Pensa-se que qualquer actor que queira entrar no cinema evitaria ir para algo demasiado ambicioso na primeira vez. Talvez cenários fáceis, histórias simples, alguns personagens centrais – algo relativamente livre de riscos que funciona como um veículo para mostrar esses talentos cinematográficos. Contudo, quando se é Woody Harrelson, as regras não se aplicam. Caso em questão: a sua estreia na direção Lost em Londres.
Não só decidiu filmar a coisa num único take e baseá-la em eventos da vida real da sua vida, mas foi filmado ao vivo em tempo real – o que significa que qualquer pequena foda, qualquer erro, e o primeiro filme do Woody ficaria manchado para sempre.
Luckily Lost in London acabou por ser um sucesso – uma verdadeira prova dos talentos do Woody, tanto à frente como atrás da câmara. Se você que perdeu quando foi ao ar no ano passado, Lost in London está agora disponível para assistir em HD Digital e Hulu. Confira este clipe:
A energia é palpável. Ao invés de empurrar esses limites, Woody os quebrou em fragmentos. A pergunta é: isso te fez pensar?
Talvez ver um projecto tão ambicioso realizado com finura o tenha inspirado e o tenha feito pensar que tudo é possível. Com tanta abundância de conteúdo disponível na era moderna, é um pré-requisito para que um cineasta se destaque e tenha uma vantagem única.
Para ajudar você a colocar esses mapas mentais a funcionar e sucos criativos a fluir, aqui está uma lista classificada de dez outros filmes experimentais que empurraram esses limites na mesma veia de Lost em Londres. A inspiração está em toda parte!
Boyhood (2014)
O drama indie de Richard Linklater que está chegando à idade apresenta a infância e a adolescência de Mason Jr. (Ellar Coltrane) dos seis aos dezoito anos de idade enquanto ele cresce no Texas com pais divorciados (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Embora não sejamos grandes fãs do filme em si, achamos que Boyhood merece uma menção, pois não há como negar que Linklater entregou um projeto que foi nada menos do que ambicioso.
A produção é o que torna este filme especial, realizado durante doze anos para que ele pudesse realmente criar um filme sobre o crescimento. O diretor escreveu e desenvolveu a história anualmente, usando os clipes anteriores como inspiração para moldar e elaborar a narrativa e o desenvolvimento do personagem, permitindo-lhe manter os mesmos atores durante todo o filme sem ter que usar efeitos especiais ou maquiagem.
The One I Love (2014)
Um romance com um toque deliciosamente escuro, The One I Love centra-se num casal conturbado (uma metade interpretada por Mark Duplass) enquanto desocupam uma bela escapada, apenas para as circunstâncias bizarras complicarem ainda mais a sua relação.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) como a outra metade do casal é um papel complexo e incomum, enquanto Duplass (Creep) está em plena forma. Mas o que realmente eleva este filme indie é o fato de que o diálogo foi improvisado. Em entrevista ao IndieWire, Duplass explicou os diferentes tipos de improvisação que a equipe usou:
O roteiro que usamos para este filme é altamente detalhado, altamente plotado – é um esboço de 50 páginas . . . Mas não há diálogo escrito, por isso cada peça de diálogo no filme é improvisada . . Você está apenas sendo o mais orgânico possível com suas motivações e a trajetória da cena, e usando surpresas para que a pessoa oposta a você na cena não seja preguiçosa e descanse de calcanhar, para que possa sentir, esperançosamente, um pouco mais espontâneo do que se fosse ensaiado.
Tangerina (2015)
Não só a Tangerina de Sean Baker (sobre uma prostituta que rasga a Tinseltown na véspera de Natal à procura do chulo que lhe partiu o coração) foi saudada como um feito pela comunidade LGBTQI, mas também foi filmada usando apenas um iPhone 5S para acomodar o minúsculo orçamento do filme. Baker disse ao The Verge que ele e sua equipe usaram três iPhones diferentes, o aplicativo $8 Filmic Pro, um Steadicam, e algumas lentes adaptadoras – e isso é tudo, pessoal!
Actor James Ransone (Sinister) apontou que a chave para filmar o filme era ter uma equipe bem versada na produção de filmes tradicionais. “Você ainda precisa saber como funciona a montagem. Sim, você pode fazer um filme bonito com um orçamento de bilheteria, mas você precisa conhecer 100 anos de cinema”
Playtime (1967)
O trabalho magistral do cineasta francês Jacques Tati (Monsieur Hulot’s Holiday), os custos de produção desta comédia ousada foram tão altos que precisava ser um grande sucesso se quisesse cobrir a quantidade que Tati tinha desdobrado para tornar o filme financeiramente viável. “Infelizmente o filme não foi um sucesso comercial, e Tati acabou falindo, mas o filme foi realmente um feito técnico e artístico”, observou Taste of Cinema.
Filmado em 70mm e feito com tiros extremamente largos, Playtime é notável pelo enorme set que Tati construiu especialmente para o filme, bem como pelo uso da marca registrada do diretor de comédia visual sutil, porém complexa, e efeitos sonoros inovadores.
“Os cenários são cuidadosamente concebidos e trabalhados para as mordaças em que é apresentado o caos de (o personagem principal) Monsieur Hulot, e ordem e precisão impressionantes. Não há close ups no filme, apenas planos largos perfeitamente compostos e coreografados”
Unsane (2018)
Não é surpresa que o cineasta Steven Soderbergh tenha feito a lista, como alguém que abriu uma nova onda de cinema indie com seu longa-metragem de estréia Sexo, Mentiras e Videotape e desde então ganhou reputação como um dos mais ousados, imprevisíveis e excitantes cineastas ao redor.
