Don Bluth bot eine düstere Alternative zu Disney-Animationen

Es ist unmöglich, über Don Bluth zu sprechen, ohne über Walt Disney zu sprechen. Bluth begann als Animator und Regisseur bei den Walt Disney Animation Studios, bevor er ein Konkurrenzunternehmen gründete, das in den 1980er Jahren zu Disneys Hauptkonkurrenten wurde. Während seiner Achterbahnkarriere produzierte Bluth kommerzielle Hits (Ein amerikanischer Schwanz, Das Land vor der Zeit, Anastasia), Kultklassiker (Das Geheimnis von NIMH, Alle Hunde kommen in den Himmel, Titan A.E.) und bizarre Fehltritte (Rock-A-Doodle, Ein Troll im Central Park). Er ist eine magnetische, aber polarisierende Figur, deren Einfluss auf die Welt der Animation durch widersprüchliche Erzählungen verstanden wird. Klar ist jedoch, dass Bluths Filme zwei Jahrzehnte lang eine dunkle Alternative zu Disney darstellten.

Im Jahr 1994 begann Bluths einst glanzvolle Karriere ihren Niedergang, aber sein größter kommerzieller Erfolg lag noch vor ihm. In jenem Jahr kamen zwei Filme unter Bluths Regie in die Kinos: der Disney-eske Däumling und Ein Troll im Central Park, der weithin als sein schlechtester Film gilt. Disney brachte in der Zwischenzeit Der König der Löwen heraus, der nach wie vor der dritthöchste Animationsfilm aller Zeiten ist. Wenn man jedoch bedenkt, dass Bluths Karriere von Misserfolgen an den Kinokassen, gemischten künstlerischen Erfolgen und einer ausgeprägten Underdog-Mentalität geprägt war, ist 1994 vielleicht der perfekte Einstiegspunkt.

Wenn es etwas gibt, das Däumelinchen und Ein Troll im Central Park mit dem Rest von Bluths Werk verbindet, dann ist es die unverhohlene Liebe zum Skurrilen. Bluths Filme platzieren mutige, optimistische Hauptfiguren in düsteren, surrealen Landschaften, in denen ein Haufen verrückter Dinge passiert, bevor der Film sein unvermeidliches Happy End erreicht. In A Troll In Central Park geht es um einen vegetationsliebenden Troll und die böse Königin, die den Central Park in einen schwelenden Trümmerhaufen verwandelt, um ihn zu vernichten. Eine der Hauptfiguren ist ein Kleinkind, das nicht in ganzen Sätzen sprechen kann, und alles, was einer Handlung ähnelt, wird durch langweilige Actionsequenzen und vergessliche Lieder ersetzt. Däumelinchen schneidet im Vergleich dazu besser ab, spielt sich aber im Grunde wie eine abgekupferte Disney-Prinzessinnengeschichte mit schwarzem Humor ab. In einer Szene führt eine sexy Kröte (mit der Stimme von Charo) eine Conga-Nummer über das Showgeschäft auf. In einer anderen Szene verkleidet ein Käfer mit Gilbert-Gottfried-Stimme Däumelinchen als Schmetterling und lässt sie in seinem Nachtclub auftreten. Als ihr Kostüm abfällt, lacht das Publikum und nennt sie „hässlich“.

Am schlimmsten ist Bluths wunderschön animierter Nonsens. In All Dogs Go To Heaven wird die Runyon-eske Geschichte von spielenden Hunden durch einen Cajun-Alligator unterbrochen, der unerklärlicherweise ein Duett mit dem Protagonisten singt. Der so genannte „Big Lipped Alligator Moment“ ist mittlerweile eine eigene Trope, die Bluths Tendenz unterstreicht, fantasievolle Bilder der Charakterentwicklung oder der Handlung vorzuziehen. Zu seinen besten Zeiten jedoch untermauerte Bluth seinen einzigartigen visuellen Stil mit einer emotionalen Geschichte. Wenn die Emotionen funktionieren, wie in Das Geheimnis von NIMH und Das Land vor der Zeit, stoßen Bluths Filme an die Grenzen dessen, was Animation leisten kann.

