Music 101

Je hebt al kennis gemaakt met Claudio Monteverdi, wiens muziek zich beweegt tussen de late Renaissance en de vroege Barok. Laten we nu een van zijn belangrijkste composities verkennen, L’Orfeo, de eerste opera die als een meesterwerk wordt beschouwd.

Inleiding

L’Orfeo (SV 318), soms La favola d’Orfeo genoemd, is een vroegbarokke favola in musica, of opera (soms beschouwd als laat-renaissance), van Claudio Monteverdi, met een libretto van Alessandro Striggio. Het is gebaseerd op de Griekse legende van Orpheus, en vertelt het verhaal van zijn afdaling naar Hades en zijn vergeefse poging om zijn dode bruid Eurydice terug te brengen naar de levende wereld. Het werd geschreven in 1607 voor een hofvoorstelling tijdens het jaarlijkse carnaval in Mantua. De eer van de allereerste opera gaat naar Dafne van Jacopo Peri, en de vroegst overgeleverde opera is Euridice (ook van Peri), maar L’Orfeo heeft de eer de vroegst overgeleverde opera te zijn die vandaag nog regelmatig wordt opgevoerd.

In het begin van de zeventiende eeuw evolueerde de traditionele intermedio – een muzikale opeenvolging tussen de bedrijven van een toneelstuk – naar de vorm van een volledig muzikaal drama of “opera”. Monteverdi’s L’Orfeo haalde dit proces uit zijn experimentele tijdperk en leverde het eerste volledig ontwikkelde voorbeeld van het nieuwe genre. Na de eerste opvoering werd het werk opnieuw opgevoerd in Mantua, en mogelijk in andere Italiaanse centra in de volgende jaren. De partituur werd gepubliceerd door Monteverdi in 1609 en opnieuw in 1615. Na de dood van de componist in 1643 bleef de opera vele jaren onuitgevoerd en raakte hij grotendeels in de vergetelheid, totdat een opleving van de belangstelling aan het eind van de negentiende eeuw leidde tot een golf van moderne uitgaven en uitvoeringen. Aanvankelijk ging het meestal om onopgevoerde versies in instituten en muziekgezelschappen, maar na de eerste moderne gedramatiseerde uitvoering in Parijs in 1911 werd het werk steeds vaker in theaters opgevoerd. Na de Tweede Wereldoorlog werd in de meeste nieuwe uitgaven gestreefd naar authenticiteit door het gebruik van historische instrumenten. Er werden veel opnames gemaakt en de opera werd steeds vaker in operahuizen opgevoerd. In 2007 werd de quaterhonderdste verjaardag van de première gevierd met uitvoeringen over de hele wereld.

In zijn gepubliceerde partituur somt Monteverdi ongeveer 41 instrumenten op die moeten worden ingezet, waarbij verschillende groepen instrumenten worden gebruikt om bepaalde scènes en personages uit te beelden. Zo stellen strijkers, klavecimbels en blokfluiten de pastorale velden van Thracië voor met hun nimfen en herders, terwijl zwaar koper de onderwereld en zijn bewoners illustreert. L’Orfeo, gecomponeerd op het overgangspunt van de Renaissance naar de Barok, maakt gebruik van alle middelen die toen in de muziekkunst bekend waren, met een bijzonder gedurfd gebruik van polyfonie. Het werk is niet als zodanig georkestreerd; in de renaissancetraditie volgden de instrumentalisten de algemene aanwijzingen van de componist, maar kregen zij aanzienlijke vrijheid om te improviseren. Dit onderscheidt Monteverdi’s werk van de latere operacanon, en maakt elke uitvoering van L’Orfeo tot een unieke individuele gebeurtenis.

Historische achtergrond

Claudio Monteverdi, geboren in Cremona in 1567, was een muzikaal wonderkind dat studeerde onder Marc’Antonio Ingegneri, de maestro di cappella (hoofd van de muziek) van de kathedraal van Cremona. Na een opleiding in zang, strijkers en compositie werkte Monteverdi als musicus in Verona en Milaan totdat hij in 1590 of 1591 een betrekking kreeg als assuonatore di vivuola (altviolist) aan het hof van hertog Vincenzo Gonzaga in Mantua. Door bekwaamheid en hard werken klom Monteverdi op tot Gonzaga’s maestro della musica (meester van de muziek) in 1601.

