Musiikki 101

Olette jo tutustuneet Claudio Monteverdiin, jonka musiikki sijoittuu myöhäisrenessanssin ja varhaisbarokin välimaastoon. Nyt tutustutaan yhteen hänen merkittävimmistä sävellyksistään, L’Orfeoon, ensimmäiseen mestariteoksena pidettyyn oopperaan.

Esittely

L’Orfeo (SV 318), jota joskus kutsutaan nimellä La favola d’Orfeo (suomeksi La favola d’Orfeo), on Claudio Monteverdin varhaisbarokkia edustava musiikillinen favola in musica eli ooppera (jota joskus pidetään myöhäisrenessanssiaikaisena), jonka libreton on laatinut Alessandro Striggio. Se perustuu kreikkalaiseen taruun Orfeuksesta ja kertoo hänen laskeutumisestaan Haadekseen ja hänen tuloksettomasta yrityksestään tuoda kuolleen morsiamensa Eurydike takaisin elävään maailmaan. Se kirjoitettiin vuonna 1607 hovin esitystä varten Mantovan vuotuisten karnevaalien aikana. Kaikkien aikojen ensimmäisen oopperan kunnia kuuluu Jacopo Perin Dafnelle, ja varhaisin säilynyt ooppera on Euridice (myös Perin kirjoittama), mutta L’Orfeo on kuitenkin varhaisin säilynyt ooppera, jota esitetään säännöllisesti vielä nykyäänkin.

Seitsemännentoista vuosisadan alkupuolella perinteinen intermedio – musiikkijakso suoraviivaisen näytelmän näytösten välissä – oli kehittymässä täydelliseksi musiikkidraamaksi tai ”oopperaksi”. Monteverdin L’Orfeo siirsi tämän prosessin pois kokeiluaikakaudelta ja tarjosi ensimmäisen täysin kehittyneen esimerkin uudesta genrestä. Ensiesityksensä jälkeen teos esitettiin uudelleen Mantovassa ja mahdollisesti myös muissa Italian keskuksissa lähivuosina. Monteverdi julkaisi sen partituurin vuonna 1609 ja uudelleen vuonna 1615. Säveltäjän kuoltua vuonna 1643 oopperaa ei esitetty monta vuotta, ja se unohtui suurelta osin, kunnes kiinnostus heräsi 1800-luvun loppupuolella ja johti lukuisiin nykyaikaisiin painoksiin ja esityksiin. Aluksi nämä olivat yleensä instituuttien ja musiikkiyhdistysten näyttämöimättömiä versioita, mutta Pariisissa vuonna 1911 toteutetun ensimmäisen modernin dramatisoidun esityksen jälkeen teosta alettiin nähdä yhä useammin teattereissa. Toisen maailmansodan jälkeen useimmat uudet painokset pyrkivät aitouteen käyttämällä aikakauden soittimia. Monia äänitteitä julkaistiin, ja oopperaa esitettiin yhä useammin oopperataloissa. Vuonna 2007 ensi-illan neljännesvuosipäivää juhlistettiin esityksillä eri puolilla maailmaa.

Julkaisemassaan partituurissa Monteverdi luettelee noin 41 käytettävää soitinta, ja eri soitinryhmiä käytetään kuvaamaan tiettyjä kohtauksia ja hahmoja. Niinpä jouset, cembalot ja blurut edustavat Traakian pastoraalisia peltoja nymfeineen ja paimenineen, kun taas raskaat vaskipuhaltimet havainnollistavat alamaailmaa ja sen asukkaita. L’Orfeo on sävelletty renessanssista barokkiin siirtymävaiheessa, ja siinä käytetään kaikkia tuolloin tunnettuja musiikkitaiteen keinoja, ja siinä käytetään erityisen rohkeasti polyfoniaa. Teosta ei ole sinänsä orkestroitu; renessanssin perinteessä soittajat seurasivat säveltäjän yleisiä ohjeita, mutta heille annettiin huomattava vapaus improvisoida. Tämä erottaa Monteverdin teoksen myöhemmästä oopperakaanonista ja tekee jokaisesta L’Orfeon esityksestä ainutlaatuisen yksilöllisen tilaisuuden.

