Ein Zwischenspiel ist nach seiner grundlegenden Definition „ein dazwischenliegender oder unterbrechender Zeitraum, Raum oder Ereignis“. Technisch gesehen soll ein Zwischenspiel unterbrechen, die Aufmerksamkeit auf sich ziehen oder etwas anderes bieten, auf das man sich konzentrieren kann. Alben werden oft nach ihrem Zusammenhalt und ihrem Fluss beurteilt, danach, wie gut jeder Song das gesamte Album im Kontext seiner spezifischen Tracklist ergänzt. Wo genau kommt also die Entscheidung für ein Interlude ins Spiel? Berühmte Zwischenspiele sind Björks „Frosti“, Beyoncés „Yoncé“, das den Hit „Partition“ einleitet, und SZAs „Wavy“ aus dem von der Kritik hochgelobten Album CTRL. Zwischenspiele sind keineswegs auf ein bestimmtes Genre beschränkt und stellen oft interessante Fragen über die Art und Weise, wie ein Hörer mit dem Musikstück interagiert.
Frank Oceans „Blonde“ war die beste Veröffentlichung des Jahres 2016, mit dem mütterlich aufgeladenen Zwischenspiel „Be Yourself“, das die unsterbliche Atmosphäre von „Pink + White“ mit dem trotzigen Aufbegehren von „Solo“ verbindet. Die sanfte Resignation von „Pink + White“ wird schnell unterbrochen mit: „Viele College-Studenten haben das College besucht und sind süchtig nach Drogen, Marihuana und Alkohol geworden. Hört zu. Hör auf zu versuchen, jemand anderes zu sein.“ Es ist eine 1:27-Voicemail von einer scheinbar übermächtigen Mutter, die plötzlich abfällt von: „This is mom. Ruf mich an. Tschüss“ in: „Hand me a towel I’m dirty dancing by myself / Gone off tabs of that acid / Form me a circle, watch my jagger / Might lose my jacket and hit a solo.“ Nachdem ihm gesagt wurde, er solle durch Enthaltsamkeit „du selbst sein“, antwortet Ocean natürlich, indem er mit Hilfe von Acid und Marihuana Solos spielt. Er stellt die Frage, wie man sich selbst sein kann, wie man wirklich allein existieren kann, ohne sich allein zu fühlen, ohne die Hilfe von Substanzen: „Inhale, in hell there’s heaven“, singt er und findet durch THC ein Gefühl des Paradieses in einem ansonsten höllischen Zustand der Einsamkeit. Ohne die strenge Warnung der Voicemail würde der Hörer das Gefühl der Verantwortung gegenüber sich selbst verlieren, das Ocean so vorsichtig und sanft vermittelt. Seine süßen, süßen Töne wirken um so sanfter (und um so trauriger) wegen der Härte, die ihnen vorausgeht.
Eine andere R&B-Künstlerin, die Ocean ähnelt, ist Solange Knowles, deren meisterhaftes „A Seat at the Table“ eine Reihe von acht separaten Zwischenspielen enthält. Das erste von ihnen, „Interlude: The Glory is in You“, verbindet das ahnungsvolle „Weary“ mit der Verzweiflung von „Cranes in the Sky“. Das Zwischenspiel ist nur 18 Sekunden lang und stellt die Frage, welchen Platz der Frieden in unserer Welt hat. Im Gegensatz zu Oceans Sprachnachricht ist Knowles‘ erstes Zwischenspiel nur ein winziger Bruchteil des Ganzen, so winzig, dass man es beim flüchtigen Hören leicht übersehen könnte. Aber dieser kleine Clip führt ein greifbares Thema zwischen der Poesie der Songs ein, die ihn einrahmen: „Aber solange du Frieden in dem findest, was du tust, bist du erfolgreich, und das ist es, was die Leute nicht erkennen. Siehst du, du musst Dinge tun, bis du nachts schlafen gehen kannst. Denn die Herrlichkeit ist in dir.“ Das Zwischenspiel, in dem das Bedürfnis nach Frieden beschrieben wird, gibt dem Hörer eine Vorstellung davon, worum es in „Cranes in the Sky“ geht: die anhaltende, perfide Aggression, die Minderheiten erfahren, ein Thema, das im Laufe des Albums immer mehr Schichten erhält. Während Oceans Zwischenspiel einen Gegenpol zu Blondes dezenter Einsamkeit bildet, drückt Knowles‘ Zwischenspiel im Zusammenspiel mit ihrer Musik den Schmerz des Rassismus aus.
Nun stellt sich die Frage nach der Rolle von instrumentalen Zwischenspielen, also solchen ohne erkennbare Botschaft für den Hörer. Der Metalcore-Titan Underoath hat solche Zwischenspiele auf seinen beiden meistgelobten Alben. Das erste, They Were Only Chasing Safety, enthält „The Blue Note“, das das Album in der Mitte mit einem jazzigen, atmosphärischen Instrumental unterbricht, das die wilde Energie des vorangegangenen „Reinventing Your Exit“ völlig unterbricht und mit einem „Drei, zwei, eins …“ in den massiven Breakdown von „It’s Dangerous Business Walking Out Your Front Door“ mündet. Dieser Sturzflug ist nicht nur ein gelungener Übergang von einer Hälfte zur nächsten, sondern lässt das sonst so anstrengende Album atmen. Metalcore ist nicht unbedingt für seine Zugänglichkeit bekannt, und Underoath waren Pioniere, die das Genre mit der Veröffentlichung dieses Albums im Jahr 2004 in den Mainstream brachten. Auf dem zweiten Album Define the Great Line ist Salarmnir“ zu hören, wieder überwiegend ambient, aber dieses Mal mit einem auf Russisch gelesenen Psalm, der von begeistertem Applaus begleitet wird, der im Hintergrund widerhallt. Wieder erkannten Underoath die Vorzüge eines Albums mit hartem Gesang und intensiven Breakdowns und würzten dieses Mal die Formel mit epischen, religiösen Gefühlen. Nicht für ihre Subtilität bekannt, ziehen Underoath ihre Fans in den Sturm ihrer Musik mit einem verlockenden Zwischenspiel, das sofort den Boden unter dem Hörer mit einer Stille vor „Returning Empty Handed“ fallen lässt.“
Diese Liste ließe sich buchstäblich bis in alle Ewigkeit fortsetzen, indem man sich in der Geschichte zurückbewegt und vielleicht sogar die Musik des Mittelalters betrachtet (was weitaus mehr Nachforschungen erfordern würde, als ich in der Lage bin), aber für den Moment betont das moderne Zwischenspiel die Poesie der Musik und ermöglicht eine Verschnaufpause von der Intensität oder einen Moment des Nachdenkens über starke Themen. So wie sich die Musik entwickelt hat, so hat sich auch das Gewicht, das sie tragen kann, weiterentwickelt, und obwohl sie in der heutigen Welt oft nur klein ist, kann ein kunstvolles Zwischenspiel genau das richtige Maß an Pause bieten, um ein Album und die es umgebenden Titel perfekt zu akzentuieren.