Music 101

Már megismerkedett Claudio Monteverdivel, akinek zenéje a késő reneszánsz és a kora barokk között mozog. Most pedig vizsgáljuk meg egyik legjelentősebb kompozícióját, a L’Orfeót, az első mesterműnek tartott operát.

Bevezetés

A L’Orfeo (SV 318), más néven La favola d’Orfeo, Claudio Monteverdi kora barokk favola in musica, azaz opera (néha késő reneszánsznak tekintik), melynek librettóját Alessandro Striggio írta. A mű Orfeusz görög legendáján alapul, és Orfeusz Hádészba való alászállásának történetét meséli el, valamint azt a sikertelen kísérletét, hogy halott menyasszonyát, Eurüdikét visszahozza az élők világába. A művet 1607-ben írták a mantovai karnevál idején tartott udvari előadásra. Bár a legelső opera dicsősége Jacopo Peri Dafne című művét illeti, és a legkorábbi fennmaradt opera az Euridiké (szintén Peri műve), a L’Orfeo a legkorábbi fennmaradt opera, amelyet ma is rendszeresen játszanak.

A tizenhetedik század elején a hagyományos intermedio – egy egyenes színdarab felvonásai közötti zenei szekvencia – a teljes zenedráma vagy “opera” formájává fejlődött. Monteverdi L’Orfeo című műve kimozdította ezt a folyamatot a kísérleti korszakból, és az új műfaj első teljesen kidolgozott példáját nyújtotta. A művet az ősbemutató után Mantovában, és valószínűleg a következő években más itáliai központokban is újra színpadra állították. Partitúráját Monteverdi 1609-ben, majd 1615-ben újra kiadta. A zeneszerző 1643-ban bekövetkezett halála után az opera hosszú évekig nem került bemutatásra, és nagyrészt feledésbe merült, mígnem a XIX. század végén újraéledt az érdeklődés, ami számos modern kiadást és előadást eredményezett. Ezek eleinte inkább intézetekben és zenei társaságokban készültek, de az első modern dramatizált párizsi előadást követően, 1911-ben a mű egyre gyakrabban került színházakba. A második világháború után a legtöbb új kiadás a korhűségre törekedett a korhű hangszerek használatával. Számos hangfelvételt adtak ki, és az operát egyre gyakrabban vitték színre operaházakban. 2007-ben a bemutató negyedszázados évfordulóját világszerte előadásokkal ünnepelték.

A kiadott partitúrában Monteverdi mintegy 41 hangszert sorol fel, amelyeket be kell vetni, és az egyes jelenetek és szereplők ábrázolásához külön hangszercsoportokat használnak. Így a vonósok, a csembalók és a furulyák a trák pásztormezőket ábrázolják nimfáikkal és pásztoraikkal, míg a nehéz rézfúvósok az alvilágot és annak lakóit illusztrálják. A reneszánsz korszakból a barokkba való átmenet idején komponált L’Orfeo a zeneművészetben akkor ismert összes eszközt felhasználja, különösen merészen alkalmazza a többszólamúságot. A mű önmagában nem hangszerelt; a reneszánsz hagyomány szerint a hangszeresek követték a zeneszerző általános utasításait, de jelentős szabadságot kaptak az improvizációra. Ez különbözteti meg Monteverdi művét a későbbi operakánontól, és teszi a L’Orfeo minden egyes előadását egyedülállóan egyéni eseménnyé.

Történeti háttér

Claudio Monteverdi 1567-ben született Cremonában, zenei csodagyerek volt, aki Marc’Antonio Ingegneri, a cremonai dóm maestro di cappella (zenei vezető) tanítványa volt. Ének-, vonós- és zeneszerzői képzést követően Monteverdi zenészként dolgozott Veronában és Milánóban, mígnem 1590-ben vagy 1591-ben asuonatore di vivuola (brácsás) állást kapott Vincenzo Gonzaga herceg mantovai udvarában. Képessége és szorgalma révén Monteverdi 1601-ben Gonzaga maestro della musica (zenei mester) rangjára emelkedett.

