Luokitellakseen Georges Braquen, Picasson ja Juan Grisin tekemiä vallankumouksellisia kubistisia kokeiluja taidehistorioitsijat pyrkivät jakamaan tämän liikkeen kahteen päävaiheeseen, joita kutsutaan analyyttiseksi ja synteettiseksi kubismiksi. Vaikka ensimmäinen vaihe oli itsessään varsin innovatiivinen, jälkimmäinen oli luultavasti varhaisen avantgardetaiteen mielikuvituksellisin kausi, joka vei liikkeen äärimmilleen. Synteettistä kubismia pidetään yleisesti vuosien 1912 ja 1914 välisenä aikana. Se toi monia uusia käsitteellisiä vaihtoehtoja jo vakiintuneeseen kubismin estetiikkaan. Edellinen analyyttinen lähestymistapa perustui olennaisesti kohteen hajottamiseen fragmentaariseksi kuvaksi, kun taas seuraavassa vaiheessa kehittyi kiinnostus kuvan litistämiseen ja kaikkien kolmiulotteiseen tilaan viittaavien jälkien pyyhkimiseen pois.
Analyyttisen kubismin päättyessä se rikkoi jo maalaustaiteen vuosisatoja vanhoja sääntöjä tarjoamalla vaihtoehdon yhden pisteen lineaariselle perspektiiville. Kun synteettinen kubismi alkoi kuitenkin vakiinnuttaa omia sääntöjään, Euroopan taidekenttä joutui myrskyn valtaan. Analyyttinen kubismi keskittyi esineen purkamiseen tai purkamiseen, mutta synteettisessä kubismissa oli kyse sen rakentamisesta tai synteesistä. Se kuroi umpeen todellisuuden ja taiteen välisen kuilun interpoloimalla kirjaimellisesti osia todellisesta maailmasta kankaalle. Aidot paperinpalat korvasivat maalatut litteät paperikuvaukset, aidot nuottivihkot korvasivat piirretyt nuottikirjoitukset jne. Laajentamalla liikkeen toiseen ja viimeiseen näytökseen tekijät antoivat itselleen luovan vapauden kuvata ympäröivää maailmaa haluamallaan tavalla.
Kollaasin keksiminen
Muun muassa käsite kollaasi välineenä on suoraa seurausta synteettisestä kubismista. Tämä uusi taidemuoto integroi merkkejä ja fragmentteja todellisista asioista ja oli olennainen osa liikkeen kehitystä. Picasson ensimmäinen kollaasiteos nimeltä Still Life with Chair Caning syntyi toukokuussa 1912, kun taas Braquen ensimmäinen papier collé (käännettynä liimapaperi) nimeltä Fruit Dish with Glass syntyi saman vuoden syyskuussa. Sen lisäksi, että synteettinen kubismi loi täysin uuden välineen, joka osoittautui ratkaisevan tärkeäksi monille 1900-luvun liikkeille, on myös huomattava, että synteettinen kubismi hämärtää maalauksen ja kuvanveiston välistä rajaa, sillä useimpien teosten sommitelmissa oli reliefimäisiä piirteitä.
Synteettisen kubismin ominaispiirteet
Synteettisen kubismin ideoiden täydellistä ymmärtämistä varten on ymmärrettävä myös sen edeltäjä. On olemassa muutamia piirteitä, jotka näyttävät olevan yhteisiä kaikille analyyttisille teoksille. Ensinnäkin tällaiset teokset näyttäytyvät tasojen ja viivojen vilkkaana lomittumisena, jossa aiheet ovat täysin hajanaisia. Kolmannen ulottuvuuden illuusio on erittäin tärkeä, ja jokainen aihe pyritään kuvaamaan useista eri näkökulmista. Ne on maalattu pääasiassa käyttämällä rajoitettua tummien värien valikoimaa. Lisäksi käytetään hyvin vähän sävyvaihtelua, sillä yleinen väritys on yleensä vaimeaa ja samankaltaista tummaa sävyä.