Bluth begann 1971 eine Vollzeitstelle bei Disney Animation, und die Atmosphäre war dem Vernehmen nach sehr angespannt. Walt war 1966 gestorben und hatte das Studio ohne eine charismatische Führungspersönlichkeit zurückgelassen, die die Dinge vorantreiben konnte. Da das Unternehmen mehr Zeit und Geld in Live-Action-Filme investierte, wurde die Animationsabteilung mit Budgetkürzungen konfrontiert. In den nächsten Jahren arbeitete Bluth an Robin Hood, Winnie The Pooh, The Rescuers, dem Kurzfilm The Small One und den animierten Sequenzen von Pete’s Dragon, wobei er viele Überstunden machte, um die Animationen mit einem geringen Budget zu realisieren. Während einige der jüngeren Animatoren nicht daran dachten, das Umfeld zu hinterfragen, in dem sie angestellt waren, hatte Bluth eine andere Perspektive. Er hatte zuvor in der Blütezeit von Disney Animation im Jahr 1955 gearbeitet. Nur ein Jahr nach Abschluss der High School wurde Bluth als Assistent für Dornröschen eingestellt und arbeitete direkt unter John Lounsbery, einem der legendären „Neun alten Männer“. Diese neun Animatoren prägten die Ästhetik von Disneys Goldenem Zeitalter der Animation und arbeiteten an allem, von Schneewittchen und Pinocchio in den 30er und 40er Jahren bis zu Cinderella und Peter Pan in den 50er Jahren. Als gläubiger Mormone verließ Bluth Disney nach zwei Jahren, um seine von der Kirche vorgeschriebene Mission in Argentinien zu erfüllen und die Brigham Young University zu besuchen. Als er zurückkehrte, hatte sich der Ethos des Unternehmens zu einem eher unternehmerischen gewandelt.

Im Jahr 1971 begannen die Neun Alten Herren, sich zur Ruhe zu setzen, und es wurde erwartet, dass Bluth und sein Freund und zukünftiger Geschäftspartner Gary Goldman innerhalb der nächsten sechs Jahre Führungspositionen übernehmen würden. Leider hatte Disney Animation noch kein institutionalisiertes Mentorenprogramm zur Ausbildung künftiger Führungskräfte entwickelt. Die leitenden Animateure neigten dazu, bestimmte Aufgaben zu delegieren, anstatt ihre Schützlinge in den gesamten Prozess der Filmherstellung einzuweisen. Viele Geschäftsgeheimnisse gingen verloren, als die Neun Alten Männer die Firma verließen oder einfach vergaßen, wie sie bestimmte Effekte erzielt hatten. Um die Erfahrung zu sammeln, die sie für Regie und Produktion brauchen würden, begannen Bluth und Goldman in Bluths Garage mit der Arbeit an einem animierten Kurzfilm. Das Projekt wurde zu dem charmanten, aber etwas ziellosen Banjo The Woodpile Cat. Hier werden die historischen Details etwas subjektiv: Einige behaupten, dass Bluth, ein charismatischer Anführer ähnlich wie Walt selbst, die Animatoren, die an seinem Garagenprojekt arbeiten wollten, bevorzugte und so für Spaltungen und Spannungen innerhalb der Firma sorgte. Bluth hingegen behauptet, dass die Disney-Firmenumgebung feindselig war und dass trotz seiner Bemühungen, das Herz zurück in den Animationsstil des Studios zu bringen, die Konzernbosse nur daran interessiert waren, Filme billig zu produzieren.

In jedem Fall kündigten er und Goldman am 13. September 1979 – Bluths 42. Geburtstag – offiziell bei Disney. Sie hatten sich eine Verbindung mit der neuen Animationsfirma Aurora gesichert und nahmen 16 andere Animationskünstler mit. Disney Animation stand vor einem Scherbenhaufen und The Fox And The Hound wurde um ein halbes Jahr verschoben. Diejenigen, die bei Disney blieben, betrachteten den Schritt als eine Übung in Egoismus. Bluths Anhänger – oder „Bluthies“ – sahen darin einen Versuch, die Kunst der Animation gegen David und Goliath zu verteidigen. Laut Goldman sagte Bluth, als das Duo seine Kündigung einreichte: „Wir konnten hier nichts ändern, also gehen wir vielleicht raus und konkurrieren mit euch, damit ihr härter arbeitet“. Als er die Geschichte 2011 auf einer Animationsmesse erzählte, fügte ein mittlerweile mittelalterlicher Goldman hinzu: „Wie arrogant und naiv ist das denn?“