Historiallinen tausta

Cremonassa vuonna 1567 syntynyt Claudio Monteverdi oli musiikillinen ihmelapsi, joka opiskeli Cremonan katedraalin maestro di cappellan (musiikinpäällikön) Marc’Antonio Ingegnerin johdolla. Laulu-, jousisoitin- ja sävellyskoulutuksen jälkeen Monteverdi työskenteli muusikkona Veronassa ja Milanossa, kunnes hän sai vuonna 1590 tai 1591 assuonatore di vivuolan (viulunsoittajan) viran herttua Vincenzo Gonzagan hovissa Mantovassa. Kyvykkyytensä ja ahkeruutensa ansiosta Monteverdi nousi Gonzagan maestro della musicaksi (musiikin mestariksi) vuonna 1601.

Vincenzo Gonzagan erityinen intohimo musiikkiteatteria ja spektaakkelia kohtaan kasvoi hänen perheensä yhteyksistä Firenzen hoviin. 1500-luvun loppupuolella innovatiiviset firenzeläiset muusikot kehittivät intermedioa – pitkään vakiintunutta musiikillista välikappaletta, joka liitettiin puhuttujen näytelmien näytösten väliin – yhä taidokkaampiin muotoihin. Jacopo Corsin johdolla nämä maineikkaan Cameratan seuraajat olivat vastuussa ensimmäisestä teoksesta, jonka yleisesti tunnustettiin kuuluvan oopperan lajityyppiin: Dafne, jonka Corsi ja Jacopo Peri sävelsivät ja joka esitettiin Firenzessä vuonna 1598. Teoksessa yhdistettiin madrigaalilaulun ja monodian elementtejä tanssiin ja instrumentaalikohtauksiin muodostaen dramaattisen kokonaisuuden. Sen musiikista on säilynyt vain fragmentteja, mutta useat muut firenzeläiset teokset samalta aikakaudelta – Emilio de’ Cavalierin Rappresentatione di Anima, et di Corpo, Perin Euridice ja Giulio Caccinin samanniminen Euridice – ovat säilyneet kokonaan. Nämä kaksi viimeksi mainittua teosta olivat ensimmäiset monista Ovidin Metamorfoosissa kerrotun Orfeus-myytin musiikillisista esityksistä, ja sellaisenaan ne olivat Monteverdin L’Orfeon suoria edeltäjiä.

Gonzagan hovilla oli pitkä historia dramaattisen viihteen edistämisessä. Vuosisata ennen herttua Vincenzon aikaa hovi oli lavastanut Angelo Polizianon lyyrisen draaman La favola di Orfeo, josta ainakin puolet oli laulettu eikä puhuttu. Vuonna 1598 Monteverdi oli auttanut hovin musiikkilaitosta tuottamaan Giovanni Battista Guarinin näytelmän Il pastor fido, jota teatterihistorioitsija Mark Ringer kuvailee ”käänteentekeväksi teatteriteokseksi”, joka innoitti italialaista pastoraalidraaman villitystä. Vieraillessaan Firenzessä 6. lokakuuta 1600 Maria de’ Medicin ja Ranskan kuningas Henrik IV:n häiden vuoksi herttua Vincenzo osallistui Perin Euridice-näytelmään. On todennäköistä, että hänen tärkeimmät muusikkonsa, Monteverdi mukaan luettuna, olivat myös läsnä tässä esityksessä. Herttua huomasi nopeasti tämän uuden draamallisen viihdemuodon uutuuden ja sen potentiaalin tuoda arvovaltaa niille, jotka olivat valmiita sponsoroimaan sitä.

Sävellys

Kun Monteverdi kirjoitti musiikkia L’Orfeoon, hänellä oli perusteellinen perusta teatterimusiikista. Hän oli työskennellyt Gonzagan hovissa 16 vuotta, joista suuren osan näyttämömusiikin esittäjänä tai sovittajana, ja vuonna 1604 hän oli säveltänyt Gli amori di Diane ed Endimone -ballon Mantovan karnevaaleja 1604-05 varten. Elementit, joista Monteverdi rakensi ensimmäisen oopperapartituurinsa – aaria, strofinen laulu, resitatiivi, kuorot, tanssit, dramaattiset musiikilliset välikappaleet – eivät olleet Monteverdin luomia, kuten kapellimestari Nikolaus Harnoncourt on huomauttanut, vaan ”hän sekoitti koko uusimpien ja vanhempien mahdollisuuksien varannon yhtenäiseksi kokonaisuudeksi, joka oli todellakin uusi”. Musiikintutkija Robert Donington kirjoittaa samoin: ” ei sisällä mitään sellaista elementtiä, joka ei perustuisi edeltäjiin, mutta se saavuttaa täydellisen kypsyytensä tuossa hiljattain kehitetyssä muodossa. . . . Tässä sanat ilmaistaan musiikissa yhtä suoraan kuin ne haluttiin ilmaista; tässä musiikki ilmaisee ne … neron täydellä inspiraatiolla.”

