Music 101

Você já foi apresentado a Cláudio Monteverdi, cuja música se estende pelo final da Renascença e início do Barroco. Agora vamos explorar uma de suas composições mais significativas, L’Orfeo, a primeira ópera considerada uma obra-prima.

Introdução

L’Orfeo (SV 318), às vezes chamada La favola d’Orfeo, é uma favela barroca primitiva em música, ou ópera (às vezes considerada renascentista tardia), de Claudio Monteverdi, com um libreto de Alessandro Striggio. É baseado na lenda grega de Orfeu, e conta a história de sua descida ao Hades e sua tentativa infrutífera de trazer sua noiva morta Eurídice de volta ao mundo vivo. Foi escrito em 1607 para uma apresentação na corte durante o Carnaval anual em Mântua. Enquanto a honra da primeira ópera vai para Dafne de Jacopo Peri, e a mais antiga ópera sobrevivente é Euridice (também de Peri), L’Orfeo tem a honra de ser a mais antiga ópera sobrevivente que ainda hoje é apresentada regularmente.

Durante o início do século XVII, a tradicional intermedio – uma sequência musical entre os actos de uma peça de teatro recto – foi evoluindo para a forma de um drama musical completo ou “ópera”. O L’Orfeo de Monteverdi tirou este processo da sua era experimental e proporcionou o primeiro exemplo totalmente desenvolvido do novo género. Após sua performance inicial, o trabalho foi encenado novamente em Mântua, e possivelmente em outros centros italianos nos anos seguintes. A sua pontuação foi publicada por Monteverdi em 1609 e novamente em 1615. Após a morte do compositor, em 1643, a ópera ficou sem forma durante muitos anos, e foi em grande parte esquecida até que um renascimento do interesse no final do século XIX levou a uma série de edições e performances modernas. No início, estas tendiam a ser versões não encenadas dentro de institutos e sociedades musicais, mas após a primeira apresentação dramatizada moderna em Paris, em 1911, a obra começou a ser vista cada vez mais frequentemente em teatros. Após a Segunda Guerra Mundial, a maioria das novas edições procurou autenticidade através do uso de instrumentos da época. Muitas gravações foram emitidas e a ópera foi cada vez mais encenada em teatros de ópera. Em 2007, o quatercentenário da estreia foi celebrado por apresentações em todo o mundo.

Na sua partitura publicada Monteverdi enumera cerca de 41 instrumentos a serem implantados, com grupos distintos de instrumentos utilizados para retratar cenas e personagens particulares. Assim, cordas, cravos e gravadores representam os campos pastorais da Trácia com suas ninfas e pastores, enquanto o latão pesado ilustra o submundo e seus denizens. Composto no ponto de transição da era renascentista para o barroco, L’Orfeo emprega todos os recursos então conhecidos dentro da arte da música, com particular ousadia no uso da polifonia. A obra não é orquestrada como tal; na tradição renascentista, os instrumentistas seguiram as instruções gerais do compositor, mas foi dada uma liberdade considerável para improvisar. Isto separa a obra de Monteverdi do posterior cânone da ópera, e faz de cada apresentação de L’Orfeo uma ocasião única e individual.

Cenário Histórico

Claudio Monteverdi, nascido em Cremona em 1567, foi um prodígio musical que estudou com Marc’Antonio Ingegneri, o maestro di cappella (chefe de música) na Catedral de Cremona. Depois de treinar canto, cordas e composição, Monteverdi trabalhou como músico em Verona e Milão até que, em 1590 ou 1591, conseguiu um posto de Assuonatore di Vivuola (viola) na corte do Duque Vincenzo Gonzaga em Mântua. Através de habilidade e trabalho árduo Monteverdi ascendeu a ser o maestro da música de Gonzaga (mestre de música) em 1601.

A paixão particular de Vincenzo Gonzaga pelo teatro musical e pelo espectáculo cresceu a partir das suas ligações familiares com a corte de Florença. No final do século XVI, músicos florentinos inovadores desenvolviam o intermediário – uma forma há muito estabelecida de interlúdio musical inserido entre os actos dos dramas falados – para formas cada vez mais elaboradas. Liderados por Jacopo Corsi, estes sucessores dos famosos Camerata foram responsáveis pela primeira obra geralmente reconhecida como pertencente ao género da ópera: Dafne, composta por Corsi e Jacopo Peri e apresentada em Florença em 1598. Esta obra combinava elementos de canto madrigal e monódia com danças e passagens instrumentais para formar um todo dramático. Apenas fragmentos de sua música ainda existem, mas várias outras obras florentinas do mesmo período – Rappresentatione di Anima, et di Corpo de Emilio de’ Cavalieri, Euridice de Peri e a idêntica Euridice de Giulio Caccini – sobrevivem completas. Estas duas últimas obras foram a primeira de muitas representações musicais do mito de Orfeu, tal como relatado nas Metamorfoses de Ovid, e como tal foram precursoras directas do L’Orfeo de Monteverdi.

