Je zou denken dat een acteur die wil doorbreken in de filmwereld, de eerste keer niet voor iets al te ambitieus zou gaan. Misschien eenvoudige sets, eenvoudige verhalen, een paar centrale personages – iets relatief risicoloos dat fungeert als een voertuig voor het tonen van die filmmakers talenten. Maar als je Woody Harrelson bent, gelden de regels niet. Een voorbeeld: zijn regiedebuut Lost in London.
Niet alleen besloot hij om het ding in een enkele take te filmen en het te baseren op gebeurtenissen uit zijn leven, maar het werd live opgenomen in real time – wat betekent dat elke kleine fuck up, elke fout, en Woody’s allereerste film voor altijd zou worden bezoedeld.
Luckily Lost in London werd een succes – een waar testament van Woody’s talenten zowel voor als achter de camera. Als u die gemist toen het vorig jaar uitgezonden, Lost in London is nu beschikbaar om te kijken op Digital HD en Hulu. Bekijk deze clip:
De energie is voelbaar. In plaats van die grenzen te verleggen, heeft Woody ze in stukken geslagen. De vraag is: heeft het je aan het denken gezet?
Misschien heeft het zien van zo’n ambitieus project u geïnspireerd en aan het denken gezet. Met zo’n overvloed aan content beschikbaar voor ons in de moderne tijd, is het een eerste vereiste voor een filmmaker om op te vallen en een uniek randje te hebben.
Om je te helpen je hersenkaart op gang te brengen en je creatieve sappen te laten vloeien, vind je hier een lijst van tien andere experimentele films die grenzen verlegden in dezelfde trant als Lost in London. Inspiratie is overal!
Boyhood (2014)
Richard Linklater’s coming-of-age indie drama presenteert de kindertijd en adolescentie van Mason Jr. (Ellar Coltrane) van zes tot achttien jaar als hij opgroeit in Texas met gescheiden ouders (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Hoewel we geen grote fans zijn van de eigenlijke film, vinden we dat Boyhood een vermelding verdient, want het valt niet te ontkennen dat Linklater een project heeft afgeleverd dat niets minder dan ambitieus was.
De productie is wat deze film bijzonder maakt, twaalf jaar lang uitgevoerd zodat hij echt een film over opgroeien kon maken. De regisseur schreef en ontwikkelde het verhaal op jaarbasis, waarbij hij de vorige clips als inspiratie gebruikte om het verhaal en de karakterontwikkeling vorm te geven en te bewerken, waardoor hij dezelfde acteurs gedurende de hele film kon houden zonder speciale effecten of make-up te hoeven gebruiken.
The One I Love (2014)
Een romcom met een heerlijk donkere twist, The One I Love centreert zich op een getroebleerd stel (de ene helft gespeeld door Mark Duplass) als ze naar een prachtig uitje vertrekken, alleen voor de bizarre omstandigheden om hun relatie verder te compliceren.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) als de andere helft van het stel is een complexe en ongewone rol, terwijl Duplass (Creep) in topvorm is. Maar wat deze indiefilm echt verheft, is het feit dat de dialogen werden geïmproviseerd. In een interview met IndieWire legde Duplass uit welke verschillende soorten improvisatie het team gebruikte:
Het script dat we voor deze film hebben gebruikt, is zeer gedetailleerd, zeer geplot – het is een schets van 50 pagina’s … Maar er is geen dialoog geschreven, dus elk stukje dialoog in de film is geïmproviseerd … Je bent gewoon zo organisch mogelijk met je motivaties en het verloop van de scène, en je gebruikt verrassingen zodat de persoon tegenover je in de scène niet lui wordt en op zijn hielen gaat zitten, zodat het hopelijk een beetje spontaner aanvoelt dan wanneer het ingestudeerd zou zijn.
Tangerine (2015)
Niet alleen werd Sean Bakers Tangerine (over een hoertje dat op kerstavond door Tinseltown scheurt op zoek naar de pooier die haar hart brak) bejubeld als een prestatie van de LGBTQI-gemeenschap, maar het werd ook uitsluitend gefilmd met een iPhone 5S om het minieme budget van de film tegemoet te komen. Baker vertelde The Verge dat hij en zijn team drie verschillende iPhones, de $ 8 app Filmic Pro, een Steadicam, en een aantal adapterlenzen gebruikten – en dat is alles, mensen!