Vincenzo Gonzaga’s bijzondere passie voor muziektheater en spektakel groeide uit zijn familiebanden met het hof van Florence. Tegen het einde van de 16e eeuw ontwikkelden vernieuwende Florentijnse musici de intermedio – een reeds lang bestaande vorm van muzikaal intermezzo tussen de aktes van gesproken drama’s – tot steeds meer uitgewerkte vormen. Onder leiding van Jacopo Corsi waren deze opvolgers van de beroemde Camerata verantwoordelijk voor het eerste werk dat algemeen erkend wordt als behorend tot het genre van de opera: Dafne, gecomponeerd door Corsi en Jacopo Peri en uitgevoerd in Florence in 1598. In dit werk werden elementen van madrigaalzang en monodie gecombineerd met dans en instrumentale passages om een dramatisch geheel te vormen. Slechts fragmenten van de muziek bestaan nog, maar verschillende andere Florentijnse werken uit dezelfde periode – Appresentatione di Anima, et di Corpo van Emilio de’ Cavalieri, Peri’s Euridice en Giulio Caccini’s Euridice met dezelfde titel zijn nog volledig bewaard gebleven. Deze laatste twee werken waren de eerste van vele muzikale voorstellingen van de Orpheus-mythe zoals verhaald in Ovidius’ Metamorfosen, en als zodanig directe voorlopers van Monteverdi’s L’Orfeo.

Het hof van de Gonzaga’s had een lange geschiedenis van het bevorderen van dramatisch vermaak. Een eeuw voor Hertog Vincenzo’s tijd had het hof Angelo Poliziano’s lyrische drama La favola di Orfeo opgevoerd, waarvan tenminste de helft werd gezongen in plaats van gesproken. Meer recentelijk, in 1598, had Monteverdi het muzikale establishment van het hof geholpen bij de productie van Giovanni Battista Guarini’s toneelstuk Il pastor fido, door theaterhistoricus Mark Ringer omschreven als een “baanbrekend theaterwerk” dat de Italiaanse rage voor pastoraal drama inspireerde. Op 6 oktober 1600, tijdens een bezoek aan Florence voor het huwelijk van Maria de’ Medici met koning Hendrik IV van Frankrijk, woonde hertog Vincenzo een productie bij van Peri’s Euridice. Waarschijnlijk waren zijn belangrijkste musici, waaronder Monteverdi, ook bij deze voorstelling aanwezig. De hertog zag al snel de nieuwigheid in van deze nieuwe vorm van dramatisch vermaak, en het potentieel om prestige te brengen aan diegenen die bereid waren het te sponsoren.

Compositie

Toen Monteverdi de muziek voor L’Orfeo schreef, had hij een grondige basis in de theatermuziek. Hij was 16 jaar werkzaam geweest aan het hof van de Gonzaga, waarvan een groot deel als uitvoerder of arrangeur van toneelmuziek, en in 1604 had hij het ballo Gli amori di Diane ed Endimone geschreven voor het carnaval van 1604-05 in Mantua. De elementen waaruit Monteverdi zijn eerste operapartituur samenstelde – de aria, het strofische lied, recitatief, koren, dansen, dramatische muzikale intermezzo’s – waren, zoals dirigent Nikolaus Harnoncourt opmerkte, niet door hem gecreëerd, maar “hij mengde de hele voorraad van nieuwste en oudere mogelijkheden tot een eenheid die inderdaad nieuw was”. Musicoloog Robert Donington schrijft hetzelfde: ” bevat geen element dat niet gebaseerd was op een precedent, maar het bereikt volledige rijpheid in die recent ontwikkelde vorm. . . . Hier zijn woorden zo direct uitgedrukt in muziek als men ze uitgedrukt wilde hebben; hier is muziek die ze uitdrukt … met de volle inspiratie van het genie.”