A corte de Gonzaga tinha uma longa história de promoção de entretenimento dramático. Um século antes do tempo do Duque Vincenzo, a corte tinha encenado o drama lírico de Angelo Poliziano La favola di Orfeo, do qual pelo menos metade era cantada em vez de falada. Mais recentemente, em 1598 Monteverdi ajudou o estabelecimento musical da corte a produzir a peça Il pastor fido, de Giovanni Battista Guarini, descrita pelo historiador de teatro Mark Ringer como uma “obra teatral de divisor de águas”, que inspirou a loucura italiana pelo drama pastoral. No dia 6 de outubro de 1600, enquanto visitava Florença para o casamento de Maria de’ Medici com o rei Henrique IV da França, o Duque Vincenzo assistia a uma produção de Peri’s Euridice. É provável que os seus principais músicos, incluindo Monteverdi, também estivessem presentes nesta actuação. O Duque rapidamente reconheceu a novidade desta nova forma de entretenimento dramático, e o seu potencial para trazer prestígio aos que estavam preparados para o patrocinar.

Composição

Quando Monteverdi escreveu a música para L’Orfeo ele tinha uma base profunda na música teatral. Ele tinha sido empregado na corte do Gonzaga por 16 anos, muito dele como artista ou arranjador de música de palco, e em 1604 ele tinha escrito o ballo Gli amori di Diane ed Endimone para o Carnaval de Mântua de 1604-05. Os elementos a partir dos quais Monteverdi construiu a sua primeira pontuação de ópera – a ária, a canção estrofa, a recitativa, os refrões, as danças, os interlúdios musicais dramáticos – foram, como o maestro Nikolaus Harnoncourt assinalou, não criados por ele, mas “ele misturou todo o estoque de novas e antigas possibilidades numa unidade que era realmente nova”. O musicólogo Robert Donington escreve de forma semelhante: “não contém nenhum elemento que não tenha sido baseado em precedentes, mas atinge a maturidade completa naquela forma recentemente desenvolvida. . . . Aqui estão as palavras tão directamente expressas na música como as desejava; aqui está a música a expressá-las . . com toda a inspiração do génio”

Monteverdi afirma os requisitos orquestrais no início da sua partitura publicada, mas de acordo com a prática do dia em que não especifica o seu uso exacto. Nessa altura era habitual permitir a cada intérprete da obra liberdade para tomar decisões locais, com base nas forças orquestrais à sua disposição. Estas poderiam diferir muito de lugar para lugar. Além disso, como salienta Harnoncourt, os instrumentistas teriam sido todos compositores e teriam esperado colaborar de forma criativa em cada actuação, em vez de tocar um texto definido. Outra prática da época era permitir que os cantores embelezassem suas árias. Monteverdi escreveu versões simples e embelezadas de algumas árias, como a “Possente spirito” de Orfeo, mas segundo Harnoncourt “é óbvio que onde ele não escreveu nenhum embelezamento ele não queria nenhum cantado”, “

Cada acto da ópera trata de um único elemento da história, e cada um termina com um coro. Apesar da estrutura de cinco atos, com dois conjuntos de mudanças de cena, é provável que L’Orfeo esteja em conformidade com a prática padrão de entretenimento da corte daquela época e tenha sido tocado como uma entidade contínua, sem intervalos ou descidas de cortina entre os atos. Era costume contemporâneo que as mudanças de cena acontecessem à vista do público, sendo estas mudanças refletidas musicalmente por mudanças na instrumentação, chave e estilo.

Synopsis

A ação acontece em dois locais contrastantes: os campos da Trácia (Atos 1, 2 e 5) e o Submundo (Atos 3 e 4). Uma tocata instrumental (inglês: tucket, que significa um florescimento sobre trombetas) precede a entrada da música, representando o “espírito da música”, que canta um prólogo de cinco estrofes de verso. Depois de uma acolhida graciosa ao público, ela anuncia que pode, através de sons doces, “acalmar cada coração perturbado”. Ela canta mais um hino ao poder da música, antes de introduzir o protagonista principal do drama, Orfeo, que “segurava os animais selvagens enfeitiçados com a sua canção”

Act 1

Após o pedido final de silêncio de La musica, a cortina se levanta no ato 1 para revelar uma cena pastoral. Orfeo e Euridice entram juntos com um coro de ninfas e pastores, que agem à maneira de um coro grego, comentando a ação tanto em grupo como individualmente. Um pastor anuncia que este é o dia do casamento do casal; o coro responde, primeiro em uma invocação majestosa (“Vem, Hymen, ó vem”) e depois em uma dança alegre (“Deixa as montanhas, deixa as fontes”). Orfeo e Euridice cantam o seu amor um pelo outro antes de partirem com a maioria do grupo para a cerimónia de casamento no templo. Os que ficaram no palco cantam um breve refrão, comentando como Orfeo era um “para quem suspirar era comida e chorar era bebida” antes do amor o levar a um estado de sublime felicidade.

