Luulisi, että jokainen näyttelijä, joka haluaa murtautua elokuvantekoon, välttäisi menemästä mihinkään liian kunnianhimoiseen elokuvaan ensimmäisellä kerralla. Ehkä helppoja lavasteita, yksinkertaisia tarinoita, muutama keskeinen hahmo – jotain suhteellisen riskitöntä, joka toimii välineenä elokuvantekotaitojen esittelyyn. Woody Harrelsonin kohdalla säännöt eivät kuitenkaan päde. Esimerkkinä mainittakoon hänen ohjaajadebyyttinsä Lost in London.
Ei pelkästään se, että hän päätti kuvata sen yhdellä otolla ja perustaa sen tositapahtumiin omasta elämästään, vaan se kuvattiin livenä reaaliajassa – mikä tarkoitti, että mikä tahansa pieni moka, mikä tahansa virhe, ja Woodyn kaikkien aikojen ensimmäinen elokuva olisi ikuisesti tahriintunut.
Luckily Lost in London osoittautui menestykseksi – todellinen todiste Woodyn kyvyistä sekä kameran edessä että takana. Jos et nähnyt sitä, kun se esitettiin viime vuonna, Lost in London on nyt katsottavissa Digital HD:llä ja Hulussa. Katso tämä klippi:
Energia on käsin kosketeltavissa. Sen sijaan, että Woody olisi puskenut niitä rajoja, hän on murskannut ne palasiksi. Kysymys kuuluu: onko se saanut sinut ajattelemaan?
Ehkä näin kunnianhimoisen ja hienovaraisesti toteutetun projektin näkeminen on inspiroinut sinua ja saanut sinut ajattelemaan, että kaikki on mahdollista. Nykyaikana on tarjolla niin paljon sisältöä, että elokuvantekijän on välttämätöntä erottua joukosta ja olla ainutlaatuinen.
Jotta saisit mielikartat liikkeelle ja luovan mehun virtaamaan, tässä on rankattu lista kymmenestä muusta kokeellisesta elokuvasta, jotka ovat työntäneet näitä rajoja samalla tavalla kuin Lost in London. Inspiraatiota on kaikkialla!
Boyhood (2014)
Richard Linklaterin coming-of-age indie-draama esittelee lapsuuden ja nuoruuden Mason Jr. (Ellar Coltrane) kuusivuotiaasta kahdeksantoistavuotiaaksi hänen kasvaessaan Teksasissa eronneiden vanhempien (Patricia Arquette & Ethan Hawke) kanssa. Vaikka emme olekaan suuria faneja itse elokuvasta, mielestämme Boyhood ansaitsee maininnan, sillä Linklater on kiistatta toimittanut projektin, joka oli suorastaan kunnianhimoinen.
Tuotanto on se, mikä tekee tästä elokuvasta erityisen, sitä toteutettiin kahdentoista vuoden ajan, jotta hän voisi todella luoda elokuvan aikuistumisesta. Ohjaaja kirjoitti ja kehitti tarinaa vuosittain ja käytti edellisiä klippejä inspiraationa muotoillessaan ja muotoillessaan kerrontaa ja hahmojen kehitystä, mikä mahdollisti sen, että hän pystyi pitämään samat näyttelijät koko elokuvan ajan ilman, että hänen olisi tarvinnut käyttää erikoistehosteita tai maskeerausta.
The One I Love (2014)
Romekomedia herkullisen synkällä käänteellä, The One I Love keskittyy vaikeuksissa olevaan pariskuntaan (toista puoliskoa näyttelevä Mark Duplass), kun he lomailevat kauniille lomamaisemalle, ja vain oudot olosuhteet mutkistavat heidän suhdettaan lisää.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) pariskunnan toisena puoliskona on monimutkainen ja epätavallinen rooli, kun taas Duplass (Creep) on huippukunnossa. Mutta mikä todella nostaa tätä indie-elokuvaa on se, että dialogi on improvisoitu. IndieWiren haastattelussa Duplass selitti, millaista erilaista improvisaatiota tiimi käytti:
Käsikirjoitus, jota käytimme tässä elokuvassa, on hyvin yksityiskohtainen, hyvin piirretty – se on 50-sivuinen hahmotelma . . . Mutta dialogia ei ole kirjoitettu, joten jokainen dialogi elokuvassa on improvisoitua … Olette vain mahdollisimman orgaanisia motiivienne ja kohtauksen kulun suhteen ja käytätte yllätyksiä, jotta vastapuolellanne oleva henkilö ei laiskottelisi ja lepäisi kannoillaan, joten se voi toivottavasti tuntua hieman spontaanimmalta kuin jos se olisi harjoiteltu.