Acteur James Ransone (Sinister) wees erop dat de sleutel tot het schieten van de film was dat hij een team had dat goed thuis was in het traditionele filmmaken. “Je moet nog steeds weten hoe editing werkt. Ja, je kunt een mooie film maken met een klein budget, maar je moet 100 jaar ervaring hebben met filmmaken.”
Playtime (1967)
Het meesterwerk van de Franse filmmaker Jacques Tati (Monsieur Hulot’s Holiday), de productiekosten van deze gedurfde komedie waren zo hoog dat de film een groot succes moest worden om het bedrag te dekken dat Tati had uitgegeven om de film financieel levensvatbaar te maken. “Helaas was de film geen commercieel succes, en Tati ging uiteindelijk failliet, maar de film was wel degelijk een technische en artistieke prestatie,” merkte Taste of Cinema op.
Geschoten in 70mm en gemaakt met extreem brede shots, is Playtime opmerkelijk vanwege de enorme set die Tati speciaal voor de film had laten bouwen, evenals het handelsmerk van de regisseur gebruik van subtiele maar complexe visuele komedie en innovatieve geluidseffecten.
“De decors zijn zorgvuldig ontworpen en gemaakt voor de gags waarin de ravage van (het hoofdpersonage) Monsieur Hulot wordt gepresenteerd, en indrukwekkend ordelijk en precies. Er zijn geen close-ups in de film, alleen perfect gecomponeerde en gechoreografeerde wijde shots.”
Unsane (2018)
Het is geen verrassing dat filmmaker Steven Soderbergh de lijst heeft gehaald, als iemand die een nieuwe golf van indiecinema inluidde met zijn speelfilmdebuut Sex, Lies and Videotape en sindsdien een reputatie heeft opgebouwd als een van de meest gedurfde, onvoorspelbare en opwindende filmmakers die er zijn.
Een van Soderberghs meest opmerkelijke wapenfeiten was zijn recente reis naar het horrorgenre met de thriller Unsane. Niet alleen heeft hij het hele ding geschoten op een iPhone, maar hij maakte het in slechts twee weken. Ondanks de aanzienlijke beperkingen, Soderbergh genageld – de film werd met warme kritieken na de première op de Berlinale van dit jaar, waaruit blijkt wat alledaagse gadgets van vandaag kunnen doen om de grenzen van de stijl te verleggen op het grote scherm.
The Holy Mountain (1973)
Alejandro Jodorowsky’s surrealistische epos ging in première twee jaar na El Topo en in vergelijking met zijn vorige film, The Holy Mountain is een veel ambitieuzer en vollediger werk. Centraal staat een machtige alchemist in een corrupte, door hebzucht gevoede wereld, die een Christusachtig personage en zeven materialistische figuren naar de Heilige Berg leidt, waar ze verlichting hopen te bereiken.
Het is een breinbrekende reis en een hele heuvel om te beklimmen in termen van het ontcijferen van de vele symbolische boodschappen, maar wat glashelder is, is dat weinig filmmakers zo toegewijd zijn geweest als Jodorowsky in het leveren van groteske, surrealistische, symbolische en hallucinerende beelden om zijn meesterwerk te ondersteunen.
Terwijl de meeste mensen zich zouden voorbereiden voordat de hoofdopnamen begonnen door ervoor te zorgen dat hun apparatuur en team in orde waren, brachten de auteur en zijn vrouw een week zonder slaap door onder leiding van een Japanse Zen-meester.
De centrale castleden brachten eveneens drie maanden door met diverse spirituele oefeningen onder leiding van Oscar Ichazo van het Arica Instituut en de regisseur diende ook psilocybine paddestoelen toe aan de acteurs tijdens de opnames van de dood-geboorte scène.
