Musik 101

Sie haben bereits Claudio Monteverdi kennengelernt, dessen Musik zwischen Spätrenaissance und Frühbarock angesiedelt ist. Nun wollen wir uns mit einer seiner bedeutendsten Kompositionen beschäftigen, L’Orfeo, der ersten Oper, die als Meisterwerk gilt.

Einführung

L’Orfeo (SV 318), manchmal auch La favola d’Orfeo genannt, ist eine frühbarocke Favola in musica oder Oper (manchmal als Spätrenaissance betrachtet) von Claudio Monteverdi mit einem Libretto von Alessandro Striggio. Sie basiert auf der griechischen Legende von Orpheus und erzählt die Geschichte seines Abstiegs in den Hades und seines vergeblichen Versuchs, seine tote Braut Eurydike in die Welt der Lebenden zurückzuholen. Sie wurde 1607 für eine Hofaufführung während des jährlichen Karnevals in Mantua geschrieben. Während die Ehre der ersten Oper Jacopo Peris Dafne gebührt und die früheste erhaltene Oper Euridice (ebenfalls von Peri) ist, hat L’Orfeo die Ehre, die früheste erhaltene Oper zu sein, die heute noch regelmäßig aufgeführt wird.

Im frühen siebzehnten Jahrhundert entwickelte sich das traditionelle Intermedio – eine musikalische Sequenz zwischen den Akten eines Theaterstücks – zur Form eines vollständigen Musikdramas oder einer „Oper“. Monteverdis L’Orfeo führte diesen Prozess aus seiner experimentellen Ära heraus und lieferte das erste voll entwickelte Beispiel für die neue Gattung. Nach seiner ersten Aufführung wurde das Werk in Mantua und möglicherweise in den folgenden Jahren auch in anderen italienischen Zentren wieder aufgeführt. Die Partitur wurde von Monteverdi 1609 und erneut 1615 veröffentlicht. Nach dem Tod des Komponisten im Jahr 1643 wurde die Oper viele Jahre lang nicht aufgeführt und geriet weitgehend in Vergessenheit, bis ein erneutes Interesse im späten 19. Zunächst handelte es sich dabei in der Regel um unaufgeführte Fassungen in Instituten und Musikvereinen, doch nach der ersten modernen dramatisierten Aufführung in Paris im Jahr 1911 wurde das Werk immer häufiger in Theatern gezeigt. Nach dem Zweiten Weltkrieg bemühten sich die meisten Neuauflagen um Authentizität durch die Verwendung von historischen Instrumenten. Zahlreiche Aufnahmen wurden veröffentlicht, und die Oper wurde zunehmend in Opernhäusern aufgeführt. Im Jahr 2007 wurde das vierhundertjährige Jubiläum der Uraufführung mit Aufführungen in der ganzen Welt gefeiert.

In seiner veröffentlichten Partitur listet Monteverdi etwa 41 Instrumente auf, die zum Einsatz kommen sollen, wobei verschiedene Instrumentengruppen für die Darstellung bestimmter Szenen und Figuren verwendet werden. So stellen Streicher, Cembalo und Blockflöten die pastoralen Felder Thrakiens mit ihren Nymphen und Hirten dar, während schweres Blech die Unterwelt und ihre Bewohner illustriert. L’Orfeo wurde am Übergang von der Renaissance zum Barock komponiert und bedient sich aller damals in der Musik bekannten Mittel, wobei die Polyphonie besonders kühn eingesetzt wird. Das Werk ist nicht orchestriert; in der Tradition der Renaissance folgten die Instrumentalisten zwar den allgemeinen Anweisungen des Komponisten, hatten aber beträchtliche Freiheit zu improvisieren. Dies unterscheidet Monteverdis Werk vom späteren Opernkanon und macht jede Aufführung von L’Orfeo zu einem einzigartigen Ereignis.

Historischer Hintergrund

Claudio Monteverdi, 1567 in Cremona geboren, war ein musikalisches Wunderkind, das unter Marc’Antonio Ingegneri, dem Maestro di cappella (Leiter der Musikabteilung) der Kathedrale von Cremona, studierte. Nach einer Gesangs-, Streicher- und Kompositionsausbildung arbeitete Monteverdi als Musiker in Verona und Mailand, bis er 1590 oder 1591 eine Stelle als assuonatore di vivuola (Bratschist) am Hof des Herzogs Vincenzo Gonzaga in Mantua erhielt. Durch Können und harte Arbeit stieg Monteverdi 1601 zu Gonzagas maestro della musica (Meister der Musik) auf.