Aber wie naiv der Schritt war, ist unklar. In den nächsten 10 Jahren produzierten Bluth und Goldman Filme, die es in kreativer und kommerzieller Hinsicht mit Disney aufnehmen konnten. Nach der Veröffentlichung von Banjo als Kurzfilm und der Fertigstellung der animierten Sequenzen von Xanadu veröffentlichte Don Bluth Productions 1982 seinen ersten abendfüllenden Animationsfilm, The Secret Of NIMH. Für die Animationsgemeinde war der Film eine Offenbarung. Die Geschichte einer verwitweten Maus, die Hilfe bei einer hyperintelligenten Rattengemeinschaft sucht, war düsterer – sowohl visuell als auch tonal – als alles, was Disney bisher produziert hatte. Doch die üppig gezeichnete Welt und die Liebe zum Detail wirkten wie eine Rückbesinnung auf einen klassischen Stil, den Disney zugunsten von Kostensenkungsmaßnahmen aufgegeben hatte. Für viele bleibt NIMH der Höhepunkt der Bluth-Zeichentrickfilme.

Trotz seines kritischen Erfolgs scheiterte Das Geheimnis von NIMH an den Kinokassen. Zumindest ein Teil der Schuld liegt beim Verleiher MGM, der wenig für den Film tat – ein weiterer Trend in Bluths Karriere. In den nächsten Jahren widmeten sich Bluth und Goldman anderen Projekten als Filmen. Sie schlossen sich mit der Videospielfirma Cinematronics zusammen, um die animierten Arcade-Spiele Dragon’s Lair, Space Ace und Dragon’s Lair II zu produzieren: Time Warp, aber der Niedergang des Spielhallengeschäfts ließ Don Bluth Productions bankrott gehen. 1985 schlossen sie sich mit dem Geschäftsmann Morris Sullivan zusammen und gründeten die Sullivan Bluth Studios, die sich später im kostengünstigeren Irland niederlassen sollten. Während Bluth sein Unternehmen wieder aufbaute, erreichte Disney Animation mit dem allgemein abgelehnten The Black Cauldron einen absoluten Tiefpunkt. Viele waren der Meinung, dass dieser Film das Ende von Disneys Vorherrschaft im Animationsbereich bedeutete.

Um die Situation für Disney noch schlimmer zu machen, klopfte Steven Spielberg bald an die Tür von Sullivan Bluth. Spielberg war ein großer Fan von NIMH und wollte unbedingt mit dem Unternehmen zusammenarbeiten, um sein erstes Animationsprojekt zu produzieren. Dieser Film, An American Tail, wurde zum umsatzstärksten Nicht-Disney-Zeichentrickfilm und schlug Disneys The Great Mouse Detective an den Kinokassen 1986. Die nächste Spielberg-Partnerschaft, Das Land vor der Zeit von 1988, kam am selben Tag in die Kinos wie Disneys Oliver & Company. Bluths Film belegte an diesem Wochenende den ersten Platz, während Oliver den vierten Platz belegte. Obwohl Oliver schließlich The Land Before Time im Inland schlug, spielte der letztere Film weltweit mehr als $84 Millionen ein.

