Para classificar as experiências revolucionárias cubistas feitas por Georges Braque, Picasso e Juan Gris, os historiadores de arte tendem a dividir este movimento em duas etapas principais chamadas Cubismo Analítico e Cubismo Sintético. Embora a primeira fase tenha sido bastante inovadora por direito próprio, a segunda foi indiscutivelmente o período mais imaginativo da arte de vanguarda inicial, que levou o movimento aos seus extremos. O Cubismo Sintético é geralmente considerado como tendo ocorrido entre os anos de 1912 e 1914. Ele introduziu muitas novas alternativas conceituais à estética já estabelecida do Cubismo. A abordagem analítica anterior baseava-se essencialmente na decomposição de um objecto numa imagem fragmentada, enquanto a fase seguinte desenvolvia o interesse em achatar a imagem e varrer todos os traços de alusão a um espaço tridimensional.
Na altura em que o Cubismo Analítico chegou ao fim, ele já quebrava as regras seculares da pintura ao fornecer uma alternativa à perspectiva linear de ponto único. No entanto, quando o Cubismo Sintético começou a estabelecer o seu próprio conjunto de regras, o cenário artístico da Europa foi tomado pela tempestade. O Cubismo Analítico estava concentrado no acto de desmontar ou desconstruir um objecto, mas o Cubismo Sintético era tudo sobre a sua construção ou síntese. Ele transpôs o fosso entre realidade e arte, interpolando literalmente peças do mundo real sobre a tela. Pedaços autênticos de papel substituíram representações lisas pintadas de papel, cadernos reais de música substituíram notações musicais desenhadas, etc. Ao expandir o movimento ao seu segundo e último ato, os autores se deram a liberdade criativa para retratar o mundo ao seu redor da forma que julgassem adequada.
The Invention of Collage
entre outras coisas, o conceito de colagem como meio é um resultado direto do Cubismo Sintético. Esta nova forma de arte integra sinais e fragmentos de coisas reais e foi integral para o desenvolvimento do movimento. A primeira peça de colagem de Picasso, intitulada Still Life with Chair Caning, foi criada em Maio de 1912, enquanto o primeiro collé de papel de Braque (traduzido como papel colado), chamado Fruit Dish with Glass, foi criado em Setembro do mesmo ano. Além de estabelecer um meio totalmente novo que se revelará crucial para muitos movimentos do século XX, deve-se notar também que o Cubismo Sintético esbateu a linha entre pintura e escultura, já que a maioria de suas peças tinha características de relevo dentro de suas composições.
Características do Cubismo Sintético
Para compreender plenamente as ideias do Cubismo Sintético, é necessário compreender também o seu precursor. Existem algumas características que parecem ser comuns a todas as peças analíticas. Em primeiro lugar, tais obras de arte aparecem como um entrelaçamento ocupado de planos e linhas onde os sujeitos estão completamente fracturados. A ilusão de uma terceira dimensão é muito importante e cada sujeito é tentado a ser retratado a partir de múltiplas perspectivas. Eles são pintados principalmente através do uso de uma gama limitada de cores escuras. Além disso, há muito pouca variação tonal utilizada, uma vez que a coloração geral tende a ser silenciada com um tom escuro semelhante.
Embora os pintores do Cubismo tenham tido um sucesso respeitável com as peças sublinhadas pelas características acima mencionadas, todo o movimento mudou por volta do ano de 1912. De repente, as grelhas bastante complicadas do Cubismo Analítico desapareceram por completo. Em vez disso, o que foi revelado acabará por se revelar o aspecto mais radical do Cubismo Sintético. Como alternativa à ideia de quebrar um objecto existente até uma grelha, os autores optaram agora por construir (ou sintetizar) toda a sua composição a partir da sua mente usando materiais e formas incomuns. Em outras palavras, em vez de olhar de perto um objeto como um violino para interpretar sua forma e estrutura, os autores criaram uma forma parecida com o violino a partir de sua imaginação. Ao contrário da remontagem de facetas da imagem original, era uma questão de sintetizar estruturas inteiramente novas. Usando os símbolos da realidade atual, os artistas criariam algo inteiramente novo, porém bastante familiar. O Cubismo Sintético também apresentava uma gama inteiramente nova de texturas e incorporava uma grande variedade de materiais estranhos. Além disso, todo sentido de tridimensionalidade desapareceu, uma característica bastante presente na fase inicial do movimento.