Vincenzo Gonzagas besondere Leidenschaft für Musiktheater und Spektakel erwuchs aus seinen familiären Verbindungen zum Hof von Florenz. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts entwickelten innovative florentinische Musiker das Intermedio – eine seit langem etablierte Form von musikalischen Zwischenspielen zwischen den Akten gesprochener Dramen – zu immer ausgefeilteren Formen. Unter der Leitung von Jacopo Corsi waren diese Nachfolger der berühmten Camerata für das erste Werk verantwortlich, das allgemein als zur Gattung der Oper gehörend anerkannt wurde: Dafne, komponiert von Corsi und Jacopo Peri und 1598 in Florenz aufgeführt. Dieses Werk verband Elemente des Madrigalgesangs und der Monodie mit Tanz- und Instrumentalpassagen zu einem dramatischen Ganzen. Von der Musik sind nur noch Fragmente erhalten, doch mehrere andere florentinische Werke aus derselben Zeit – Appresentatione di Anima, et di Corpo von Emilio de‘ Cavalieri, Peris Euridice und Giulio Caccinis gleichnamige Euridice – sind vollständig erhalten. Diese beiden letztgenannten Werke waren die ersten von vielen musikalischen Darstellungen des Orpheus-Mythos, wie er in Ovids Metamorphosen erzählt wird, und als solche direkte Vorläufer von Monteverdis L’Orfeo.

Der Hof der Gonzaga hatte eine lange Geschichte der Förderung dramatischer Unterhaltung. Ein Jahrhundert vor Herzog Vincenzos Zeit hatte der Hof Angelo Polizianos lyrisches Drama La favola di Orfeo aufgeführt, das zumindest zur Hälfte gesungen und nicht gesprochen wurde. In jüngerer Zeit, im Jahr 1598, hatte Monteverdi dem musikalischen Establishment des Hofes geholfen, Giovanni Battista Guarinis Stück Il pastor fido zu produzieren, das der Theaterhistoriker Mark Ringer als ein „bahnbrechendes Theaterwerk“ bezeichnet, das die italienische Begeisterung für das Hirtendrama inspirierte. Am 6. Oktober 1600 besuchte Herzog Vincenzo während seines Besuchs in Florenz anlässlich der Hochzeit von Maria de‘ Medici mit König Heinrich IV. von Frankreich eine Aufführung von Peris Euridice. Es ist wahrscheinlich, dass seine wichtigsten Musiker, darunter auch Monteverdi, bei dieser Aufführung anwesend waren. Der Herzog erkannte schnell die Neuartigkeit dieser neuen Form der dramatischen Unterhaltung und ihr Potenzial, denjenigen, die bereit waren, sie zu finanzieren, Ansehen zu verschaffen.

Komposition

Als Monteverdi die Musik für L’Orfeo schrieb, hatte er eine gründliche Ausbildung in Theatermusik. Er war 16 Jahre lang am Hof der Gonzaga angestellt gewesen, die meiste Zeit davon als Ausführender oder Arrangeur von Bühnenmusik, und 1604 hatte er den Ballo Gli amori di Diane ed Endimone für den Karneval von Mantua 1604-05 geschrieben. Die Elemente, aus denen Monteverdi seine erste Opernpartitur konstruierte – Arie, Strophenlied, Rezitativ, Chöre, Tänze, dramatische musikalische Zwischenspiele – wurden, wie der Dirigent Nikolaus Harnoncourt betont hat, nicht von ihm geschaffen, sondern „er verschmolz den gesamten Vorrat an neuesten und älteren Möglichkeiten zu einer Einheit, die tatsächlich neu war“. Ähnlich schreibt der Musikwissenschaftler Robert Donington: „Das Werk enthält kein Element, das nicht auf Vorgängern beruht, aber es erreicht seine volle Reife in dieser neu entwickelten Form. . . . Hier sind die Worte so direkt in der Musik ausgedrückt, wie man sie ausdrücken wollte; hier ist die Musik, die sie ausdrückt … mit der vollen Inspiration des Genies.“