Uma das façanhas mais notáveis de Soderbergh foi sua recente viagem ao gênero horror com o thriller Unsane. Ele não só filmou tudo num iPhone, como o fez em apenas duas semanas. Apesar das restrições significativas, Soderbergh conseguiu – o filme foi recebido com críticas calorosas após sua estréia na Berlinale deste ano, mostrando o que os gadgets do dia-a-dia de hoje podem fazer para ultrapassar os limites do estilo na grande tela.
The Holy Mountain (1973)
Alejandro Jodorowsky’s surrealista épico estreou dois anos após El Topo e, em comparação com seu filme anterior, The Holy Mountain é um trabalho muito mais ambicioso e completo. Está centrada num poderoso alquimista num mundo corrupto, alimentado pela ganância, que conduz um personagem parecido com Cristo e sete figuras materialistas à Montanha Sagrada, onde esperam alcançar a iluminação.
É uma jornada de domínio da mente e uma colina e tanto para subir em termos de decifrar as suas muitas mensagens simbólicas, mas o que é cristalino é que poucos cineastas têm sido tão empenhados como Jodorowsky em fornecer imagens grotescas, surreais, simbólicas e alucinatórias para sustentar a sua obra-prima.
Embora a maioria das pessoas se preparasse antes do início da fotografia principal, assegurando que o seu equipamento e equipa estivessem em cheque, o auteur e a sua mulher passaram uma semana sem dormir sob a direcção de um mestre Zen japonês.
Os membros do elenco central também passaram três meses realizando vários exercícios espirituais guiados por Oscar Ichazo do Instituto Arica e o diretor também administrou cogumelos psilocibinos aos atores durante as filmagens da cena do renascimento da morte.
Os efeitos das técnicas são palpáveis ao assistir ao filme, culminando com a criação de uma experiência iluminada que se sente fora deste mundo, visualmente, narrativa e espiritualmente. Como diz o slogan: “Nada na sua educação ou experiência pode ter preparado você para este filme”.”
Irréversible (2002)
O Irréversible do autor Gaspar Noé é ambicioso no seu estilo experimental, frequentemente associado ao cinéma du corps (cinema do corpo), que alegadamente compartilha afinidades com certas produções de vanguarda, tais como um uso atenuado da narrativa, cinematografia agressora, material temático provocante e um senso de niilismo social pervasivo.
É seguro dizer que Irréversible encarna tais características. Noé experimentou com técnicas de câmera, som e narrativa, tecendo a história com uma dúzia de tiros ininterruptos fundidos. Uma hora de duração do filme apresentou um som de baixa frequência para criar um estado de náusea e ansiedade e a narrativa usa cronologia reversa.
Como David Sterritt notou no seu romance Guiltless Pleasures: Um leitor de filmes de David Sterritt, Irréversible não é simplesmente uma história contada ao contrário, mas um estudo complexo sobre a natureza do tempo. “Seu diretor está menos interessado em causa e efeito do que na forma do próprio tempo”. Falando sobre este tema, o próprio Noé afirmou: “A estrutura é toda engraçada e o trabalho de câmera é cheio de energia, mas é realmente sobre perder alguém que você ama”.
Até hoje o Irréversible continua a ser um dos filmes mais divisivos alguma vez feitos, mas uma coisa em que a maioria pode concordar é que Noé não tem medo de trabalhar fora da caixa e inovar com as suas técnicas estilísticas.
Metropolis (1927)
Dizer que Metropolis de Fritz Lang estava à frente do seu tempo seria um eufemismo – com uma história significativa sobre a guerra de classes numa cidade distópica, Metropolis é considerado o primeiro filme de ficção científica de sempre.
Até ainda inspiradores artistas visuais, diretores, artistas de moda e cenógrafos até hoje, o futuro filme expressionista alemão silencioso continua sendo um exemplo verdadeiramente essencial de IA na tela devido ao design e à biomecânica por trás do robô Falsa Maria, que passou a influenciar diretamente o design do C3PO na Guerra das Estrelas.
Lang desenvolveu uma gama de efeitos especiais elaborados e projetos de cenário, desde uma enorme catedral gótica até uma paisagem urbana futurista, enquanto preenchia o filme com influências estilísticas, desde Art Deco até o gótico e o modernismo funcionalista.
Meanwhile, os cineastas Karl Freund (Drácula) e Gunther Rittau (The Eternal Tone) confiaram fortemente nas técnicas do Expressionismo alemão para filmar o filme e o compositor Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) se inspiraram em Richard Wagner e Richard Strauss para criar uma partitura única junto com uma grande orquestra.
Nenhum detalhe deste filme não foi considerado com meticulosa atenção aos detalhes, razão pela qual continua a ser um dos filmes mais importantes da história da ficção científica.
2001: A Space Odyssey (1968)
A obra-prima de Stanley Kubrick pode ter 50 anos de idade, mas ainda se sente tão fresca agora como naquela época. Um filme que mudou verdadeiramente a face da ficção científica para sempre, o auteur mostrou que o gênero poderia e deveria lidar com temas mais pesados sobre evolução, existência e inteligência artificial.
O filme é uma experiência “não-verbal” – em duas horas e dezenove minutos de filme, há apenas um pouco menos de quarenta minutos de diálogo – e, depois do desenvolvimento do personagem, Kubrick usou de cuidados obsessivos para construir suas máquinas e conseguir efeitos especiais.
Como disse Taste of Cinema, “Seja o lendário corte entre o osso e as naves espaciais ou a viagem interestelar, Kubrick usou todo o poder do filme para contar a história não de um único personagem, mas de toda a humanidade”