映画製作に参入しようとする俳優なら、初回から過度に野心的なものに手を出すことは避けると思うだろう。 簡単なセット、シンプルなストーリー、少数の中心人物など、映画制作の才能を発揮するための手段として、比較的リスクの少ないものがいいかもしれない。 しかし、ウディ・ハレルソンとなれば、そのルールは通用しない。 例えば、彼の監督デビュー作『Lost in London』です。
彼はこの作品をワンテイクで撮影し、彼の人生で実際に起こった出来事をベースにすることに決めただけでなく、リアルタイムでライブ撮影された。つまり、ちょっとした失敗やミスがあれば、ウディの初めての映画は永遠に汚されることになるのだ。
Luckily Lost in Londonは成功に終わり、カメラの前でも後ろでもウディの才能を証明することになった。 昨年放送された「Lost in London」を見逃した方は、現在デジタルHDとHuluで視聴することができます。
エネルギーが伝わってきますね。 ウディはその境界線を押し広げるのではなく、断片的に粉砕してしまったのです。 問題は、それがあなたに考えさせるかどうかです。
おそらく、このような野心的なプロジェクトが巧みに実行されるのを見て、インスピレーションを受け、何でも可能だと思うようになったのではないでしょうか。 これだけコンテンツが溢れている現代では、映画作家にとって、他と差をつけ、独自のエッジを効かせることは必須条件です。
そこで、『LOST IN LONDON』と同じように境界線を押し広げた実験的な映画を10本、ランキング形式で紹介します。 インスピレーションはどこにでもある！
Boyhood (2014)
リチャード・リンクレイター監督の青春インディードラマで、メイソン・ジュニアの子供時代と思春期が描かれています。 (エラー・コルトレーン)がテキサスで離婚した両親(パトリシア・アークエット & イーサン・ホーク)のもとで育つ6歳から18歳までを描いたものです。 私たちは実際の映画自体の大ファンではありませんが、リンクレイターが野心的なプロジェクトに他ならないものを提供したことは否定できないので、「Boyhood」は言及に値すると考えています。
この映画を特別なものにしているのは、彼が本当に成長についての映画を作ることができるように、12年間かけて行われた制作です。 監督は年単位で物語を書き、発展させ、過去のクリップをインスピレーションとして物語やキャラクター展開を形作り、作り上げ、特殊効果やメイクアップを使うことなく全編同じ俳優を使い続けることができた。
The One I Love (2014)
おいしく暗いひねりを加えたロマコメ、The One I Loveは美しい避暑地へ避難した悩めるカップル（片方はマーク・デュプラス演じる）を中心に、奇妙な状況により彼らの関係がさらに複雑になってしまう。
カップルのもう片方を演じるエリザベス・モス（『ハンドメイド・テイル』）は複雑で珍しい役柄で、『クリープ』のデュプラスは絶好調だ。 しかし、このインディーズ・フリックを本当に高めているのは、台詞が即興で作られたという事実だ。 IndieWireのインタビューでデュプラスは、チームが使用したさまざまなタイプの即興について説明している。
この映画で使用した脚本は、非常に詳細で、高度にプロットされたもので、それは50ページのアウトラインです。 しかし、台詞は書かれていないので、映画の中の台詞はすべて即興です。 自分の動機やシーンの軌跡をできるだけ有機的に表現し、サプライズを使って、シーンの中で自分と反対側の人が怠けたり踵を返したりしないようにすることで、リハーサルよりも少し自然な感じになればいいと思っています。
Tangerine (2015)
ショーン・ベイカー監督の『Tangerine』（クリスマスイブのティンセルタウンで、自分の心を傷つけたヒモを探す娼婦を描く）は、LGBTQIコミュニティから偉業として称賛されただけでなく、この映画の少ない予算に合わせてiPhone 5Sのみを使って撮影されました。 ベイカー氏がThe Vergeに語ったところによると、彼と彼のチームは3種類のiPhone、8ドルのアプリFilmic Pro、ステディカム、いくつかのアダプターレンズを使用したそうで、それだけです。
俳優のジェームズ・ランソン（シニスター）は、この映画の撮影の鍵は、伝統的な映画制作に精通したチームを持つことだと指摘します。 「編集がどのように行われるかを知っておく必要があります。 そう、わずかな予算で美しい外観の映画を作ることはできるが、100年分の映画作りを知らなければならない」
Playtime (1967)
フランス人映画監督ジャック・タチ（『ムッシュ・フローの休日』）の代表作。この大胆なコメディ映画の制作費は非常に高く、タチが金銭的に実現するために出費した額をカバーしようとするなら、広く成功を収めなければならなかった。 “残念ながらこの映画は商業的な成功には至らず、タチは破産してしまったが、この映画は実に技術的、芸術的な偉業である “とTaste of Cinemaは指摘している。
70mmで撮影され、極端にワイドなショットに仕上げた『プレイタイム』は、タチがこの映画のために作った巨大セットと、監督のトレードマークである繊細かつ複雑なビジュアル・コメディと革新的な音響効果が特徴的である。
「（主人公の）ムッシュー・ヒュロの大混乱を表現するギャグのために、セットは慎重に設計され、印象的な秩序と精密さが作り込まれたものだ。 この映画にはクローズアップがなく、完璧に構成され振り付けられたワイドショットのみだ」
Unsane (2018)