Monteverdi gibt am Anfang seiner veröffentlichten Partitur die Anforderungen an das Orchester an, aber in Übereinstimmung mit der damaligen Praxis gibt er deren genaue Verwendung nicht an. Zu jener Zeit war es üblich, jedem Interpreten des Werks die Freiheit zu lassen, lokale Entscheidungen zu treffen, die auf den ihm zur Verfügung stehenden Orchesterkräften basierten. Diese konnten sich von Ort zu Ort stark unterscheiden. Außerdem waren, wie Harnoncourt betont, die Instrumentalisten allesamt Komponisten und erwarteten, dass sie bei jeder Aufführung kreativ mitarbeiteten, anstatt einen vorgegebenen Text zu spielen. Eine weitere Praxis der damaligen Zeit bestand darin, den Sängern die Möglichkeit zu geben, ihre Arien zu verschönern. Monteverdi schrieb schlichte und verzierte Versionen einiger Arien, wie z.B. Orfeos „Possente spirito“, aber laut Harnoncourt „ist es offensichtlich, dass er dort, wo er keine Verzierungen geschrieben hat, auch keine gesungen haben wollte“

Jeder Akt der Oper behandelt ein einzelnes Element der Geschichte und endet mit einem Chorus. Trotz der fünfaktigen Struktur mit zwei Szenenwechseln ist es wahrscheinlich, dass L’Orfeo der üblichen Praxis für höfische Unterhaltungen jener Zeit entsprach und als zusammenhängende Einheit gespielt wurde, ohne Pausen oder Vorhangabsenkungen zwischen den Akten. Es war zeitgenössischer Brauch, dass Szenenwechsel vor den Augen des Publikums stattfanden, und diese Wechsel wurden musikalisch durch Änderungen der Instrumentierung, der Tonart und des Stils widergespiegelt.

Synopsis

Die Handlung spielt sich an zwei kontrastierenden Orten ab: den Feldern von Thrakien (Akte 1, 2 und 5) und der Unterwelt (Akte 3 und 4). Eine instrumentale Toccata (englisch: tucket, d.h. ein Trompetenschwung) geht dem Auftritt von La musica voraus, die den „Geist der Musik“ darstellt und einen Prolog von fünf Strophen singt. Nach einer freundlichen Begrüßung des Publikums verkündet sie, dass sie durch süße Klänge „jedes unruhige Herz beruhigen“ kann. Sie singt ein weiteres Loblied auf die Macht der Musik, bevor sie die Hauptfigur des Dramas, Orfeo, vorstellt, der „die wilden Tiere mit seinem Gesang in seinen Bann gezogen hat.“

Akt 1

Nach der letzten Bitte von La musica um Ruhe hebt sich der Vorhang des ersten Aktes und zeigt eine pastorale Szene. Orfeo und Euridice treten zusammen mit einem Chor von Nymphen und Hirten auf, die in der Art eines griechischen Chors agieren und das Geschehen sowohl als Gruppe als auch einzeln kommentieren. Ein Hirte verkündet, dass dies der Hochzeitstag des Paares ist; der Chor antwortet, zunächst mit einer stattlichen Anrufung („Komm, Hymen, o komm“) und dann mit einem freudigen Tanz („Verlass die Berge, verlass die Brunnen“). Orfeo und Euridice besingen ihre Liebe zueinander, bevor sie mit dem größten Teil der Gruppe zur Hochzeitszeremonie in den Tempel gehen. Diejenigen, die auf der Bühne zurückbleiben, singen einen kurzen Refrain, in dem sie beschreiben, wie Orfeo einst einer war, „für den Seufzen Essen und Weinen Trinken war“, bevor die Liebe ihn in einen Zustand erhabenen Glücks brachte.

Akt 2

Orfeo kehrt mit dem Hauptchor zurück und singt mit ihnen über die Schönheiten der Natur. Dann denkt Orfeo über sein früheres Unglück nach, verkündet aber: „Nach dem Kummer ist man zufriedener, nach dem Schmerz ist man glücklicher.“ Die Stimmung der Zufriedenheit wird jäh beendet, als La messaggera eintritt und die Nachricht bringt, dass Euridice beim Blumenpflücken einen tödlichen Schlangenbiss erlitten hat. Der Chor bringt seinen Schmerz zum Ausdruck: „Ach, bitteres Geschehen, ach, gottloses und grausames Schicksal!“, während die Messaggera sich selbst als Überbringerin der schlechten Nachricht geißelt („Für immer will ich fliehen und in einer einsamen Höhle ein Leben führen, das meinem Kummer entspricht“). Nachdem Orfeo seinem Kummer und seinem Unglauben Luft gemacht hat („Du bist tot, mein Leben, und ich atme?“), erklärt er seine Absicht, in die Unterwelt hinabzusteigen und ihren Herrscher zu überreden, Euridice ins Leben zurückkehren zu lassen. Andernfalls, so sagt er, „werde ich mit dir in der Gesellschaft des Todes bleiben“. Er geht, und der Chor nimmt sein Klagelied wieder auf.