Vincenzo Gonzaga különös szenvedélye a zenés színház és a látványosság iránt a firenzei udvarral való családi kapcsolataiból nőtt ki. A 16. század vége felé az innovatív firenzei muzsikusok az intermedio-t – a beszélt drámák felvonásai közé beiktatott zenei közjáték régóta ismert formáját – egyre kidolgozottabb formákká fejlesztették. Jacopo Corsi vezetésével a híres Camerata ezen utódai alkották az első olyan művet, amelyet általánosan az opera műfajához tartozónak ismertek el: A Corsi és Jacopo Peri által komponált és 1598-ban Firenzében bemutatott Dafne. Ez a mű a madrigáléneklés és a monódia elemeit tánccal és hangszeres részekkel ötvözte, hogy drámai egészet alkosson. Kottájából csak töredékek maradtak fenn, de több más firenzei mű ugyanebből a korszakból – Emilio de’ Cavalieri Rappresentatione di Anima, et di Corpo című műve, Peri Euridice és Giulio Caccini azonos című Euridice – teljes egészében fennmaradt. Ez utóbbi két mű volt az első az Ovidius Metamorfózisaiban elbeszélt Orfeusz-mítosz számos zenei ábrázolása közül, és mint ilyenek, közvetlen előzményei voltak Monteverdi L’Orfeójának.

A Gonzaga-udvarban régóta népszerűsítették a drámai szórakoztatást. Egy évszázaddal Vincenzo herceg kora előtt az udvar már színpadra állította Angelo Poliziano La favola di Orfeo című lírai drámáját, amelynek legalább a felét inkább énekelték, mint beszélték. Nemrégiben, 1598-ban Monteverdi segített az udvari zenei intézménynek előadni Giovanni Battista Guarini Il pastor fido című darabját, amelyet Mark Ringer színháztörténész “vízválasztó színházi műként” jellemzett, amely megihlette a pásztordrámák iránti olasz őrületet. 1600. október 6-án, amikor Mária de’ Medici és IV. Henrik francia király esküvőjére Firenzébe látogatott, Vincenzo herceg részt vett Peri Euridice című darabjának előadásán. Valószínű, hogy fő zenészei, köztük Monteverdi is jelen voltak ezen az előadáson. A herceg hamar felismerte a drámai szórakoztatás ezen új formájának újdonságát, és annak lehetőségét, hogy presztízst hozhat azoknak, akik hajlandóak voltak támogatni.

Kompozíció

Mikor Monteverdi megírta a L’Orfeo zenéjét, alapos alapokkal rendelkezett a színházi zenében. Tizenhat éven át dolgozott a Gonzaga-udvarban, nagyrészt színpadi zenék előadójaként vagy hangszerelőjeként. 1604-ben az 1604-05-ös mantovai karneválra írta a Gli amori di Diane ed Endimone című ballót. Az elemeket, amelyekből Monteverdi felépítette első operapartitúráját – az áriát, a strófikus éneket, a recitativót, a kórusokat, a táncokat, a drámai zenei betéteket -, mint Nikolaus Harnoncourt karmester rámutatott, nem ő alkotta meg, hanem “a legújabb és régebbi lehetőségek teljes készletét olyan egységgé ötvözte, amely valóban új volt”. Robert Donington zenetudós hasonlóan ír: ” nem tartalmaz olyan elemet, amely ne előzményekre épült volna, de teljes érettségét ebben a nemrég kialakult formában éri el. . . . Itt a szavak olyan közvetlenül fejeződnek ki a zenében, ahogyan ki akarták fejezni őket; itt a zene fejezi ki őket … a zsenialitás teljes ihletettségével.”