Bis zu Anastasia in den späten 90er Jahren waren Ein amerikanischer Schwanz und Das Land vor der Zeit bei weitem die kommerziell erfolgreichsten Filme von Bluth. Bemerkenswerterweise fanden sie trotz (oder vielleicht gerade wegen) ihres düsteren Grundtons ein Massenpublikum. An American Tail handelt von den Erfahrungen jüdischer Einwanderer um die Jahrhundertwende und bescherte der Welt die liebenswerte Ballade „Somewhere Out There“ (die später die Freundschaft von Troy und Abed in Community festigen sollte). Das Land vor der Zeit, Bluths wohl bester Film, verbindet seine Vorliebe für düstere Themen, kindliche Protagonisten und seltsame Freundschaften perfekt mit einer fantasievollen Geschichte über die Wanderung von Dinosauriern. Der Film ist vor allem eine skurrile Untersuchung von Freundschaften zwischen verschiedenen Spezies (und eine Metapher für den Kampf gegen Rassismus!), aber er beginnt mit dem erschütternden Tod von Littlefoots Mutter. „Es ist niemandes Schuld“, erklärt ihm ein erwachsener Dinosaurier, „der große Kreis des Lebens hat begonnen… Du wirst sie immer vermissen, aber sie wird immer bei dir sein, solange du dich an die Dinge erinnerst, die sie dir beigebracht hat.“ Vier Jahre später sollte der König der Löwen den Kindern fast wortwörtlich dieselbe Lektion erteilen.

Für einen kurzen Moment sah es so aus, als würde Bluth den Animationsthron erben, aber die Ereignisse des Jahres 1989 änderten das alles. Im November desselben Jahres veröffentlichte Disney Die kleine Meerjungfrau und leitete damit die „Disney-Renaissance“ ein, eine Ära beispiellosen kritischen und kommerziellen Erfolgs für das Studio, das so beliebte Filme wie Die Schöne und das Biest, Aladdin und Der König der Löwen produziert hatte. Es ist schwer zu sagen, wie genau Bluth diese Renaissance beeinflusst hat, wenn überhaupt. Einige behaupten, dass die Abwesenheit seiner dominanten Persönlichkeit in Disney Animation es neuen Stimmen ermöglichte, sich zu erheben und die Wiedergeburt anzuführen. Andere sind der Meinung, dass Bluths Herausforderung an Disney – sowohl in künstlerischer Hinsicht als auch an den Kinokassen – das Unternehmen zwang, seine selbstgefällige Haltung zu ändern. Wie auch immer, die Renaissance etablierte Disney wieder als eine der führenden Animationsfirmen. Im Gegensatz dazu brachte Bluth All Dogs Go To Heaven heraus. Spielberg war nicht involviert und das Projekt blieb hinter den Erwartungen zurück. Verglichen mit der revolutionären Kleinen Meerjungfrau wirkte All Dogs erzählerisch unzusammenhängend. Wie die meisten von Bluths Werken sollte er jedoch später auf Video erfolgreich sein.

Mit dem Wiederauftauchen von Disney war Bluths Zeit im Rampenlicht vorbei. Rock-A-Doodle aus dem Jahr 1992 ist eine wirklich bizarre (selbst für Bluth-Verhältnisse) Geschichte über einen Elvis-ähnlichen Hahn, eine Flut biblischen Ausmaßes und einen Live-Action-Jungen, der in ein animiertes Kätzchen verwandelt wird. 1994 folgten A Troll In Central Park und Thumbelina. Bluth und Goldman begannen als nächstes mit der Arbeit an Der Kieselstein und der Pinguin, waren aber so unzufrieden mit dem Prozess (MGM verlangte Änderungen, die mit reduzierten Produktionswerten vorgenommen wurden), dass sie das Projekt verließen und darum baten, nicht gutgeschrieben zu werden.

Wie schon Spielberg in den 80er Jahren, kam eine neue Kraft hinzu, um Bluth vor dem finanziellen und künstlerischen Desaster zu retten. In der Hoffnung, Disney mit seinen eigenen Waffen zu schlagen, heuerte 20th Century Fox Bluth und Goldman an, um ihre brandneuen Fox Animation Studios zu leiten. In ihrer neuen Heimat schufen Bluth und Goldman Anastasia, eine märchenhafte Neuinterpretation eines dunklen Kapitels der russischen Geschichte.