Vaikka kubismin maalarit nauttivat kunnioitettavasta menestyksestä teoksillaan, joita edellä mainitut piirteet korostavat, koko liike muuttui vuoden 1912 tienoilla. Yhtäkkiä analyyttisen kubismin varsin monimutkaiset ruudukot katosivat kokonaan. Sen sijaan se, mikä paljastui, osoittautuu lopulta synteettisen kubismin radikaalimmaksi piirteeksi. Vaihtoehtona ajatukselle hajottaa olemassa oleva objekti ruudukkoon, tekijät päättivät nyt rakentaa (tai syntetisoida) koko sommitelmansa mielestään käyttäen epätavallisia materiaaleja ja muotoja. Toisin sanoen sen sijaan, että kirjailijat olisivat tarkastelleet viulun kaltaista esinettä tarkkaan tulkitakseen sen muotoa ja rakennetta, he loivat mielikuvituksestaan viulun kaltaisen muodon. Toisin kuin alkuperäisen kuvan puolien uudelleen kokoamisessa, kyse oli täysin uusien rakenteiden syntetisoinnista. Käyttämällä nykyisen todellisuuden symboleja taiteilijat loivat jotain täysin uutta, mutta kuitenkin melko tuttua. Synteettinen kubismi sisälsi myös täysin uudenlaisia tekstuureja ja monenlaisia vieraita materiaaleja. Lisäksi kaikki kolmiulotteisuuden tuntu katosi, mikä oli varsin läsnä liikkeen alkuvaiheessa.
Todellisuuden kanssa leikittely
Todellisuuden kanssa leikittely
Prosessi, jossa arjen materiaalien, kuten paperileikkeiden, lippujen ja tupakkakansioiden, sirpaleet sisällytettiin heidän sävellyksiinsä, merkitsi siirtymistä pois analyyttisen kubismin älyllisyydestä ja ohjasi kurssia kohti rennompaa ja leikkisämpää estetiikkaa. Annettuaan itselleen luovan vapauden kuvata ympäröivää maailmaa miten parhaaksi näkivät, synteettisen kubismin maalarit löysivät uskomattoman kekseliään lähestymistavan kuvien tekemiseen. Käytännössä minkäänlaisia rajoituksia ei enää ollut, sillä ainoat rajat asetti taiteilijoiden luovuuden määrä. Nämä tekijät, erityisesti Braque ja Picasso, käyttivät kollaasipätkiä piirustusten rinnalla tai maalattuja osia teoksissaan. He saattoivat esimerkiksi kollaasoida palasen oikeasta lehdestä esittääkseen sommitelmissa todellista sanomalehteä, mutta sijoittaa sen kokonaan hiilellä piirretyn pullon viereen. Taiteilija voisi kuitenkin myös muotoilla tällaisen pullon lehtileikkeillä. Mielenkiintoista on, että juuri tämä pintojen ja tekstuurien jäljittely toi kubismin viimeiselle vaiheelle etuliitteen – synteettinen. Sen oli tarkoitus olla osoitus siitä, miten jotain keinotekoista voitiin käyttää kuvaamaan materiaalia jonkin muun jäljittelyssä.
Synteettisen kubismin muotoutumista edesauttanut alkuoletus oli ajatus fyysisten elementtien käyttöönotosta, joiden tarkoituksena oli saada kuvat näyttämään todellisemmilta. Arkipäiväisen roskan arkipäiväisten palasten käyttö oli tarkoituksellinen hyökkäys sen korkealentoisuutta vastaan, mitä tuohon aikaan pidettiin kuvataiteena. Sisällyttämällä tällaisia elementtejä arvostettuihin taideteoksiin kubistitaiteilijat osoittivat, että taidetta voitiin tehdä yhtä tehokkaasti saksilla ja liimalla kuin siveltimillä ja maaleilla. Tämä oli tuohon aikaan valtava innovaatio, joka vaikutti taidekenttään lopullisesti.
Tunnetuimmat harjoittajat ja taideteokset
Käsitteellisellä tasolla synteettinen kubismi antoi jokaiselle taidemaalarille luovasti vapaat kädet, niin että he pystyivät löytämään oman prosessinsa, jolla he pystyivät käyttämään tätä uutta ja kekseliästä tapaa hahmottaa muoto. Monet näistä taiteilijoista päättivät maalata asetelmasommitelmia, koska tämä genre oli monille tavallinen valinta, mutta oli myös sävellyksiä, joissa oli soittimia, harlekineja ja muita tyypillisiä kubistisia aiheita. Kaikki nämä maalarit tuottivat leikkimielisiä teoksia, sillä tämä oli ilmeisesti kaikkien kubismin loppuvaiheeseen myötävaikuttaneiden yleinen taipumus.