映画監督スティーヴン・ソダーバーグがリストに入ったのは、長編デビュー作『セックスと嘘とビデオテープ』でインディー映画の新しい波を切り開き、以来、最も大胆で予測不能、刺激的な映画監督の1人として評判になっている人である以上当然といえるだろう。
ソダーバーグの最も顕著な功績の1つは、スリラー映画『アンセイン』でホラー・ジャンルに進出したことである。 彼は全編をiPhoneで撮影しただけでなく、わずか2週間でこの作品を完成させました。 5632>
The Holy Mountain (1973)
Alejandro Jodorowsky’s surrealist epic premier two years after El Topo and compared to his former film, The Holy Mountain is a far more ambitious and complete work ⧏35⧐ ElTopoと比較して、この作品は遥かに野心的で完成度が高い。 腐敗し、欲にまみれた世界で強力な錬金術師が、キリストのような人物と7人の物質主義的な人物を聖なる山へと導き、そこで悟りを開こうとするのが中心となっているのです。
この作品は、心を揺さぶる旅であり、その多くの象徴的なメッセージを読み解くという点では、かなりの坂を登らなければならないが、はっきりしているのは、ホドロフスキーほど、自分の傑作を支えるために、グロテスクでシュールで象徴的で幻覚的なイメージを供給することに尽力した映画監督はほとんどいなかったということである。
主要キャストも同様に、アリカ研究所のオスカー・イチャゾの指導で3ヶ月間さまざまな精神修養を行い、監督は死と再生のシーンの撮影では俳優たちにシロシビン・マッシュルームを投与したそうです。
映画を観るとその効果は一目瞭然で、視覚的にも、物語的にも、そして精神的にも、この世のものとは思えないような悟りのような体験ができるのです。 キャッチフレーズにあるように、「あなたの教育や経験の中で、この映画のために準備できるものは何もない」のです。5632>
Irréversible (2002)
作家ギャスパー・ノエの『Irréversible』は、しばしば「シネマ・デュ・コルプ（身体の映画）」と関連づけられるその実験的スタイルにおいて野心的で、物語の減衰、攻撃的な撮影、刺激的な題材、蔓延する社会的ニヒリズムといった特定のアバンギャルド作品と親和的であると言われている。
『Irréversible』はそのような特徴を体現していると言ってよいでしょう。 ノエはカメラ技術、音響、物語を実験し、12枚の切れ目のないショットを融合させながら物語を紡いでいった。 上映時間のうち1時間は、吐き気と不安の状態を作り出すための低周波音で、物語は逆時系列で進行します。
David Sterrittがその小説『Guiltless Pleasures』で述べているように。 Irréversible』は、単に逆から語られる物語ではなく、時間の性質についての複雑な研究であると、デイヴィッド・スターリット（David Sterritt）は述べています。 「その監督は因果関係よりも、時間の形そのものに興味があるのだ」。 この話題についてノエ監督自身は、”構成はすべて面白く、カメラワークもエネルギーに満ちているが、本当は愛する人を失うことについて描いている “と述べています。
今日に至るまで、Irréversibleはこれまでに作られた映画の中で最も意見の分かれるものの一つであるが、ほとんどの人が同意できることの一つは、ノエが枠にとらわれず、自分のスタイルテクニックで革新することを恐れないことだ。
Metropolis (1927)
フリッツ・ラングのMetropolisが時代の先をいっていたと言えば、控えめに言ってもそうだ。ディストピア都市の階級戦争についての重要なストーリーをもつMetropolisは史上最初のSF映画と見なされている。
今日に至るまで、映像作家、監督、ファッション・アーティスト、セット・デザイナーにインスピレーションを与えているこのサイレント・ドイツ表現主義の未来映画は、「スター・ウォーズ」の C3PO のデザインに直接影響を与えたフォルス・マリアのロボットのデザインとバイオメカニクスにより、スクリーン上の AI の本当に重要な例であり続けています。
Lang は、アールデコ、ゴシック、機能主義モダニズムなどのスタイルの影響を映画に与えながら、巨大なゴシック様式の大聖堂から近未来の都市景観まで、精巧な特殊効果やセット デザインを開発した。
一方、撮影監督は『ドラキュラ』のカール・フロイントと『永遠の音色』のグンター・リタウで、ドイツ表現主義の技術を多用して撮影し、作曲家のゴットフリート・フッパーツ（『ニーベルング：ジークフリート』）はリチャード・ワーグナーやリチャード・シュトラウスからインスピレーションを得て、大オーケストラとともに独特のスコアを作り上げました。
この映画の細部に至るまで細心の注意が払われなかったことはなく、それゆえこの映画はSFの歴史において最も重要な映画のひとつとなっている。
2001年宇宙の旅（1968）
スタンリー・キューブリックの代表作は50年前かもしれないが、今でも当時と同様に新鮮に感じる。 SFのあり方を一変させたこの作品は、SFというジャンルが進化、存在、人工知能といった重いテーマを扱うことができ、また扱うべきものであることを示した。
この映画は「非言語的」体験であり、2時間19分の映画のうち、セリフは40分弱しかない。キャラクター開発に次いで、キューブリックは機械の製造と特殊効果の実現に執念を燃やしている。
テイスト・オブ・シネマによれば、「骨と宇宙船の間の伝説的なカットであれ、星間航海であれ、キューブリックは映画の力をすべて使って、一人の人物ではなく、全人類の物語を語った」
という。