Man sollte meinen, dass jeder Schauspieler, der den Einstieg ins Filmemachen sucht, beim ersten Mal nichts allzu Ehrgeiziges anstrebt. Vielleicht einfache Kulissen, einfache Geschichten, ein paar Hauptfiguren – etwas relativ risikoloses, das als Vehikel dient, um seine filmischen Talente zu zeigen. Aber wenn man Woody Harrelson ist, gelten diese Regeln nicht. Ein Beispiel dafür ist sein Regiedebüt Lost in London.
Er entschied sich nicht nur dafür, den Film in einer einzigen Einstellung zu drehen und ihn auf reale Ereignisse aus seinem Leben zu stützen, sondern er wurde auch in Echtzeit gedreht – was bedeutet, dass jeder kleine Patzer, jeder Fehler, Woodys allerersten Film für immer beflecken würde.
Glücklicherweise wurde Lost in London ein Erfolg – ein wahres Zeugnis für Woodys Talente vor und hinter der Kamera. Wenn Sie die Ausstrahlung im letzten Jahr verpasst haben, können Sie Lost in London jetzt auf Digital HD und Hulu ansehen. Sehen Sie sich diesen Clip an:
Die Energie ist spürbar. Anstatt die Grenzen zu verschieben, hat Woody sie zertrümmert. Die Frage ist: Hat es dich zum Nachdenken gebracht?
Vielleicht hat Sie der Anblick eines so ehrgeizigen Projekts, das mit Finesse umgesetzt wurde, inspiriert und Sie zum Nachdenken gebracht, dass alles möglich ist. Bei der Fülle an Inhalten, die uns in der heutigen Zeit zur Verfügung stehen, ist es für einen Filmemacher unabdingbar, sich von der Masse abzuheben und etwas Besonderes zu bieten.
Damit du deine Gedankengänge und deine Kreativität in Schwung bringen kannst, haben wir hier eine Liste mit zehn weiteren experimentellen Filmen zusammengestellt, die die Grenzen ähnlich weit hinausgeschoben haben wie Lost in London. Inspiration ist überall!
Boyhood (2014)
Richard Linklaters Coming-of-Age-Indie-Drama zeigt die Kindheit und Jugend von Mason Jr. (Ellar Coltrane) im Alter von sechs bis achtzehn Jahren, als er in Texas bei geschiedenen Eltern (Patricia Arquette & Ethan Hawke) aufwächst. Obwohl wir keine großen Fans des eigentlichen Films sind, denken wir, dass Boyhood eine Erwähnung verdient, denn es ist nicht zu leugnen, dass Linklater ein Projekt abgeliefert hat, das nichts weniger als ehrgeizig war.
Das Besondere an diesem Film ist die Produktion, die sich über zwölf Jahre hinzog, damit er wirklich einen Film über das Erwachsenwerden schaffen konnte. Der Regisseur schrieb und entwickelte die Geschichte auf jährlicher Basis und nutzte die vorherigen Clips als Inspiration, um die Erzählung und die Entwicklung der Charaktere zu formen und zu gestalten, was es ihm ermöglichte, die gleichen Schauspieler während des gesamten Films zu behalten, ohne Spezialeffekte oder Make-up verwenden zu müssen.
The One I Love (2014)
Eine Romantikkomödie mit einer köstlich düsteren Wendung, The One I Love konzentriert sich auf ein gestörtes Paar (eine Hälfte gespielt von Mark Duplass), als sie in einen schönen Urlaub fahren, nur damit die bizarren Umstände ihre Beziehung weiter verkomplizieren.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) als die andere Hälfte des Paares ist eine komplexe und ungewöhnliche Rolle, während Duplass (Creep) in Topform ist. Aber was diesen Indie-Film wirklich aufwertet, ist die Tatsache, dass die Dialoge improvisiert wurden. In einem Interview mit IndieWire erklärte Duplass die verschiedenen Arten der Improvisation, die das Team verwendete:
Das Drehbuch, das wir für diesen Film verwendet haben, ist sehr detailliert, sehr gezeichnet – es ist ein 50-seitiger Entwurf. Aber es gibt keinen geschriebenen Dialog, also ist jeder Dialog im Film improvisiert … Man ist einfach so organisch wie möglich mit seinen Motivationen und dem Verlauf der Szene und nutzt Überraschungen, damit die Person, die einem in der Szene gegenübersitzt, nicht faul ist und sich auf ihren Absätzen ausruht, so dass es sich hoffentlich ein bisschen spontaner anfühlt, als wenn es einstudiert wäre.
