Az ember azt gondolná, hogy minden színész, aki be akar törni a filmművészetbe, első körben kerülné a túlságosan ambiciózus filmeket. Talán egyszerű díszletek, egyszerű történetek, néhány központi karakter – valami viszonylag kockázatmentes, ami eszközként szolgál a filmkészítői tehetség megmutatására. Woody Harrelson esetében azonban a szabályok nem érvényesek. Ilyen például a Lost in London című rendezői debütálása.
Nemcsak hogy úgy döntött, hogy egyetlen felvételen forgatja le a dolgot, és az életéből vett valós eseményekre alapozza, hanem élőben, valós időben vette fel – ami azt jelenti, hogy egy kis elbaszás, egy hiba, és Woody első filmje örökre beárnyékolódik.
A Lost in London szerencsére sikeres lett – igazi bizonyítéka Woody tehetségének a kamera előtt és mögött egyaránt. Ha valaki lemaradt róla, amikor tavaly adásba került, a Lost in London már megtekinthető a Digital HD-n és a Hulun. Nézze meg ezt a klipet:
Az energia tapintható. Ahelyett, hogy feszegette volna ezeket a határokat, Woody darabokra zúzta őket. A kérdés az: elgondolkodtatott téged?
Talán egy ilyen ambiciózus, kifinomultan kivitelezett projekt látványa inspirálta Önt, és elgondolkodtatta, hogy bármi lehetséges. A modern korban a rendelkezésünkre álló tartalom bősége mellett elengedhetetlen, hogy egy filmkészítő kitűnjön a tömegből és egyedi élménnyel rendelkezzen.
Azért, hogy a gondolattérképek beinduljanak és a kreatív nedvek áramoljanak, íme egy rangsorolt lista tíz másik kísérleti filmről, amelyek a Lost in Londonhoz hasonlóan feszegették ezeket a határokat. Inspiráció mindenhol van!
Boyhood (2014)
Richard Linklater coming-of-age indie drámája a gyerekkorát és kamaszkorát mutatja be Mason Jr. (Ellar Coltrane) hatéves korától tizennyolc éves koráig, ahogy Texasban nő fel elvált szülőkkel (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Bár nem vagyunk nagy rajongói magának a tényleges filmnek, úgy gondoljuk, hogy a Boyhood megérdemel egy említést, mivel tagadhatatlan, hogy Linklater egy olyan projektet szállított, amely nem kevesebb, mint ambiciózus.
A produkció az, ami különlegessé teszi ezt a filmet, amelyet tizenkét éven át folytatott, hogy valóban a felnőtté válásról szóló filmet készíthessen. A rendező évről évre írta és fejlesztette a történetet, a korábbi klipeket inspirációként használva a narratíva és a karakterfejlődés alakításához és megformálásához, ami lehetővé tette számára, hogy ugyanazokat a színészeket tartsa meg az egész film alatt, anélkül, hogy speciális effekteket vagy sminket kellett volna használnia.
The One I Love (2014)
A The One I Love egy romkom egy ízletesen sötét csavarral, amelynek középpontjában egy problémás pár áll (egyik felét Mark Duplass alakítja), akik egy gyönyörű nyaralóhelyre utaznak, csak hogy a bizarr körülmények tovább bonyolítsák a kapcsolatukat.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) a pár másik felét alakítja összetett és szokatlan szerepben, Duplass (Creep) pedig csúcsformában van. De ami igazán feldobja ezt az indie filmet, az az, hogy a párbeszédek improvizáltak. Az IndieWire-nek adott interjújában Duplass elmagyarázta, hogy a csapat milyen különböző típusú improvizációt alkalmazott:
A forgatókönyv, amit ehhez a filmhez használtunk, nagyon részletes, nagyon megrajzolt – ez egy 50 oldalas vázlat. . . . De nincs megírt párbeszéd, így a filmben minden párbeszéd improvizálva van… Csak a lehető legorganikusabb vagy a motivációiddal és a jelenet menetével kapcsolatban, és meglepetéseket használsz, hogy a veled szemben álló személy a jelenetben ne legyen lusta és ne pihenjen a sarkán, így remélhetőleg egy kicsit spontánabbnak tűnhet, mintha begyakorolták volna.