Act 2

Orfeo volta com o refrão principal, e canta com eles das belezas da natureza. Orfeo, então, se insere na sua infelicidade anterior, mas proclama: “Depois da tristeza, fica-se mais contente, depois da dor, mais feliz.” O clima de contentamento termina abruptamente quando entra La messaggera, trazendo a notícia de que, enquanto colhe flores, Euridice recebeu uma mordida de cobra fatal. O refrão expressa a sua angústia: “Ah, amargo acontecimento, ah, destino impiedoso e cruel!” enquanto a Messagera se castiga como o portador de más notícias (“Para sempre fugirei, e numa caverna solitária levarei uma vida de acordo com a minha tristeza”). Orfeo, após desabafar a sua dor e incredulidade (“Tu estás morto, minha vida e eu estou respirando?”), declara a sua intenção de descer ao Submundo e persuadir o seu governante a permitir que Eurídice volte à vida. Caso contrário, ele diz: “Eu permanecerei contigo na companhia da morte”. Ele parte, e o refrão retoma o seu lamento.

Act 3

Orfeo é guiado por Speranza até aos portões do Hades. Tendo apontado as palavras inscritas no portão (“Abandonem a esperança, todos vós que aqui entrardes”), Speranza sai. Orfeo é agora confrontado com o barqueiro Caronte, que se dirige duramente a Orfeo e se recusa a levá-lo para o outro lado do rio Styx. Orfeo tenta convencer Caronte cantando-lhe uma canção lisonjeadora (“Mighty spirit and powerful divinity”), mas o barqueiro não se move. No entanto, quando Orfeo pega na sua lira e toca, Caronte é acalmado até adormecer. Aproveitando sua chance, Orfeo rouba o barco do barqueiro e atravessa o rio, entrando no Submundo enquanto um refrão de espíritos reflete que a natureza não pode se defender contra o homem: “Ele domou o mar com madeira frágil, e desprezou a fúria dos ventos.”

Act 4

No Submundo, Proserpina, Rainha do Hades, que foi profundamente afectada pelo canto de Orfeo, petições do Rei Plutone, seu marido, para a libertação de Euridice. Movido pelos seus apelos, Plutone concorda com a condição de que, enquanto conduz Euridice para o mundo, Orfeo não deve olhar para trás. Se o fizer, “um único olhar o condenará à perda eterna”. Orfeo entra, liderando Euridice e cantando confiante que nesse dia descansará no peito branco de sua esposa. Mas enquanto ele canta uma nota de dúvida se insinua: “Quem me garante que ela está a seguir?” Talvez Plutone, movido pela inveja, tenha imposto a condição através do despeito? De repente distraído por um tumulto fora do palco, Orfeo olha em volta; imediatamente, a imagem de Euridice começa a desvanecer-se. Ela canta, desesperadamente: “Perdeste-me por muito amor?” e desaparece. Orfeo tenta segui-la, mas é arrastada por uma força invisível. O coro de espíritos canta que Orfeo, tendo vencido o Hades, foi por sua vez vencido pelas suas paixões.

Act 5

Back in the fields of Thrace, Orfeo tem um longo solilóquio no qual lamenta a sua perda, elogia a beleza de Eurídice e resolve que o seu coração nunca mais será trespassado pela seta de Cupido. Um eco fora do palco repete as suas frases finais. De repente, em uma nuvem, Apolo desce dos céus e o castiga: “Por que te entregas como presa à raiva e ao sofrimento?” Ele convida Orfeo a deixar o mundo e juntar-se a ele nos céus, onde reconhecerá a semelhança de Eurídice nas estrelas. Orfeo responde que seria indigno não seguir o conselho de um pai tão sábio, e juntos ascendem. Um coro de pastores conclui que “aquele que semeia em sofrimento colherá o fruto de toda graça”, antes que a ópera termine com uma vigorosa moresca.

Original Libretto Terminando

No libreto de Striggio de 1607, o solilóquio do Acto 5 de Orfeo é interrompido, não pela aparência de Apolo mas por um coro de maenadas ou Bacchantes – mulheres selvagens e bêbadas – que cantam a “fúria divina” do seu mestre, o deus Baco. A causa de sua ira é Orfeo e sua renúncia às mulheres; ele não escapará de sua ira celestial, e quanto mais tempo ele as evitar, mais severo será seu destino. Orfeo deixa a cena e seu destino é deixado incerto, pois os Bacchantes se dedicam para o resto da ópera a cantar e dançar selvagem em louvor a Baco. Claude Palisca acredita que os dois finais não são incompatíveis; Orfeo foge da fúria dos Bacchantes e é então resgatado por Apollo.