Monteverdi a kiadott partitúrája elején közli a zenekari követelményeket, de a kor gyakorlatának megfelelően nem határozza meg azok pontos használatát. Abban az időben az volt a szokás, hogy a mű minden egyes értelmezőjének szabadságot adtak a helyi döntések meghozatalában, a rendelkezésére álló zenekari erők alapján. Ezek helyenként erősen eltérhettek egymástól. Ráadásul, ahogy Harnoncourt rámutat, a hangszeresek mindannyian zeneszerzők voltak, és elvárták volna, hogy minden egyes előadáson kreatívan működjenek együtt, ahelyett, hogy egy meghatározott szöveget játszottak volna. Egy másik korabeli gyakorlat az volt, hogy az énekesek szabadon díszíthették áriáikat. Monteverdi néhány áriának, például az Orfeo “Possente spirito”-jának egyszerű és díszített változatát is megírta, de Harnoncourt szerint “nyilvánvaló, hogy ahol nem írt díszítést, ott nem akarta, hogy elénekeljék.”

Az opera minden felvonása a történet egy-egy elemével foglalkozik, és mindegyik kórussal zárul. Az ötfelvonásos szerkezet ellenére, két sorozatnyi jelenetváltással, a L’Orfeo valószínűleg megfelelt a korabeli udvari mulatságok szokásos gyakorlatának, és folyamatos egységként játszották, a felvonások közötti szünetek vagy függöny leeresztése nélkül. A korabeli szokás szerint a jelenetváltások a közönség szeme láttára történtek, és ezeket a váltásokat zeneileg a hangszerelés, a hangnem és a stílus változása tükrözte.

Szinopszis

A cselekmény két ellentétes helyszínen játszódik: a trákiai mezőkön (1., 2. és 5. felvonás) és az alvilágban (3. és 4. felvonás). Egy hangszeres toccata (angolul: tucket, azaz trombitaszó) előzi meg a “zene szellemét” jelképező La musica belépését, aki öt versszakból álló prológust énekel. A közönség kegyes üdvözlése után bejelenti, hogy édes hangok révén “minden nyugtalan szívet meg tud nyugtatni”. További dicshimnuszt énekel a zene erejéről, majd bemutatja a dráma főszereplőjét, Orfeót, aki “énekével megbabonázta a vadállatokat.”

1. felvonás

La musica utolsó, csendre vonatkozó kérése után az első felvonás függönye felemelkedik, és egy pásztorjelenetet tár elénk. Orfeo és Euridiké egy nimfákból és pásztorokból álló kórussal együtt lépnek be, akik a görög kórus módjára, csoportosan és egyénenként is kommentálják a cselekményt. Egy pásztor bejelenti, hogy ez a pár esküvőjének napja; a kórus válaszol, először egy méltóságteljes fohásszal (“Jöjj, Hymen, ó jöjj”), majd egy vidám tánccal (“Hagyd el a hegyeket, hagyd el a forrásokat”). Orfeo és Euridiké megéneklik egymás iránti szerelmüket, mielőtt a csoport nagy részével együtt elindulnak a templomi esküvői szertartásra. A színpadon maradtak rövid kórust énekelnek, amelyben arról nyilatkoznak, hogy Orfeo korábban olyan volt, “akinek a sóhaj volt az étel és a sírás az ital”, mielőtt a szerelem a magasztos boldogság állapotába juttatta.

2. felvonás

Orfeo visszatér a főkórussal, és velük együtt énekel a természet szépségeiről. Orfeo ezután korábbi boldogtalanságán mereng, de kijelenti: “A bánat után az ember elégedettebb, a fájdalom után boldogabb”. Az elégedett hangulatnak hirtelen vége szakad, amikor belép La messaggera, aki a hírt hozza, hogy Euridikét virágszedés közben halálos kígyómarás érte. A kórus kifejezi gyötrelmét: “Ah, keserű esemény, ah, istentelen és kegyetlen sors!”, míg a Messaggera önmagát kárhoztatja, mint a rossz hír hozóját (“Örökre elmenekülök, és egy magányos barlangban a bánatomnak megfelelő életet élek”). Orfeo, miután levezette bánatát és hitetlenségét (“Halott vagy, életem, és én lélegzem?”), kinyilvánítja szándékát, hogy leereszkedik az Alvilágba, és meggyőzi annak uralkodóját, hogy engedje vissza Euridikét az életbe. Ellenkező esetben, mondja, “veled maradok a halál társaságában”. Elmegy, és a kórus folytatja a siránkozást.