Tangerine (2015)
Sean Bakerin Tangerinea (joka kertoo huorasta, joka repii jouluaattona Tinseltownin halki etsien sutenööriä, joka särki hänen sydämensä) ylistettiin LGBTQI-yhteisön urotekona, mutta se myös kuvattiin pelkästään iPhone 5S:llä elokuvan pienen budjetin vuoksi. Baker kertoi The Verge -lehdelle, että hän ja hänen tiiminsä käyttivät kolmea eri iPhonea, kahdeksan dollarin hintaista Filmic Pro -sovellusta, Steadicamia ja joitakin adapterilinssejä – ja siinä kaikki, ihmiset!
Näyttelijä James Ransone (Sinister) huomautti, että avain elokuvan kuvaamiseen oli perinteiseen elokuvantekoon perehtynyt tiimi. ”Pitää silti tietää, miten editointi toimii. Kyllä, voit tehdä kauniin näköisen elokuvan pienellä budjetilla, mutta sinun täytyy tuntea sadan vuoden ajan elokuvantekoa.”
Playtime (1967)
Ranskalaisen elokuvantekijän Jacques Tatin (Monsieur Hulot’n loma) mestariteos, tämän rohkean komedian tuotantokustannukset olivat niin korkeat, että sen täytyi menestyä laajasti, jos se halusi kattaa sen summan, jonka Tati oli pussittanut tehdäkseen elokuvasta taloudellisesti kannattavan. ”Valitettavasti elokuva ei ollut kaupallinen menestys, ja Tati päätyi konkurssiin, mutta elokuva oli todellakin tekninen ja taiteellinen saavutus”, totesi Taste of Cinema.
70 mm:ssä kuvattu ja äärimmäisen laajoilla otoksilla toteutettu Playtime on tunnettu valtavasta lavastuksestaan, jonka Tati oli rakentanut erityisesti elokuvaa varten, sekä ohjaajan tavaramerkiksi muodostuneesta hienovaraisen mutta monimutkaisen visuaalisen komiikan ja innovatiivisten äänitehosteiden käytöstä.
”Lavasteet on suunniteltu ja valmistettu huolella niitä gageja varten, joissa (päähenkilö) Monsieur Hulot’n kaaos esitetään, ja vaikuttava järjestys ja tarkkuus. Elokuvassa ei ole lähikuvia, vain täydellisesti sommiteltuja ja koreografioituja laajakuvia.”
Unsane (2018)
Ei ole yllätys, että listalle on päässyt elokuvaohjaaja Steven Soderbergh, joka aloitti indie-elokuvan uuden aallon elokuvadebyytillään Sex, Lies and Videotape ja on sittemmin ansainnut maineensa yhtenä uskaliaimmista, arvaamattomimmista ja jännittävimmistä elokuvaohjaajista.
Yksi Soderberghin merkittävimmistä saavutuksista oli hänen viimeaikainen matkansa kauhugenreen trillerillä Unsane. Hän paitsi kuvasi koko elokuvan iPhonella, myös teki sen vain kahdessa viikossa. Merkittävistä rajoituksista huolimatta Soderbergh onnistui mainiosti – elokuva sai lämpimät arvostelut ensi-iltansa jälkeen tämän vuoden Berlinalessa ja osoitti, mihin nykypäivän arkipäiväisillä vempaimilla voi venyttää tyylin rajoja valkokankaalla.
Pyhä vuori (1973)
Alejandro Jodorowskyn surrealistinen eepos sai ensi-iltansa kaksi vuotta El Topon jälkeen ja edelliseen elokuvaan verrattuna Pyhä vuori on paljon kunnianhimoisempi ja kokonaisvaltaisempi teos. Sen keskiössä on korruptoituneessa, ahneuden lietsomassa maailmassa vaikuttava alkemisti, joka johdattaa kristuksen kaltaisen hahmon ja seitsemän materialistista hahmoa Pyhälle vuorelle, jossa he toivovat saavuttavansa valaistumisen.
Se on tajunnanräjäyttävä matka ja melkoinen mäki kiivetä sen monien symbolisten viestien tulkitsemiseksi, mutta kristallinkirkasta on se, että harva elokuvantekijä on ollut yhtä sitoutunut kuin Jodorowsky toimittamaan groteskia, surrealistista, symbolista ja hallusinatorista kuvaa mestariteoksensa kannattelemiseksi.
Vaikka useimmat valmistautuisivat ennen pääkuvausten alkua varmistamalla, että heidän laitteensa ja tiiminsä ovat kunnossa, tekijä ja hänen vaimonsa viettivät viikon nukkumatta japanilaisen zen-maisterin opastuksen johdatuksella.
Keskeisen näyttelijäkaartin jäsenet viettivät vastaavasti kolme kuukautta erilaisten henkisten harjoitusten parissa Arica-instituutin Oscar Ichazon opastuksella, ja ohjaaja myös annosteli psilosybiinisieniä näyttelijöille kuolema-syntymiskohtauksen kuvausten aikana.