Tangerine (2015)
A Tangerine című Sean Baker-filmet (amely egy kurváról szól, aki karácsony este végigtépi Tinseltownt a stricit keresve, aki összetörte a szívét) nemcsak az LMBTQI közösség üdvözölte bravúrként, de a filmet kizárólag egy iPhone 5S segítségével forgatták, hogy a film apró költségvetése elférjen. Baker a The Verge-nek elmondta, hogy ő és csapata három különböző iPhone-t, a 8 dolláros Filmic Pro alkalmazást, egy Steadicamot és néhány adapterobjektívet használt – és ennyi, emberek!
A színész James Ransone (Sinister) kiemelte, hogy a film forgatásának kulcsa az volt, hogy a csapat jól ismerte a hagyományos filmkészítést. “Még mindig tudnod kell, hogyan működik a vágás. Igen, lehet gyönyörűen kinéző filmet készíteni egy kis költségvetésből, de ismerni kell a filmkészítés 100 évét.”
Playtime (1967)
A francia filmrendező, Jacques Tati (Monsieur Hulot nyaralása) remekműve, ennek a merész vígjátéknak a gyártási költségei olyan magasak voltak, hogy széleskörű sikert kellett aratnia, ha fedezni akarta azt az összeget, amit Tati a film anyagi életképességéhez szükségesnek tartott. “Sajnos a film nem lett kereskedelmi siker, és Tati végül csődbe ment, de a film valóban technikai és művészi teljesítmény volt” – jegyezte meg a Taste of Cinema.
A 70 mm-ben forgatott és rendkívül széles beállításokkal készült Playtime nevezetes a hatalmas díszletről, amelyet Tati kifejezetten a filmhez építtetett, valamint a rendező védjegyének számító finom, mégis összetett vizuális komédiák és innovatív hangeffektek alkalmazásáról.
“A díszleteket gondosan megtervezték és elkészítették a gegekhez, amelyekben (a főszereplő) Monsieur Hulot káoszát mutatják be, és lenyűgöző rend és pontosság jellemzi. A filmben nincsenek közeli felvételek, csak tökéletesen megkomponált és megkoreografált nagyfelvételek.”
Unsane (2018)
Nem meglepő, hogy Steven Soderbergh filmrendező került a listára, aki a Szex, hazugság és videokazetta című játékfilmes debütálásával az indie mozi új hullámát indította el, és azóta az egyik legmerészebb, legkiszámíthatatlanabb és legizgalmasabb filmkészítőként szerzett magának hírnevet.
Soderbergh egyik legjelentősebb teljesítménye a horror műfajába tett legutóbbi utazása volt az Unsane című thrillerrel. Nemcsak, hogy az egészet egy iPhone-on forgatta, de mindössze két hét alatt készítette el. A jelentős korlátozások ellenére Soderbergh jól sikerült – a film az idei Berlinalén tartott bemutatót követően meleg kritikákat kapott, megmutatva, hogy a mai hétköznapi kütyükkel milyen mértékben lehet a stílus határait feszegetni a nagyvásznon.
A Szent Hegy (1973)
Alejandro Jodorowsky szürrealista eposzát két évvel az El Topo után mutatták be, és az előző filmjéhez képest a Szent Hegy sokkal ambiciózusabb és teljesebb alkotás. A középpontjában egy hatalmas alkimista áll egy korrupt, kapzsiságtól fűtött világban, aki egy Krisztus-szerű karaktert és hét materialista figurát vezet a Szent Hegyre, ahol a megvilágosodást remélik.
Ez egy észbontó utazás, és elég nagy hegyet kell megmászni a sok szimbolikus üzenet megfejtése szempontjából, de ami kristálytiszta, hogy kevés filmkészítő volt olyan elkötelezett, mint Jodorowsky, aki groteszk, szürreális, szimbolikus és hallucinációs képekkel látta el mesterművét.
Míg a legtöbb ember a főforgatás megkezdése előtt felkészülne, biztosítva, hogy felszerelése és csapata rendben legyen, a szerző és felesége egy japán zen mester irányítása alatt egy hetet töltött alvás nélkül.
A központi szereplők hasonlóképpen három hónapig végeztek különböző spirituális gyakorlatokat Oscar Ichazo, az Arica Intézet munkatársa vezetésével, és a rendező pszilocibin gombát is beadott a színészeknek a halál-születés jelenetének forgatása alatt.