Der Film war ein relativer Erfolg bei den Kritikern und ein riesiger kommerzieller Erfolg, der weltweit über 138 Millionen Dollar einspielte. Eingefleischte Bluth-Fans erklärten den Filmemacher zum Verräter, weil er Disneys spleenigen Prinzessinnen-Stil und die Broadway-taugliche Filmmusik übernommen hatte. Doch auch wenn der Film stilistisch eine Abweichung darstellt, sind die Betrüger, die lebhaften Beziehungen und die üppige Animation immer noch unverkennbar Bluth. Anastasia mag eine straffere Erzählweise und eine größere Dosis Schnulze haben als Bluths frühere Filme, aber der Antagonist ist auch eine verrottende Leiche, die links und rechts Körperteile fallen lässt. Dieses Gleichgewicht zwischen unheimlich und süß kam beim Publikum sehr gut an, und Bluth schien für einen späteren Wiederaufstieg seiner Karriere bereit zu sein. (Interessanterweise ist von den vielen Fortsetzungen seiner Filme der direkt auf Video verfilmte Nachfolger von Anastasia, Bartok The Magnificent, der einzige, an dem Bluth tatsächlich mitgearbeitet hat).

Mit einem echten Hit in der Tasche ging Bluth mit dem Weltraum-Epos Titan A.E. das wohl größte Risiko seiner Karriere ein. Er hoffte, die Animationswelt aufzurütteln, wie er es einst mit Das Geheimnis von NIMH getan hatte. Stattdessen produzierte er einen massiven Flop, der Fox Animation in den Ruin trieb.

Titan A.E. nur als Flop abzuschreiben, wäre jedoch unfair. Schlechtes Marketing war wieder einmal zumindest teilweise schuld daran. Es war nicht klar, an wen sich der Film richtete – Kinder, Jugendliche oder Erwachsene -, aber kaum jemand sah ihn sich an. Bluth versuchte, die japanische Tradition des All-Age-Animationsfilms in die USA zu importieren. Mit einem Drehbuch, das teilweise von Joss Whedon geschrieben wurde, folgt der futuristische Film einem Helden namens Cale (gesprochen von Matt Damon), der als einer der wenigen Menschen die Zerstörung der Erde überlebt. Mit Hilfe einer bunt zusammengewürfelten Crew macht er sich auf den Weg, um ein geheimes Genesis-Projekt zu finden und mit dem Tod seines Vaters fertig zu werden. Titan A.E. lehnt sich zwar zu sehr an Sci-Fi-Tropen an, um ein erwachsenes Publikum voll zu befriedigen, aber für die Zielgruppe der Vor-Teenager, an die er sich hätte richten sollen, hätte er einen guten Einstieg in das Genre bieten können. Es ist ein unvollkommener Film, aber einer, der bewundernswert mit der Tradition bricht und dem es oft gelingt, eine innovative, emotionale Geschichte mit spektakulären Bildern zu erzählen.

Als Titan A.E. im Jahr 2000 veröffentlicht wurde, neigte sich die Disney-Renaissance ihrem Ende entgegen. Wäre Titan A.E. erfolgreich gewesen, hätte er den amerikanischen Animationsfilm in eine ganz neue Richtung lenken können. Genau das ist auch passiert – nur dass Pixar und nicht Bluth das Unternehmen war, das die Innovation vorantrieb. Disney beweist, dass die Welt der Animation zyklisch ist, und hat erneut Erfolg, diesmal mit von Pixar inspirierten CGI-Filmen wie Tangled und Frozen.

Bluth betreibt unterdessen in Arizona ein Theater namens The Don Bluth Front Row Theatre. Im Jahr 2009 produzierte er eine Reihe von Video-Tutorials über Animation, in der Hoffnung, sein Handwerk an künftige Animatoren weiterzugeben, so wie es die Nine Old Men bei ihm nie getan haben. Auch wenn er in Interviews gelegentlich ein zukünftiges Projekt erwähnt, hat sich der 76-jährige Schöpfer höchstwahrscheinlich zurückgezogen. Er hinterlässt ein kompliziertes Erbe, das ebenso von Misserfolgen wie von Erfolgen geprägt ist. Wenn es eine Lehre gibt, die man daraus ziehen kann, dann vielleicht die, dass Selbstzufriedenheit die Kreativität zerstört. Bluth forderte Disney auf eine Art und Weise heraus, wie es noch niemand zuvor getan hatte, und bewies, dass es manchmal genügt, mit Originalität zu scheitern, selbst wenn ein künstlerisches Wagnis keinen Erfolg hat.