Het effect van de technieken is voelbaar bij het kijken naar de film, en culmineert in een verlichte ervaring die niet van deze wereld is, visueel, narratief en spiritueel. Zoals de slogan zegt: “Niets in je opleiding of ervaring kan je hebben voorbereid op deze film.”
Irréversible (2002)
Auteur Gaspar Noé’s Irréversible is ambitieus in zijn experimentele stijl, vaak geassocieerd met de cinéma du corps (cinema van het lichaam), die naar verluidt affiniteiten deelt met bepaalde avant-garde producties, zoals een verzwakt gebruik van narratief, aanvallende cinematografie, provocerend onderwerp materiaal, en een doordringend gevoel van sociaal nihilisme.
Irréversible belichaamt dergelijke kenmerken. Noé experimenteerde met cameratechnieken, geluid en narratief, en weefde het verhaal met een dozijn ononderbroken shots die in elkaar overvlochten werden. Een uur van de speelduur van de film werd gevuld met een laagfrequent geluid om een toestand van misselijkheid en angst te creëren en het verhaal maakt gebruik van omgekeerde chronologie.
Zoals David Sterritt opmerkte in zijn roman Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, is Irréversible niet simpelweg een verhaal dat achterstevoren wordt verteld, maar een complexe studie naar de aard van tijd. “De regisseur is minder geïnteresseerd in oorzaak en gevolg dan in de vorm van de tijd zelf.” Over dit onderwerp zei Noé zelf: “De structuur is allemaal grappig en het camerawerk zit vol energie, maar het gaat eigenlijk over iemand verliezen van wie je houdt.”
Tot op de dag van vandaag blijft Irréversible een van de meest verdeelde films ooit gemaakt, maar één ding waar de meesten het over eens kunnen zijn, is dat Noé niet bang is om buiten de gebaande paden te werken en te innoveren met zijn stilistische technieken.
Metropolis (1927)
Om te zeggen dat Fritz Lang’s Metropolis zijn tijd ver vooruit was, zou een understatement zijn – met een veelzeggend verhaal over klassenstrijd in een dystopische stad, wordt Metropolis beschouwd als de allereerste science-fictionfilm.
De stille Duitse expressionistische toekomstfilm inspireert tot op de dag van vandaag beeldend kunstenaars, regisseurs, modeontwerpers en decorontwerpers en blijft een echt essentieel voorbeeld van AI op het scherm dankzij het ontwerp en de biomechanica achter de False Maria-robot, die het ontwerp van C3PO in Star Wars direct heeft beïnvloed.
Lang ontwikkelde een reeks uitgebreide special effects en decorontwerpen, variërend van een enorme gotische kathedraal tot een futuristisch stadslandschap, terwijl hij de film vulde met stilistische invloeden, van Art Deco tot gotiek tot functionalistisch modernisme.
Cineasten Karl Freund (Dracula) en Gunther Rittau (The Eternal Tone) maakten gebruik van Duitse expressionistische technieken om de film te draaien en componist Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) liet zich inspireren door Richard Wagner en Richard Strauss om een unieke score te creëren, samengesteld met een groot orkest.
Elk detail van deze film werd niet overwogen met minutieuze aandacht voor detail, en daarom blijft het een van de belangrijkste films in de science-fiction geschiedenis.
2001: A Space Odyssey (1968)
Stanley Kubrick’s meesterwerk mag dan 50 jaar oud zijn, maar het voelt nu nog steeds even fris als toen. De auteur liet zien dat het genre ook zwaardere thema’s als evolutie, bestaan en kunstmatige intelligentie kon en moest behandelen.
De film is een “non-verbale” ervaring – van de twee uur en negentien minuten film, zijn er slechts iets minder dan veertig minuten dialoog – en als tweede aan karakterontwikkeling, Kubrick gebruikte obsessieve zorg om zijn machines te bouwen en speciale effecten te bereiken.
Zoals Taste of Cinema het formuleerde: “Of het nu de legendarische snede is tussen het bot en de ruimteschepen of de interstellaire reis, Kubrick gebruikte alle kracht van de film om het verhaal te vertellen van niet één enkel personage, maar van de hele mensheid.”