A technikák hatása érezhető a film megtekintésekor, és egy olyan megvilágosodott élményt eredményez, amely vizuálisan, narratívan és spirituálisan is a világból valónak tűnik. Ahogy a szlogen is mondja: “Semmi sem készíthetett fel erre a filmre az oktatásodban vagy a tapasztalataidban.”
Irréversible (2002)
Auteur Gaspar Noé Irréversible című filmje ambiciózus kísérletező stílusú, gyakran a cinéma du corps (a test mozija) kifejezéssel társított film, amely állítólag olyan rokonságot mutat bizonyos avantgárd produkciókkal, mint a narratíva visszafogott használata, a támadó operatőri munka, a provokatív témák és a társadalmi nihilizmus átható érzése.
Bizonyosra vehető, hogy az Irréversible megtestesíti ezeket a jellemzőket. Noé kísérletezett a kameratechnikával, a hanggal és a narratívával, a történetet tucatnyi, egymásba olvasztott, megszakítás nélküli felvételből szövi. A film egy órányi futamidejéből egy alacsony frekvenciájú hangot használt a hányinger és a szorongás állapotának megteremtésére, a narratíva pedig fordított kronológiát használ.
Mint David Sterritt megjegyezte Guiltless Pleasures című regényében: A David Sterritt Film Reader, az Irreverzibilis nem egyszerűen egy visszafelé elmesélt történet, hanem egy komplex tanulmány az idő természetéről. “Rendezőjét kevésbé érdekli az ok és okozat, mint magának az időnek a formája”. Maga Noé így nyilatkozott erről a témáról: “A szerkezet mind vicces, és az operatőri munka tele van energiával, de valójában arról szól, hogy elveszítesz valakit, akit szeretsz”.
Az Irreverzibilis a mai napig a valaha készült egyik legmegosztóbb film, de egy dologban a legtöbben egyetértenek, hogy Noé nem fél a kereteken kívül dolgozni és újítani a stilisztikai technikáival.
Metropolis (1927)
Az, hogy Fritz Lang Metropolis című filmje megelőzte korát, enyhe kifejezés lenne – egy disztópikus városban zajló osztályharcról szóló jelentős történetével a Metropolist a legelső sci-fi filmként tartják számon.
A néma német expresszionista jövőfilm a mai napig inspirálja a vizuális művészeket, rendezőket, divattervezőket és díszlettervezőket, a némafilm pedig a filmvásznon megjelenő mesterséges intelligencia igazán lényeges példája maradt a False Maria robot tervezése és biomechanikája miatt, amely a későbbiekben közvetlenül befolyásolta a Csillagok háborújában szereplő C3PO tervezését.
Lang egy sor bonyolult speciális effektust és díszlettervet dolgozott ki, a hatalmas gótikus katedrálistól a futurisztikus városképig, miközben a filmet stiláris hatásokkal töltötte meg, az art decótól a gótikán át a funkcionalista modernizmusig.
Eközben Karl Freund (Drakula) és Gunther Rittau (Az örök hang) operatőrök a film forgatása során nagymértékben támaszkodtak a német expresszionizmus technikáira, Gottfried Huppertz zeneszerző (Die Nibelungen: Siegfried) pedig Richard Wagner és Richard Strauss inspirációjából merített a nagy zenekarral összeállított egyedi filmzenéhez.
Nincs olyan részlete ennek a filmnek, amelyet ne gondoltak volna át aprólékos odafigyeléssel, ezért a sci-fi történetének egyik legfontosabb filmje maradt.
2001: Űrodüsszeia (1968)
Stanley Kubrick mesterműve lehet, hogy már 50 éves, de még ma is ugyanolyan frissnek hat, mint akkoriban. A film, amely valóban örökre megváltoztatta a sci-fi arculatát, a szerző megmutatta, hogy a műfaj foglalkozhat és kell is foglalkoznia az evolúció, a létezés és a mesterséges intelligencia súlyosabb témáival.
A film “nonverbális” élmény – a két óra tizenkilenc perces filmből alig negyven percnél kevesebb párbeszédet tartalmaz -, és a karakterfejlődés után másodsorban Kubrick megszállott gondossággal építette fel gépeit és érte el a speciális effekteket.
Ahogy a Taste of Cinema fogalmazott: “Akár a legendás vágás a csont és az űrhajók között, akár a csillagközi utazás, Kubrick a film minden erejét felhasználta, hogy ne egyetlen szereplő, hanem az egész emberiség történetét mesélje el.”