Tangerine (2015)
Sean Bakers Tangerine (über eine Nutte, die an Heiligabend durch Tinseltown zieht, um den Zuhälter zu finden, der ihr das Herz gebrochen hat) wurde nicht nur von der LGBTQI-Gemeinschaft als Meisterleistung gefeiert, sondern wurde auch ausschließlich mit einem iPhone 5S gedreht, um das winzige Budget des Films zu schonen. Baker erzählte The Verge, dass er und sein Team drei verschiedene iPhones, die 8-Dollar-App Filmic Pro, eine Steadicam und einige Adapterobjektive verwendet haben – und das ist alles, Leute!
Schauspieler James Ransone (Sinister) wies darauf hin, dass der Schlüssel zum Dreh des Films darin lag, ein Team zu haben, das sich mit dem traditionellen Filmemachen auskennt. „Man muss immer noch wissen, wie der Schnitt funktioniert. Ja, man kann auch mit einem kleinen Budget einen schönen Film machen, aber man muss wissen, wie man 100 Jahre lang Filme macht.“
Playtime (1967)
Das Meisterwerk des französischen Filmemachers Jacques Tati (Monsieur Hulots Ferien), die Produktionskosten dieser gewagten Komödie waren so hoch, dass der Film ein großer Erfolg werden musste, um die Kosten zu decken, die Tati aufgewandt hatte, um den Film finanzieren zu können. „Leider war der Film kein kommerzieller Erfolg, und Tati war am Ende bankrott, aber der Film war in der Tat eine technische und künstlerische Leistung“, notierte Taste of Cinema.
Der in 70mm gedrehte und mit extrem weiten Einstellungen gestaltete Film Playtime zeichnet sich durch seine riesige Kulisse aus, die Tati eigens für den Film bauen ließ, sowie durch das Markenzeichen des Regisseurs, die subtile und doch komplexe visuelle Komödie und innovative Soundeffekte.
„Die Kulissen sind sorgfältig entworfen und für die Gags, in denen die Verwüstungen von (der Hauptfigur) Monsieur Hulot dargestellt werden, mit beeindruckender Ordnung und Präzision gestaltet. Es gibt keine Nahaufnahmen im Film, nur perfekt komponierte und choreografierte Weitwinkelaufnahmen.“
Unsane (2018)
Es ist keine Überraschung, dass Filmemacher Steven Soderbergh es auf die Liste geschafft hat, denn er hat mit seinem Spielfilmdebüt Sex, Lies and Videotape eine neue Welle des Indie-Kinos eingeläutet und sich seitdem einen Ruf als einer der gewagtesten, unberechenbarsten und aufregendsten Filmemacher überhaupt erarbeitet.
Eine von Soderberghs bemerkenswertesten Leistungen war sein jüngster Ausflug in das Horrorgenre mit dem Thriller Unsane. Nicht nur, dass er das Ganze mit einem iPhone gedreht hat, er hat es auch in nur zwei Wochen geschafft. Trotz der beträchtlichen Einschränkungen hat Soderbergh alles richtig gemacht – der Film erhielt nach seiner Premiere auf der diesjährigen Berlinale begeisterte Kritiken und zeigt, wie man mit den alltäglichen Gadgets von heute die Grenzen des Stils auf der großen Leinwand verschieben kann.
Der Heilige Berg (1973)
Alejandro Jodorowskys surrealistisches Epos wurde zwei Jahre nach El Topo uraufgeführt und ist im Vergleich zu seinem ersten Film ein weitaus ehrgeizigeres und vollständigeres Werk. Im Mittelpunkt steht ein mächtiger Alchemist in einer korrupten, von Gier getriebenen Welt, der eine christusähnliche Figur und sieben materialistische Gestalten zum Heiligen Berg führt, wo sie hoffen, Erleuchtung zu erlangen.
Es ist eine verblüffende Reise und ein schwieriges Unterfangen, die vielen symbolischen Botschaften zu entschlüsseln, aber was ganz klar ist, ist, dass nur wenige Filmemacher so engagiert wie Jodorowsky groteske, surreale, symbolische und halluzinatorische Bilder geliefert haben, um sein Meisterwerk aufrechtzuerhalten.
Während die meisten Leute sich vor Beginn der Dreharbeiten darauf vorbereiten würden, dass ihre Ausrüstung und ihr Team in Ordnung sind, verbrachten der Autor und seine Frau eine Woche ohne Schlaf unter der Leitung eines japanischen Zen-Meisters.
Die Hauptdarsteller verbrachten ebenfalls drei Monate damit, verschiedene spirituelle Übungen unter der Leitung von Oscar Ichazo vom Arica-Institut durchzuführen, und der Regisseur verabreichte den Schauspielern während der Dreharbeiten zur Szene der Wiedergeburt Psilocybin-Pilze.