Toying with Reality
O processo de incorporar restos de materiais cotidianos como recortes de papel, ingressos e pastas de tabaco em suas composições marcou um afastamento do intelectualismo do Cubismo Analítico, direcionando o curso para um conjunto mais relaxado e lúdico de estética. Depois de se permitirem a liberdade criativa de retratar o mundo à sua volta, como bem entenderam, os pintores do Cubismo Sintético descobriram uma abordagem incrivelmente inventiva para a criação de quadros. Não havia praticamente mais restrições de qualquer tipo, pois os únicos limites eram estabelecidos pela quantidade de criatividade que os artistas possuíam. Estes autores, especialmente Braque e Picasso, usaram trechos colados ao lado de desenhos ou porções pintadas de suas peças. Por exemplo, eles poderiam colar um pedaço de uma revista real para representar um jornal real dentro das composições, mas colocá-lo ao lado de uma garrafa completamente desenhada em carvão. No entanto, um artista também poderia moldar uma garrafa desse tipo com recortes. Curiosamente, foi esta imitação de superfícies e texturas que ganhou a última fase do Cubismo seu prefixo – o sintético. Era para ser um indicador de como algo artificial poderia ser usado para descrever um material dentro de uma imitação de outra coisa.
A suposição inicial que ajudou a moldar o Cubismo Sintético foi a idéia de introduzir elementos físicos que pretendiam fazer com que as imagens parecessem mais reais. O uso de pedaços e pedaços de lixo cotidiano era um ataque intencional à alta mente do que era percebido como arte fina na época. Ao incluir tais elementos em obras de arte respeitadas, os artistas cubistas sugeriram que a arte poderia ser feita com tesoura e cola tão eficazmente como com pincéis e tinta. Esta foi uma enorme inovação na época, que impactou para sempre a cena artística.
The Most Famous Practitioners and Artworks
No nível conceitual, o Cubismo Sintético soltou cada pintor criativamente para que pudesse encontrar seu próprio processo de usar esta nova e inventiva forma de conceber a forma. Muitos destes artistas optaram por pintar composições de natureza morta, pois este género era a escolha habitual para muitos, mas havia também composições com instrumentos musicais, Arlequins e outros temas típicos do Cubismo. Todos estes pintores produziram obras de arte lúdicas, pois esta era obviamente uma tendência comum a qualquer um que contribuísse para a fase final do Cubismo.
Pablo Picasso
O famoso espanhol produziu a sua primeira peça de colagem sintética no ano de 1911, intitulando-a de Still Life with Chair-Caning. Nela, o autor incorporou uma peça de oleado e uma corda comprida ao lado de materiais tradicionais à disposição do pintor. O padrão de oleado foi destinado a simular as barras da cadeira e a corda serviu de moldura para o quadro. Em vez de representar uma cadeira, parte de uma cadeira foi realmente colocada na peça e este foi o aspecto mais revolucionário das composições. Embora Picasso tenha tido uma abordagem lúdica e casual para fazer esta peça, o Caning-Cadeira tornou-se um protótipo de todas as experiências prontas posteriores, tendo um impacto extensivo em Marcel Duchamp. Apesar desta pintura ser a obra Sintética mais icónica de Picasso, a sua série chamada Guitarras é a mais popular. Para estas obras de arte, ele usou jornais, folhas de música, papéis de parede, tecidos diversos, papelão, etc. Ele também incorporou carvão, lápis, óleo, cera, madeira e outros objetos prontos, como colheres de chá. Outras peças sintéticas mais notáveis que Picasso escreveu na sua época são The Tavern (1914), Pipe, Glass, Ace of Clubs, Bass Bottle, Guitarra, Ma Jolie, Dice (1914), Harlequin (1915), Man with a Pipe (1915) e Three Musicians (1921).
Georges Braque
No que diz respeito a Georges Braque, o novo tipo de criação foi exibido em duas obras de arte. Em O Português (1911), ele começou a experimentar a mistura de materiais como a serradura com sua pintura, com o objetivo de criar texturas interessantes. Esta foi a primeira vez que alguém adicionou areia a uma superfície pintada para adicionar níveis de textura e profundidade. Ele também introduziu o uso de letras estênceis, uma característica que terá um grande efeito cerca de meio século depois, quando as intervenções Situationistas começam a surgir na França. Como reação ao Caning de Cadeira de Picasso, Braque começou a usar papel colorido impresso ou decorativo em suas próprias composições. Seu primeiro uso registrado de papel collé foi em Prato de Frutas e Vidro (1912). Neste quadro, Braque utilizou pedaços de papel de parede recortados e depois sombreou a peça usando tinta cheia de areia. Além de ser uma das mais importantes obras de arte sintéticas, Fruit Dish e Glass é também um grande indicador de como o autor queria afastar-se da natureza séria e excessivamente complexa do Cubismo Analítico. Alguns outros exemplos de peças sintéticas de Georges são Garrafa, Jornal, Tubo e Vidro (1913), O Violino (1914) e Jovem Mulher com Violão (1913).