Akt 3

Orfeo wird von Speranza zu den Toren des Hades geführt. Nachdem sie ihn auf die Inschrift am Tor hingewiesen hat („Gebt die Hoffnung auf, alle, die ihr hier eintretet“), geht Speranza weg. Orfeo wird nun mit dem Fährmann Caronte konfrontiert, der Orfeo barsch anspricht und sich weigert, ihn über den Fluss Styx zu bringen. Orfeo versucht, Caronte zu überreden, indem er ihm ein schmeichelhaftes Lied singt („Mächtiger Geist und mächtige Gottheit“), aber der Fährmann bleibt ungerührt. Als Orfeo jedoch seine Leier zur Hand nimmt und spielt, wird Caronte in Schlaf versetzt. Orfeo nutzt seine Chance, stiehlt das Boot des Fährmanns, überquert den Fluss und betritt die Unterwelt, während ein Chor von Geistern darüber sinniert, dass die Natur sich nicht gegen den Menschen wehren kann: „Er hat das Meer mit zerbrechlichem Holz gezähmt und den Zorn der Winde verschmäht.“

Akt 4

In der Unterwelt bittet Proserpina, die Königin des Hades, die von Orfeos Gesang zutiefst berührt wurde, König Plutone, ihren Ehemann, um die Freilassung von Euridike. Ergriffen von ihrem Flehen, stimmt Plutone unter der Bedingung zu, dass Orfeo, während er Euridice in die Welt führt, nicht zurückschauen darf. Wenn er es doch tut, „wird ein einziger Blick ihn zu ewigem Verlust verdammen“. Orfeo tritt ein, führt Euridice und singt zuversichtlich, dass er an diesem Tag am weißen Schoß seiner Frau ruhen wird. Doch während er singt, schleicht sich ein Hauch von Zweifel ein: „Wer wird mir versichern, dass sie mir folgt?“ Vielleicht hat Plutone, getrieben von Neid, die Bedingung aus Bosheit gestellt? Plötzlich wird Orfeo durch ein Geräusch aus dem Off abgelenkt und schaut sich um; sofort beginnt das Bild von Euridice zu verblassen. Sie singt verzweifelt: „Verlierst du mich durch zu viel Liebe?“ und verschwindet. Orfeo versucht, ihr zu folgen, wird aber von einer unsichtbaren Kraft weggezogen. Der Chor der Geister singt, dass Orfeo, nachdem er den Hades überwunden hat, seinerseits von seinen Leidenschaften überwältigt wurde.

Akt 5

Zurück auf den Feldern von Thrakien hält Orfeo einen langen Monolog, in dem er seinen Verlust beklagt, Euridices Schönheit preist und beschließt, dass sein Herz nie wieder von Amors Pfeil durchbohrt werden soll. Ein Echo aus dem Off wiederholt seine letzten Sätze. Plötzlich steigt Apollo in einer Wolke vom Himmel herab und züchtigt ihn: „Warum gibst du dich der Wut und dem Kummer hin?“ Er lädt Orfeo ein, die Welt zu verlassen und zu ihm in den Himmel zu kommen, wo er in den Sternen das Ebenbild von Euridice erkennen wird. Orfeo antwortet, dass es unwürdig wäre, dem Rat eines so weisen Vaters nicht zu folgen, und gemeinsam steigen sie hinauf. Ein Hirtenchor beschließt, dass „wer im Leiden sät, wird die Früchte jeder Gnade ernten“, bevor die Oper mit einer kräftigen Moresca endet.

Originales Libretto-Ende

In Striggios Libretto von 1607 wird Orfeos Monolog im fünften Akt nicht durch Apollos Erscheinen, sondern durch einen Chor von Mänaden oder Bacchantinnen – wilde, betrunkene Frauen – unterbrochen, die den „göttlichen Zorn“ ihres Herrn, des Gottes Bacchus, besingen. Der Grund für ihren Zorn ist Orfeo und sein Verzicht auf Frauen; er wird ihrem himmlischen Zorn nicht entkommen, und je länger er sich ihnen entzieht, desto schwerer wird sein Schicksal sein. Orfeo verlässt die Szene und sein Schicksal bleibt ungewiss, denn die Bacchantinnen widmen sich für den Rest der Oper wilden Gesängen und Tänzen zum Lob des Bacchus. Claude Palisca, ein Experte für Alte Musik, ist der Meinung, dass die beiden Enden nicht unvereinbar sind; Orfeo entkommt dem Zorn der Bacchantinnen und wird dann von Apollo gerettet.