Pablo Picasso
Kuuluisa espanjalainen tuotti ensimmäisen synteettisen kollaasiteoksensa vuonna 1911 otsikoimalla sen nimellä ”Asetelmateos tuolikannella”. Tekijä sisällytti siihen öljykangaspalan ja pitkän köyden perinteisten, maalarin käytössä olleiden materiaalien rinnalle. Öljykangaskuvion oli tarkoitus simuloida tuolin tankoja ja köysi toimi kuvakehyksen roolissa. Sen sijaan, että teokseen olisi kuvattu tuoli, siihen oli itse asiassa laitettu osa tuolista, ja tämä oli sävellysten vallankumouksellisin piirre. Vaikka Picassolla oli leikkisä ja rento lähestymistapa tämän teoksen tekemiseen, Chair-Caningista tuli prototyyppi kaikille myöhemmille ready-made-kokeiluille, ja sillä oli suuri vaikutus Marcel Duchampiin. Huolimatta siitä, että tämä maalaus on Picasson ikonisin synteettinen teos, hänen sarjansa nimeltä Kitarat on suosituin. Näissä teoksissa hän käytti sanomalehtiä, nuottipapereita, tapetteja, erilaisia kankaita, pahvia jne. Hän käytti myös hiiltä, lyijykynää, öljyä, vahaa, puuta ja muita valmiita esineitä, kuten teelusikoita. Muita merkittävimpiä Picasson aikanaan tekemiä synteettisiä teoksia ovat Taverna (1914), Piippu, lasi, ristin ässä, bassopullo, kitara, Ma Jolie, noppa (1914), Harlekiini (1915), Mies piipun kanssa (1915) ja Kolme muusikkoa (1921).
Georges Braque
Georges Braquen kohdalla uudenlainen luominen näkyi kahdessa teoksessa. Teoksessa The Portuguese (1911) hän alkoi kokeilla materiaalien, kuten sahanpurun, sekoittamista maaleihinsa tavoitteenaan luoda mielenkiintoisia tekstuureja. Tämä oli ensimmäinen kerta, kun joku lisäsi hiekkaa maalauspintaan lisätäkseen tekstuurin ja syvyyden tasoja. Hän otti käyttöön myös sabluunakirjailun, jolla on suuri vaikutus noin puoli vuosisataa myöhemmin, kun Ranskassa alkaa syntyä situationistisia interventioita. Reaktiona Picasson Chair-Caningiin Braque alkoi käyttää painettua tai koristeellista väripaperia omissa sävellyksissään. Ensimmäisen kerran hän käytti papier collé -paperia teoksessa Hedelmäastia ja lasi (1912). Tässä kuvassa Braque hyödynsi leikattuja tapettipaloja ja sävytti ne sitten hiekalla täytetyllä maalilla. Sen lisäksi, että Fruit Dish and Glass on yksi tärkeimmistä synteettisistä taideteoksista, se on myös hyvä osoitus siitä, miten tekijä halusi siirtyä pois analyyttisen kubismin vakavasta ja liian monimutkaisesta luonteesta. Muita esimerkkejä Georgesin synteettisistä teoksista ovat Pullo, sanomalehti, piippu ja lasi (1913), Viulu (1914) ja Nuori nainen kitaran kanssa (1913).
Juan Gris
Vaikka Juan Grisiä pidetäänkin kahta edellä mainittua kirjoittajaa vähemmän merkittävänä ja tuotteliaana, häntä voidaan silti luonnehtia liikkeen runollisimmaksi. Grisin teokseen Dish of Fruit (1916) hän sisällytti kaikki synteettisen kubismin pääkäsitteet suurella menestyksellä. Tätä teosta analysoitaessa on helppo tunnistaa kompotin yleismuoto ja tunnistaa pari värillistä muotoa hedelmäpaloiksi. Myös pöytälevy ja jotain, joka näyttää kulhon varjolta pohjan oikealla puolella, ovat erotettavissa. Grisin teoksessa The Open Window (1917) näemme teoksen, joka koostuu yksinkertaisista muodoista, joita hallitsevat pehmeät siniset, harmaat ja muunnellut valkoiset. Tämä on luultavasti paras esimerkki, joka osoittaa juuri sen, miksi Juan Grisiä pidettiin ja pidetään edelleen synteettisen kubismin runoilijana – koko sommitelma on täynnä lempeää, rauhallista tunnelmaa, jota ei löydy mistään Picasson tai Braquen teoksesta.
Synteettisen kubismin vaikutus taiteeseen
Vaikka ensimmäisen maailmansodan puhkeaminen aiheutti suuren kolauksen synteettisen kubismin kehittymiselle, monet taiteilijat jatkoivat kubismin kehittämistä myös sotavuosina. Valitettavasti monet taiteilijat ja heidän oppilaansa olivat taistelemassa rintamilla ja menettämässä henkensä juoksuhaudoissa eri puolilla Eurooppaa, joten voidaan sanoa, että tämä kubismin viimeinen teko olisi ollut paljon edistyneempi, jos sen kehitys olisi tapahtunut rauhallisempina aikoina. Picasso oli yksi niistä tekijöistä, jotka välttivät armeijan kutsunnat, joten hän pysyi synteettisen visuaalisuuden keskeisenä mielenä koko sen loppuelämän ajan. Vaikka aikajanat ovat tässä asiassa hieman epäselviä, monet asiantuntijat ovat yhtä mieltä siitä, että synteettisen kubismin innovatiivisin osa päättyi suunnilleen ensimmäisen maailmansodan alkaessa vuonna 1914.
