A közjáték a legalapvetőbb meghatározás szerint “közbeeső vagy megszakító időszak, tér vagy esemény”. Technikailag a közjáték célja, hogy megzavarja, hogy felhívja a figyelmet, vagy hogy valami másra összpontosítson. Az albumokat gyakran a kohéziójuk és az áramlásuk alapján ítélik meg, hogy az egyes dalok mennyire egészítik ki az egész albumot az adott tracklistával összefüggésben. Pontosan hol jön tehát a képbe az a döntés, hogy közjátékot iktassunk be? A híres közjátékok közé tartozik Björk “Frosti”, Beyoncé “Yoncé”, amely a “Partition” című slágert vezeti be, és SZA “Wavy” a kritikusok által elismert CTRL című albumról. Az intermezzók messze nem műfajilag korlátozottak, és gyakran érdekes kérdéseket vetnek fel azzal kapcsolatban, hogy a hallgató milyen módon lép interakcióba az adott zeneművel.
Frank Ocean Blonde-ja volt 2016 legnagyobb kiadványa, amely a “Be Yourself” című, anyai töltésű intermezzót tartalmazza, összekötve a “Pink + White” halhatatlan hangulatát a “Solo” adok-kapok dacosságával. A “Pink + White” szelíd lemondását gyorsan megszakítja: “Sok egyetemista járt egyetemre, és rászokott a drogokra, a marihuánára és az alkoholra. Hallgasd meg! Ne próbálj meg valaki más lenni”. Ez egy 1:27-es hangüzenet egy látszólag hatalmaskodó anyától, ami hirtelen leesik: “Itt anya. Hívj fel. Szia” a következőre: “Hand me a towel I’m dirty dancing by myself / Gone off tabs of that acid / Form me a circle, watch my jagger / Might lose my jacket and hit a solo”. Miután azt mondták neki, hogy “légy önmagad” az önmegtartóztatás révén, Ocean természetesen úgy reagál, hogy az acid és a marihuána segítségével szólót üt. Felteszi a kérdést, hogyan lehetsz önmagad, hogyan létezhetsz igazán egyedül anélkül, hogy egyedül éreznéd magad, az anyag segítsége nélkül: “Inhalálj, a pokolban a mennyország van” – harsogja, a THC segítségével paradicsomi érzést találva a magány egyébként pokoli állapotában. A hangposta szigorú figyelmeztetése nélkül a hallgatók elveszítenék az önmaguk iránti felelősségérzetet, amelyet Ocean oly óvatosan, oly lágyan közvetít. Édes, édes hangjai annál szelídebbnek (és szomorúbbnak) érződnek az őket megelőző keménységtől.
A másik R&B előadó, aki Ocean szellemiségében Solange Knowles, akinek mesteri A Seat at the Table című műve nyolc különálló intermezzo sorozatot tartalmaz. Ezek közül az első, az Interlude: The Glory is in You”, összeköti a vészjósló “Weary”-t a “Cranes in the Sky” kétségbeesésével. A mindössze 18 másodperces intermezzo megkérdőjelezi, hogy a békének milyen helye van a világunkban. Ellentétben Ocean hangüzenetével, Knowles első intermezzója csak egy aprócska töredéke az egésznek, olyan aprócska, hogy egy alkalmi hallgatás során könnyen elsiklik felette az ember. De ez a kis klip egy kézzelfogható témát vezet be az azt lezáró dalok költészete között: “De amíg békét találsz abban, amit csinálsz, addig sikeres vagy, és ez az, amit az emberek nem vesznek észre. Látod, addig kell csinálnod dolgokat, amíg el nem tudsz aludni este. Mert a dicsőség benned van.” Az intermezzo a béke iránti igényt leírva ad a hallgatónak egy képet arról, hogy mi az az “ez” a “Cranes in the Sky”-ban: a kisebbségek által tapasztalt tartós, perfúziós agresszió, egy téma, amely az album előrehaladtával lassan rétegeket nyer. Míg Ocean intermezzója a Blonde visszafogott magányosságának fóliáját nyújtja, Knowles intermezzója a rasszizmus fájdalmát fejezi ki a zenével együtt.
Most felmerül a kérdés, hogy mi a szerepe az instrumentális intermezzóknak, azoknak, amelyeknek nincs érzékelhető üzenete a hallgató számára. A metalcore titán Underoath két legelismertebb albumán is szerepelnek ilyen típusú közjátékok. Az első, a They Were Only Chasing Safety című albumon szerepel a “The Blue Note”, amely egy jazzes, ambient instrumentállal hasítja ketté az albumot, teljesen megszakítva az előző “Reinventing Your Exit” kegyetlen energiáját, és egy “Three, two, one … ” kezdetű “Three, two, one …”-val csöppen bele az “It’s Dangerous Business Walking Out Your Front Door” masszív breakdownjába. Amit nyerünk ezzel a nosztalgikus közjátékkal, az nem csak egyfajta átmenet az egyik feléből a másikba, de lehetővé teszi, hogy az egyébként támadó album fellélegezzen. A metalcore nem feltétlenül a megközelíthetőségéről ismert, és az Underoath úttörő volt a műfaj mainstreamingjében, amikor 2004-ben megjelentette ezt a lemezt. A Define the Great Line második albumán a “Salarmnir” ismét többnyire ambient, de ezúttal egy oroszul felolvasott zsoltárral, amelyet a háttérben visszhangzó, elragadtatott taps kísér. Az Underoath ismét felismerte az érdemeit annak, hogy egy durva vokálokkal és intenzív breakdownokkal teli albumba teret adjon a lélegzetvételnek, ezúttal epikus, vallásos érzelmekkel fűszerezve a formulát. Az Underoath nem a finomságáról ismert, a “Returning Empty Handed” előtt egy csábító közjátékkal vonja be rajongóit zenéjük viharába, amely azonnal csenddel ejti a padlót a hallgató alá.”
Ez a lista szó szerint a végtelenségig folytatható lenne, visszafelé haladva a történelemben és talán még a középkor zenéjében is (ami sokkal több kutatást igényelne, mint amire képes lennék), de egyelőre a modern intermezzo kiemeli a zene költészetét, és lehetővé teszi a szusszanást az intenzitásból vagy egy pillanatnyi elmélkedést az erőteljes témákról. Ahogy a zene fejlődött, úgy nőtt a súlya is, amit képes volt hordozni, és bár a mai világban gyakran kis terjedelmű, egy művészi intermezzo pont a megfelelő mennyiségű pihenőt biztosíthatja, hogy tökéletesen kiemeljen egy albumot és az azt körülvevő számokat.