Monteverdi vermeldt de orkestrale vereisten aan het begin van zijn gepubliceerde partituur, maar in overeenstemming met de praktijk van die tijd specificeert hij niet het precieze gebruik ervan. In die tijd was het gebruikelijk om iedere vertolker van het werk de vrijheid te geven om plaatselijke beslissingen te nemen, gebaseerd op de orkestrale krachten waarover hij beschikte. Deze konden van plaats tot plaats sterk verschillen. Bovendien, zoals Harnoncourt opmerkt, waren de instrumentalisten allemaal componisten en verwachtten zij bij elke uitvoering creatief samen te werken, in plaats van een vaste tekst te spelen. Een ander gebruik uit die tijd was dat zangers hun aria’s mochten verfraaien. Monteverdi schreef gewone en versierde versies van sommige aria’s, zoals Orfeo’s “Possente spirito,” maar volgens Harnoncourt “is het duidelijk dat waar hij geen versieringen schreef, hij er geen wilde laten zingen.”

Elke akte van de opera behandelt een enkel element van het verhaal, en elke akte eindigt met een refrein. Ondanks de structuur van vijf aktes, met twee reeksen scènewisselingen, is het waarschijnlijk dat L’Orfeo voldeed aan de standaardpraktijk voor hofamusement uit die tijd en werd gespeeld als een aaneengesloten geheel, zonder pauzes of aflopende gordijnen tussen de aktes. Het was in die tijd gebruikelijk dat scènewisselingen plaatsvonden in het zicht van het publiek, en dat deze veranderingen muzikaal werden weerspiegeld door veranderingen in instrumentatie, toonsoort en stijl.

Synopsis

De actie speelt zich af op twee contrasterende locaties: de velden van Thracië (akten 1, 2 en 5) en de onderwereld (akten 3 en 4). Een instrumentale toccata (Engels: tucket, wat een trompetgeschal betekent) gaat vooraf aan de intrede van La musica, die de “geest van de muziek” voorstelt en een proloog van vijf strofen zingt. Na een hoffelijk welkom aan het publiek kondigt zij aan dat zij, door middel van zoete klanken, “elk verontrust hart kan kalmeren”. Ze zingt nog een lofzang op de kracht van muziek, voordat ze de hoofdrolspeler van het drama, Orfeo, introduceert, die “de wilde beesten in de ban hield met zijn lied.”

Akte 1

Na La musica’s laatste verzoek om stilte, gaat het doek van de eerste akte open om een pastorale scène te onthullen. Orfeo en Euridice treden binnen samen met een koor van nimfen en herders, die optreden als een Grieks koor en de actie becommentariëren als groep en als individu. Een herder kondigt aan dat dit de huwelijksdag van het paar is; het koor antwoordt, eerst met een statige aanroeping (“Kom, Hymen, o kom”) en vervolgens met een vreugdedans (“Verlaat de bergen, verlaat de fonteinen”). Orfeo en Euridice bezingen hun liefde voor elkaar voordat ze met het grootste deel van de groep vertrekken naar de huwelijksplechtigheid in de tempel. De achterblijvers zingen een kort refrein, waarin ze vertellen hoe Orfeo vroeger iemand was “voor wie zuchten eten en huilen drinken was”, voordat de liefde hem in een staat van subliem geluk bracht.

Akte 2

Orfeo keert terug met het hoofdkoor, en zingt met hen over de schoonheden van de natuur. Orfeo mijmert dan over zijn vroegere ongeluk, maar verkondigt: “Na verdriet is men meer tevreden, na pijn is men gelukkiger.” De stemming van tevredenheid wordt abrupt beëindigd wanneer La messaggera binnenkomt met het nieuws dat Euridice een dodelijke slangenbeet heeft opgelopen terwijl ze bloemen aan het plukken was. Het koor drukt zijn angst uit: “Ah, bittere gebeurtenis, ah, goddeloos en wreed lot!” terwijl de Messaggera zichzelf beschuldigt als de brenger van slecht nieuws (“Voor altijd zal ik vluchten, en in een eenzame spelonk een leven leiden dat in overeenstemming is met mijn verdriet”). Nadat Orfeo zijn verdriet en ongeloof heeft geventileerd (“Gij zijt dood, mijn leven, en ik adem?”), verklaart hij dat hij naar de onderwereld wil afdalen en de heerser ervan wil overhalen Euridice weer tot leven te laten komen. Anders, zegt hij, “zal ik bij u blijven in het gezelschap van de dood.” Hij vertrekt, en het koor hervat zijn klaagzang.