Vaikka synteettisen kubismin luonne olikin varsin temperamenttinen ja oikukas, suurin osa taidekriitikoista suhtautuu siihen hyvin vakavasti ja lukee sen saavutuksiin valtavaa merkitystä. Tämä kubistisen taiteen kausi tutki monia uusia perusteita, joilla oli suuri merkitys useimmissa sen jälkeen tulleissa avantgardistisissa liikkeissä. Tapa, jolla se käsitteli kuvan sommittelua, sisällytti sekatekniikan elementtejä, vapautti tekijän luovuuden ja luotti epätavanomaisten materiaalien käyttöön – kaikki nämä piirteet kaikuivat massiivisesti koko 1900-luvun loppupuolella. Synteettisen kubismin uusi tyylillinen sanasto ja tekninen idiomi toimivat lähtökohtana useille liikkeille ja taiteenvastaisille koulukunnille, kuten surrealismille ja pahamaineiselle dadalle. Se vaikutti myös moniin merkittäviin nuorempiin taiteilijoihin, muun muassa Jacob Lawrenceen, Romare Beardeniin ja Hans Hoffmaniin. Lisäksi synteettisen kubismin korkean ja matalan taiteen yhdistämistä voidaan pitää 1900-luvun nuorimman suuren taidesuuntauksen, pop-taiteen, ensisijaisena teesinä. Kaikkien näiden henkisten seuraajien kautta synteettisen kubismin perintö on käytännössä kaiverrettu taidehistorian sivuille, ja on turvallista olettaa, että koko nykykuvasto ei olisi aivan samanlainen, ellei myöhäiskubistinen tyyli olisi synnyttänyt tällaista mielikuvituksellista käytäntöä.
Synteettinen kubismi, joka keksittiin vuonna 1912 Braquen ja Picasson yhteisten tutkimusten aikana, yhdisti todellisia esineitä perinteisiin kuvataiteen materiaaleihin kaksiulotteisella pinnalla. Synteettinen vuosisata: Collage from Cubism to Postmodernism on loistava katsaus siihen, miten ja miksi synteettinen kubismi syntyi. Se analysoi sen historiaa ja harjoittajia sekä ideoita tämän varhaisen avantgardetaiteen kenties vallankumouksellisimman liikkeen taustalla. Synteettinen vuosisata: Collage from Cubism to Postmodernism esittelee lukijoille myös erilaisia esimerkkejä synteettisistä teoksista, jolloin jokainen kiinnostunut voi nähdä omakohtaisesti, miltä tällaiset taideteokset näyttävät ja mitä ne tarkalleen ottaen tarkoittavat. Sen lisäksi, että tässä kirjassa omistetaan useita sivuja synteettisen kubismin analyysille ja tutkitaan, miten kollaasia käytettiin sen konseptien kehittelyssä, siinä tarkastellaan myös sitä, miten suuri vaikutus Braquen ja Picasson viimeisellä vaiheella oli muuhun 1900-luvun taiteeseen.
- Eimert, D., Apollinaire, G., Kubismi (Vuosisadan taide -kokoelma), Parkstone International, 2014
- Hodermarsky, E., Synthetic Century: Collage from Cubism to Postmodernism, Yale University Art Gallery, 2006
- Podoksik, A., Eimert, D., Apollinaire, G., Le Cubisme, Parkstone International, 2013
- Berger, J., The Moment of Cubism, NY: Pantheon, 1969
- Rosenblum, R., Kubismi, Robert Rosenblum, ”Cubism,” Readings in Art History 2 (1976), , 1976
- The Picasso Project , Picasson kuvat, akvarellit, piirustukset & Sculpture: Synteettinen kubismi – 1913-1916, Alan Wofsy Fine Arts; 1. painos, 2016
- Berger, J. The Success and Failure of Picasso, Penguin Books, 1965
- Robbins, D., Jean Metzinger: At the Center of Cubism, The University of Iowa Museum of Art, J. Paul Getty Trust, University of Washington Press, 1985
- Cooper, D., The Cubist Epoch, NY: Pantheon, 1971
Kuvia: Picasso – Still Life with Chair Caning, 1912 – Image via pinterest.com; Juan Gris – Avoin ikkuna, 1917 – Image via ibiblio.org; Picasso – Vieux Marcin pullo, lasi, kitara ja sanomalehti, 1913 – Image via tate.org.uk