Die Wirkung dieser Techniken ist beim Betrachten des Films spürbar und gipfelt in einer erleuchteten Erfahrung, die visuell, erzählerisch und spirituell nicht von dieser Welt zu sein scheint. Wie der Slogan sagt: „Nichts in Ihrer Ausbildung oder Erfahrung kann Sie auf diesen Film vorbereitet haben.“
Irréversible (2002)
Autor Gaspar Noé’s Irréversible ist ehrgeizig in seinem experimentellen Stil, der oft mit dem cinéma du corps (Körperkino) assoziiert wird, das angeblich Affinitäten mit bestimmten Avantgarde-Produktionen teilt, wie z.B. eine abgeschwächte Erzählweise, eine angreifende Kinematographie, provokatives Material und ein durchdringender Sinn für sozialen Nihilismus.
Man kann mit Sicherheit sagen, dass Irréversible solche Eigenschaften verkörpert. Noé experimentiert mit Kameratechniken, Ton und Erzählung und verwebt die Geschichte mit einem Dutzend ununterbrochener Aufnahmen, die miteinander verschmelzen. Eine Stunde der Laufzeit des Films wurde mit tieffrequentem Ton unterlegt, um einen Zustand von Übelkeit und Angst zu erzeugen, und die Erzählung erfolgt in umgekehrter Chronologie.
Wie David Sterritt in seinem Roman Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, ist Irréversible nicht einfach eine rückwärts erzählte Geschichte, sondern eine komplexe Studie über die Natur der Zeit. „Sein Regisseur ist weniger an Ursache und Wirkung interessiert als an der Form der Zeit selbst. Noé selbst sagte zu diesem Thema: „Die Struktur ist ganz witzig und die Kameraarbeit ist voller Energie, aber in Wirklichkeit geht es darum, jemanden zu verlieren, den man liebt.“
Bis heute ist „Irréversible“ einer der umstrittensten Filme aller Zeiten, aber in einem Punkt sind sich die meisten einig: Noé scheut sich nicht, neue Wege zu gehen und seine Stilmittel zu erneuern.
Metropolis (1927)
Zu sagen, Fritz Langs „Metropolis“ sei seiner Zeit voraus gewesen, wäre eine Untertreibung – mit einer bedeutenden Geschichte über den Klassenkampf in einer dystopischen Stadt gilt „Metropolis“ als der erste Science-Fiction-Film überhaupt.
Der stumme deutsche expressionistische Zukunftsfilm inspiriert bis heute bildende Künstler, Regisseure, Modeschöpfer und Bühnenbildner und ist aufgrund des Designs und der Biomechanik des Roboters False Maria, der später das Design von C3PO in Star Wars direkt beeinflusste, ein wirklich wichtiges Beispiel für KI auf der Leinwand.
Lang entwickelte eine Reihe aufwändiger Spezialeffekte und Bühnenbilder, die von einer riesigen gotischen Kathedrale bis hin zu einer futuristischen Stadtlandschaft reichten, und füllte den Film mit stilistischen Einflüssen, von Art Deco über Gotik bis hin zu funktionalistischer Moderne.
Die Kameramänner Karl Freund (Dracula) und Gunther Rittau (Der ewige Ton) griffen bei den Dreharbeiten stark auf Techniken des deutschen Expressionismus zurück, und der Komponist Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) ließ sich von Richard Wagner und Richard Strauss inspirieren, um eine einzigartige, mit einem großen Orchester zusammengestellte Filmmusik zu schaffen.
Kein einziges Detail dieses Films wurde nicht mit akribischer Liebe zum Detail durchdacht, weshalb er nach wie vor einer der wichtigsten Filme der Science-Fiction-Geschichte ist.
2001: Odyssee im Weltraum (1968)
Stanley Kubricks Meisterwerk mag 50 Jahre alt sein, aber es wirkt heute noch so frisch wie damals. Mit diesem Film, der das Gesicht der Science-Fiction für immer veränderte, zeigte der Autor, dass das Genre auch schwerere Themen wie Evolution, Existenz und künstliche Intelligenz behandeln kann und sollte.
Der Film ist ein „nonverbales“ Erlebnis – von den zwei Stunden und neunzehn Minuten Film gibt es nur etwas weniger als vierzig Minuten Dialog – und neben der Entwicklung der Charaktere widmete Kubrick dem Bau seiner Maschinen und den Spezialeffekten eine obsessive Sorgfalt.
Wie Taste of Cinema es ausdrückte: „Ob es der legendäre Schnitt zwischen den Knochen und den Raumschiffen oder die interstellare Reise ist, Kubrick nutzte die ganze Kraft des Films, um die Geschichte nicht nur einer einzelnen Figur, sondern der gesamten Menschheit zu erzählen.“