Tekniikoiden vaikutus on käsin kosketeltavissa elokuvaa katsottaessa, ja ne huipentuvat luomaan valaistuneen kokemuksen, joka tuntuu visuaalisesti, kerronnallisesti ja henkisesti tämän maailman ulkopuolelta. Kuten mainoslauseessa sanotaan: ”Mikään koulutuksessasi tai kokemuksessasi ei ole voinut valmistaa sinua tähän elokuvaan.”
Irréversible (2002)
Auteur Gaspar Noén Irréversible on kunnianhimoinen kokeellisessa tyylissään, joka liitetään usein cinéma du corpsiin (ruumiin elokuvaan), jolla on tiettävästi yhtäläisyyksiä joidenkin avantgardististen tuotantojen kanssa, kuten vaimea kerronnan käyttö, hyökkäävä elokuvakuvaus, provokatiivinen aihepiirin aineisto ja läpitunkeva yhteiskunnallisen nihilismin tunne.
Voidaan sanoa, että Irréversible ilmentää tällaisia piirteitä. Noé kokeili kameratekniikoita, ääntä ja kerrontaa kutoen tarinaa kymmenillä toisiinsa sulautetuilla katkeamattomilla otoksilla. Tunnin verran elokuvan kestosta käytettiin matalataajuista ääntä pahoinvoinnin ja ahdistuksen tilan luomiseksi, ja kerronta käyttää käänteistä kronologiaa.
Kuten David Sterritt totesi romaanissaan Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, Irréversible ei ole vain takaperin kerrottu tarina, vaan monimutkainen tutkimus ajan luonteesta. ”Sen ohjaajaa ei kiinnosta niinkään syy ja seuraus kuin itse ajan muoto.” Aiheesta puhuessaan Noé itse totesi: ”Rakenne on ihan hauska ja kameratyöskentely on täynnä energiaa, mutta todellisuudessa se kertoo rakkaansa menettämisestä.”
Tänä päivänä Irréversible on edelleen yksi kaikkien aikojen kiistanalaisimmista elokuvista, mutta yhdestä asiasta useimmat voivat olla yhtä mieltä: Noé ei pelkää työskennellä laatikon ulkopuolella ja innovoida tyylillisiä tekniikoitaan.
Metropolis (1927)
Kun sanoisi, että Fritz Langin Metropolis oli aikaansa edellä, se olisi vähättelyä – merkittävää tarinaa luokkasodankäynnistä dystooppisessa kaupungissa pidetään ensimmäisenä tieteiselokuvana koskaan.
Se inspiroi kuvataiteilijoita, ohjaajia, muotitaiteilijoita ja lavastussuunnittelijoita vielä tänäkin päivänä, ja mykkä saksalainen ekspressionistinen tulevaisuuselokuva on edelleen todella olennainen esimerkki tekoälystä valkokankaalla Väärä Maria -robotin muotoilun ja biomekaniikan ansiosta, sillä se vaikutti myöhemmin suoraan C3PO:n muotoiluun Tähtien sodassa.
Lang kehitti erilaisia taidokkaita erikoistehosteita ja lavasteita valtavasta goottilaisesta katedraalista futuristiseen kaupunkikuvaan ja täytti samalla elokuvan tyylillisillä vaikutteilla art decosta goottilaisuuteen ja funktionalistiseen modernismiin.
Kuvaajat Karl Freund (Dracula) ja Gunther Rittau (Ikuinen sävy) tukeutuivat elokuvan kuvauksissa vahvasti saksalaisen ekspressionismin tekniikoihin, ja säveltäjä Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) ammensi inspiraatiota Richard Wagnerista ja Richard Straussista luodakseen ainutlaatuisen partituurin, joka oli koottu suuren orkesterin kanssa.
Tässä elokuvassa ei ole yhtään yksityiskohtaa, jota ei olisi mietitty pikkutarkasti, minkä vuoksi se on edelleen yksi tieteiselokuvien historian tärkeimmistä elokuvista.
2001: Avaruusodysseia (1968)
Stanley Kubrickin mestariteos on ehkä 50 vuotta vanha, mutta se tuntuu yhä yhtä tuoreelta nyt kuin silloin. Elokuva, joka todella muutti science fictionin kasvot ikuisiksi ajoiksi, osoitti, että genre voi ja sen pitääkin käsitellä raskaampia teemoja evoluutiosta, olemassaolosta ja tekoälystä.
Elokuva on ”sanaton” kokemus – kahden tunnin ja yhdeksäntoista minuutin pituisesta elokuvasta on vain hieman alle neljäkymmentä minuuttia dialogia – ja hahmokehityksen ohella Kubrick käytti pakkomielteistä huolellisuutta koneidensa rakentamiseen ja erikoistehosteiden aikaansaamiseen.
Kuten Taste of Cinema asian ilmaisi: ”Olipa kyse sitten legendaarisesta leikkauksesta luun ja avaruusalusten välillä tai tähtienvälisestä matkasta, Kubrick käytti elokuvan koko voimaa kertoakseen tarinan ei yhdestä ainoasta hahmosta vaan koko ihmiskunnasta.”