3. felvonás

Orfeót Speranza a Hádész kapujához vezeti. Miután Speranza rámutat a kapura felírt szavakra (“Hagyjátok el a reményt, mindazok, akik ide belépnek”), távozik. Orfeo most szembetalálkozik Caronte kompossal, aki keményen beszél Orfeóval, és nem hajlandó átkelni vele a Sztyx folyón. Orfeo megpróbálja meggyőzni Carontét azzal, hogy egy hízelgő dalt énekel neki (“Hatalmas szellem és hatalmas istenség”), de a kompos nem hatódik meg. Amikor azonban Orfeo felkapja a líráját és játszik rajta, Caronte megnyugszik és elalszik. Megragadva az alkalmat, Orfeo ellopja a kompos csónakját, átkel a folyón, és belép az alvilágba, miközben a szellemek kórusa arról elmélkedik, hogy a természet nem tud védekezni az ember ellen: “Törékeny fával megszelídítette a tengert, és megvetette a szelek dühét.”

4. felvonás

Az alvilágban Proserpina, Hádész királynője, akire mélyen hatott Orfeo éneke, könyörög férjéhez, Plutone királyhoz Euridiké szabadon bocsátásáért. Plutone meghatódva a lány kérésére, beleegyezik, azzal a feltétellel, hogy miközben Euridikét a világ felé vezeti, Orfeo nem nézhet vissza. Ha mégis megteszi, “egyetlen pillantása örök veszteségre kárhoztatja”. Orfeo belép, vezeti Euridikét, és magabiztosan énekli, hogy azon a napon felesége fehér keblén fog pihenni. De ahogy énekel, a kételyek hangja kúszik be: “Ki biztosít engem arról, hogy követ engem?” Talán Plutone, akit az irigység vezérel, rosszindulatból szabta meg a feltételt? Orfeo hirtelen megzavarodik a színpadon kívüli zajongástól, és körülnéz; Euridiké képe azonnal halványulni kezd. Kétségbeesetten énekel: “Elveszítesz engem a túl sok szerelem miatt?” – és eltűnik. Orfeo megpróbálja követni őt, de egy láthatatlan erő elvonja. A szellemek kórusa azt énekli, hogy Orfeót, miután legyőzte Hádészt, viszont legyőzték a szenvedélyei.

5. felvonás

A trákiai mezőkön Orfeó hosszú monológot tart, amelyben elvesztését siratja, Euridiké szépségét dicséri, és elhatározza, hogy szívét soha többé nem fogja Ámor nyila átszúrni. Egy színpadon kívüli visszhang megismétli utolsó mondatait. Hirtelen egy felhőben Apolló száll le az égből, és megdorgálja őt: “Miért adod magad a düh és a bánat prédájául?” Meghívja Orfeót, hogy hagyja el a világot, és csatlakozzon hozzá az égben, ahol a csillagokban felismeri Euridiké hasonmását. Orfeo azt válaszolja, hogy méltatlan lenne nem követni egy ilyen bölcs apa tanácsát, és együtt felemelkednek. Egy pásztorkórus zárja, hogy “aki szenvedéssel vet, minden kegyelem gyümölcsét aratja”, mielőtt az opera egy erőteljes morescával ér véget.

Eredeti librettó befejezése

Striggio 1607-es librettójában Orfeo 5. felvonásbeli monológját nem Apolló megjelenése szakítja meg, hanem a ménádok vagy bacchánsok – vad, részeg nők – kórusa, akik gazdájuk, Bacchus isten “isteni dühéről” énekelnek. Haragjuk oka Orfeo és a nőkről való lemondása; nem menekülhet az égi harag elől, és minél tovább kerülgeti őket, annál súlyosabb lesz a sorsa. Orfeo elhagyja a helyszínt, és sorsa bizonytalan marad, mert a Bacchánsnők az opera hátralévő részében vad éneklésnek és táncnak szentelik magukat Bacchus dicsőítésére. Claude Palisca régizene-szakértő úgy véli, hogy a két befejezés nem összeegyeztethetetlen; Orfeo megmenekül a bacchánsnők dühe elől, majd Apolló megmenti.