt när La messaggera kommer in med nyheten att Euridice har fått ett dödligt ormbett när hon plockade blommor. Kören uttrycker sin ångest: ”Åh, bittert skeende, åh, oskyldigt och grymt öde!” medan Messaggera skäller ut sig själv som bärare av det dåliga budskapet (”För evigt ska jag fly och i en enslig grotta leva ett liv i linje med min sorg”). Efter att ha gett utlopp för sin sorg och otrohet (”Du är död, mitt liv, och jag andas?”) förklarar Orfeo sin avsikt att stiga ner i underjorden och övertala dess härskare att låta Euridice återvända till livet. Annars, säger han, ”ska jag stanna hos dig i dödens sällskap”. Han avlägsnar sig, och kören återupptar sin klagosång.

Den tredje akten

Orfeo leds av Speranza till Hades portar. Efter att ha pekat på de ord som står inskrivna på porten (”Överge hoppet, alla ni som går in här”), går Speranza därifrån. Orfeo konfronteras nu med färjemannen Caronte, som talar hårt till Orfeo och vägrar att föra honom över floden Styx. Orfeo försöker övertala Caronte genom att sjunga en smickrande sång till honom (”Mighty spirit and powerful divinity”), men färjemannen är oberörd. Men när Orfeo tar upp sin lyra och spelar, lugnas Caronte till sömns. Orfeo tar sin chans, stjäl färjkarlens båt och korsar floden och går in i underjorden medan en kör av andar reflekterar över att naturen inte kan försvara sig mot människan: ”

4:e akten

I underjorden ber Proserpina, drottning av Hades, som har blivit djupt berörd av Orfeos sång, kung Plutone, hennes make, om att få Euridice frisläppt. Plutone är rörd av hennes vädjan och går med på villkor att Orfeo inte får se sig om när han leder Euridice mot världen. Om han gör det kommer ”en enda blick att döma honom till evig förlust”. Orfeo går in, leder Euridice och sjunger självsäkert att han den dagen kommer att vila på sin hustrus vita barm. Men medan han sjunger smyger sig en ton av tvivel in: ”Vem kan försäkra mig om att hon följer mig?” Kanske har Plutone, driven av avundsjuka, ställt villkoret av illvilja? Plötsligt distraherad av ett tumult utanför scenen tittar Orfeo sig omkring; omedelbart börjar bilden av Euridice att blekna. Hon sjunger förtvivlat: ”Förlorar du mig på grund av för mycket kärlek?” och försvinner. Orfeo försöker följa efter henne men dras bort av en osynlig kraft. Andarnas kör sjunger att Orfeo, efter att ha övervunnit Hades, i sin tur övervanns av sina passioner.

5:e akten

Tillbaka på åkrarna i Thrakien har Orfeo ett långt monolog där han beklagar sin förlust, lovordar Euridices skönhet och bestämmer sig för att hans hjärta aldrig mer kommer att bli genomborrat av Amors pil. Ett eko utanför scenen upprepar hans sista fraser. Plötsligt stiger Apollon i ett moln ner från himlen och tuktade honom: ”Varför ger du dig själv som byte åt raseri och sorg?” Han uppmanar Orfeo att lämna världen och följa med honom till himlen, där han kommer att känna igen Euridice i stjärnorna. Orfeo svarar att det skulle vara ovärdigt att inte följa en så vis faders råd, och tillsammans stiger de upp. En herdekör avslutar med att ”den som sår i lidande ska skörda frukten av all nåd”, innan operan avslutas med en kraftfull moresca.

Original Libretto Ending

I Striggios libretto från 1607 avbryts Orfeos monolog i femte akten, inte av Apollos framträdande utan av en kör av maenader eller Bacchantes – vilda, berusade kvinnor – som sjunger om den ”gudomliga raseriet” hos sin herre, guden Bacchus. Orfeo och hans avståndstagande från kvinnor är orsaken till deras vrede; han kommer inte att undgå deras himmelska vrede, och ju längre han undviker dem desto värre blir hans öde. Orfeo lämnar scenen och hans öde lämnas osäkert, för Bacchantes ägnar sig under resten av operan åt vild sång och dans för att hylla Bacchus. Claude Palisca, expert på tidig musik, anser att de två sluten inte är oförenliga; Orfeo undviker Bacchantes raseri och räddas sedan av Apollon.