Juan Gris
Embora Juan Gris seja considerado o menos significativo e produtivo que os dois autores acima, ele ainda pode ser descrito como o mais poético do movimento. Em Gris’s Dish of Fruit (1916), ele incorporou com grande sucesso todos os principais conceitos do Cubismo Sintético. Analisando esta arte, é fácil reconhecer a forma geral de uma compota e identificar um par de formas coloridas como peças de fruta. O tampo da mesa e algo que parece ser a sombra da tigela à direita da base também são distinguíveis. Em Gris’ The Open Window (1917), podemos ver uma peça que é composta de formas simples dominadas por azuis suaves, cinzas e brancos modificados. Este é provavelmente o melhor exemplo que mostra exatamente porque Juan Gris foi e ainda é percebido como o poeta do Cubismo Sintético – toda a composição é preenchida com um humor suave e silencioso que não pode ser encontrado em nenhuma peça de Picasso ou Braque.
A Influência do Cubismo Sintético na Arte
Embora a eclosão da Primeira Guerra Mundial tenha colocado uma grande amolgadela no desenvolvimento do Cubismo Sintético, muitos artistas continuaram a desenvolvê-lo mesmo durante os anos de guerra. Infelizmente, muitos autores e seus discípulos estavam fora lutando nas frentes e perdendo suas vidas nas trincheiras da Europa, então é justo dizer que este ato final do Cubismo teria sido muito mais avançado se seu progresso tivesse ocorrido em tempos mais pacíficos. Picasso foi um dos autores que evitou o rascunho do exército, por isso permaneceu como a mente pivotal por trás dos visuais sintéticos durante o resto da sua existência. Embora as linhas do tempo sejam um pouco tênues, muitos especialistas concordam que o segmento mais inovador do Cubismo Sintético terminou aproximadamente quando a Primeira Guerra Mundial começou em 1914.
Embora a natureza do Cubismo Sintético fosse bastante espirituosa e caprichosa, a maioria dos críticos de arte o tratam com muita seriedade e lêem um enorme significado em suas conquistas. Este período de obras de arte cubista explorou muitos novos motivos que serviram de base para a maioria dos movimentos vanguardistas que vieram depois dele. A forma como tratou a composição pictórica, incorporou elementos de mídia mista, liberou a criatividade do autor e confiou no uso de materiais não convencionais – todas essas características ecoaram maciçamente ao longo do restante do século 20. O novo vocabulário estilístico e uma linguagem técnica do Cubismo Sintético serviram de ponto de partida para vários movimentos e escolas anti-arte, como o Surrealismo e o famigerado Dada. Também influenciou muitos artistas mais jovens notáveis, incluindo artistas como Jacob Lawrence, Romare Bearden e Hans Hoffman, entre muitos outros. Além disso, a integração do Cubismo Sintético de alta e baixa arte pode ser considerada a tese primária da Pop Art, o mais jovem dos grandes movimentos artísticos do século XX. Através de todos esses sucessores espirituais, o legado do Cubismo Sintético está virtualmente gravado nas páginas da história da arte e é seguro presumir que toda a cena contemporânea não seria a mesma se o estilo cubista tardio não desovasse uma prática tão imaginativa.
Inventado no ano de 1912 durante as investigações colaborativas de Braque e Picasso, o cubismo sintético combinou objetos reais com materiais tradicionais de arte fina em uma superfície bidimensional. Século Sintético: A colagem do cubismo ao pós-modernismo é uma visão fantástica de como e porquê o cubismo sintético veio a ser. Ele analisa sua história e seus praticantes, assim como as idéias por trás deste movimento indiscutivelmente mais revolucionário da arte de vanguarda primitiva. O século sintético: Colagem do Cubismo ao Pós-modernismo também apresenta aos leitores vários exames de peças sintéticas, permitindo a todos os interessados ver em primeira mão como essas obras de arte são e exatamente o que significam. Além de dedicar muitas páginas à análise do cubismo sintético e investigar como a colagem foi utilizada para elaborar seus conceitos, este livro também examina quão influente foi a última fase de Braque e Picasso para o resto da arte do século XX.
- Eimert, D., Apollinaire, G., Cubism (Coleção Arte do Século), Parkstone International, 2014
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- Cooper, D., The Cubist Epoch, NY: Pantheon, 1971
Imagens em destaque: Picasso – Still Life with Chair Caning, 1912 – Imagem via pinterest.com; Juan Gris – The Open Window, 1917 – Imagem via ibiblio.org; Picasso – Bottle of Vieux Marc, Glass, Guitar and Newspaper, 1913 – Imagem via tate.org.uk