Act 3

Orfeo wordt door Speranza naar de poorten van Hades geleid. Nadat ze Speranza heeft gewezen op de woorden die op de poort zijn gegraveerd (“Verlaat de hoop, allen die hier binnengaan”), vertrekt Speranza. Orfeo wordt nu geconfronteerd met de veerman Caronte, die Orfeo streng toespreekt en weigert hem over de rivier de Styx te brengen. Orfeo probeert Caronte over te halen door een vleiend lied voor hem te zingen (“Machtige geest en machtige godheid”), maar de veerman is onbewogen. Als Orfeo echter zijn lier ter hand neemt en speelt, valt Caronte in slaap. Orfeo grijpt zijn kans, steelt de boot van de veerman en steekt de rivier over, de onderwereld binnen, terwijl een koor van geesten overdenkt dat de natuur zich niet tegen de mens kan verdedigen: “Hij heeft de zee getemd met breekbaar hout, en de woede van de winden veracht.”

Act 4

In de Onderwereld smeekt Proserpina, koningin van Hades, die diep getroffen is door Orfeo’s gezang, koning Plutone, haar man, om Euridice’s vrijlating. Plutone is ontroerd door haar smeekbede en stemt toe op voorwaarde dat Orfeo niet omkijkt als hij Euridice naar de wereld leidt. Als hij dat wel doet, “zal een enkele blik hem veroordelen tot eeuwig verlies.” Orfeo gaat naar binnen, leidt Euridice en zingt vol vertrouwen dat hij op die dag zal rusten op de witte boezem van zijn vrouw. Maar terwijl hij zingt sluipt er een noot van twijfel binnen: “Wie zal mij verzekeren dat zij volgt?” Misschien heeft Plutone, gedreven door afgunst, de voorwaarde opgelegd uit wrok? Plotseling afgeleid door een commotie buiten het toneel, kijkt Orfeo om zich heen; onmiddellijk begint het beeld van Euridice te vervagen. Ze zingt, wanhopig: “Verliest gij mij door te veel liefde?” en verdwijnt. Orfeo probeert haar te volgen, maar wordt door een onzichtbare kracht weggezogen. Het geestenkoor zingt dat Orfeo, nadat hij Hades had overwonnen, op zijn beurt werd overwonnen door zijn hartstochten.

Act 5

Terug in de velden van Thracië houdt Orfeo een lange soliloquy waarin hij zijn verlies betreurt, de schoonheid van Euridice prijst en besluit dat zijn hart nooit meer door Cupido’s pijl zal worden doorboord. Een echo buiten het toneel herhaalt zijn laatste zinnen. Plotseling daalt Apollo in een wolk uit de hemel neer en tuchtigt hem: “Waarom geeft gij u over als prooi van woede en verdriet?” Hij nodigt Orfeo uit de wereld te verlaten en zich bij hem in de hemel te voegen, waar hij in de sterren Euridice’s evenbeeld zal herkennen. Orfeo antwoordt dat het onwaardig zou zijn de raad van zo’n wijze vader niet op te volgen, en samen stijgen ze op. Een herderskoor besluit dat “hij die in lijden zaait, de vruchten van alle genade zal oogsten”, voordat de opera eindigt met een krachtige moresca.

Original Libretto Ending

In Striggio’s libretto uit 1607 wordt Orfeo’s soliloquy in akte 5 onderbroken, niet door Apollo’s verschijning, maar door een koor van maenaden of Bacchanten – wilde, dronken vrouwen – die zingen over de “goddelijke woede” van hun meester, de god Bacchus. De oorzaak van hun toorn is Orfeo en zijn afkeer van de vrouw; hij zal niet ontsnappen aan hun hemelse woede, en hoe langer hij hen ontwijkt, hoe zwaarder zijn lot zal zijn. Orfeo verlaat de scène en zijn lot blijft onzeker, want de Bacchanten wijden zich voor de rest van de opera aan wild gezang en dans ter ere van Bacchus. Claude Palisca, een kenner van de oude muziek, meent dat de twee eindes niet onverenigbaar zijn; Orfeo ontsnapt aan de woede van de Bacchanten en wordt vervolgens gered door Apollo.