Monteverdi ilmoittaa julkaistun partituurinsa alussa orkesterivaatimukset, mutta ajan käytännön mukaisesti hän ei määrittele niiden tarkkaa käyttöä. Tuohon aikaan oli tapana antaa kullekin teoksen tulkitsijalle vapaus tehdä paikallisia päätöksiä käytettävissään olevien orkesterivoimien perusteella. Nämä saattoivat vaihdella voimakkaasti eri paikoissa. Lisäksi, kuten Harnoncourt huomauttaa, soittajat olivat kaikki säveltäjiä, ja he olisivat odottaneet tekevänsä luovaa yhteistyötä jokaisessa esityksessä sen sijaan, että soittaisivat valmista tekstiä. Toinen tuon ajan käytäntö oli antaa laulajien koristella aarioitaan. Monteverdi kirjoitti joistakin aarioista, kuten Orfeon ”Possente spirito” -aariasta, sekä tavallisia että koristeltuja versioita, mutta Harnoncourtin mukaan ”on ilmeistä, että siellä, missä hän ei kirjoittanut koristeluita, hän ei halunnut, että niitä lauletaan.”

Oopperan jokainen näytös käsittelee yhtä tarinan elementtiä, ja kukin näytös päättyy kertosäkeeseen. Viisinäytöksisestä rakenteesta ja kahdesta kohtausvaihdosta huolimatta on todennäköistä, että L’Orfeo noudatti tuon ajan hovin viihdyttämöissä tavanomaista käytäntöä, ja se esitettiin yhtenäisenä kokonaisuutena ilman väliajoja tai esiripun laskeutumista näytösten välillä. Aikalaisille oli tapana, että kohtausvaihdokset tapahtuivat yleisön nähden, ja nämä vaihdokset heijastuivat musiikillisesti instrumentaation, äänensävyn ja tyylin muutoksina.

Synopsis

Toiminta tapahtuu kahdessa vastakkaisessa paikassa: Traakian pelloilla (1., 2. ja 5. näytös) ja Tuonelassa (3. ja 4. näytös). Instrumentaalinen toccata (englanniksi: tucket, joka tarkoittaa trumpettien kukoistusta) edeltää ”musiikin henkeä” edustavan La musican sisääntuloa, joka laulaa viidestä säkeistöstä koostuvan prologin. Toivotettuaan yleisön tervetulleeksi hän ilmoittaa, että hän voi suloisten äänien avulla ”rauhoittaa jokaisen levottoman sydämen”. Hän laulaa vielä yhden ylistyslaulun musiikin voimalle ennen kuin esittelee draaman päähenkilön, Orfeon, joka ”piti villit pedot lumoissaan laulullaan.”

1. näytös

La musican viimeisen hiljaisuuspyynnön jälkeen 1. näytöksen esirippu nousee ja paljastaa pastoraalisen kohtauksen. Orfeo ja Euridike astuvat sisään yhdessä nymfien ja paimenten kuoron kanssa, jotka toimivat kreikkalaisen kuoron tapaan kommentoiden toimintaa sekä ryhmänä että yksilöinä. Paimen ilmoittaa, että tämä on parin hääpäivä, ja kuoro vastaa siihen ensin kunnioitusta herättävällä kutsulla (”Tule, Hymen, tule”) ja sitten iloisella tanssilla (”Jätä vuoret, jätä lähteet”). Orfeo ja Euridike laulavat rakkaudestaan toisiinsa ennen kuin he lähtevät suurimman osan seurueesta kanssa hääseremoniaan temppeliin. Lavalle jääneet laulavat lyhyen kertosäkeen, jossa he kommentoivat, kuinka Orfeo oli ennen sellainen, ”jolle huokaukset olivat ruokaa ja itku oli juomaa”, ennen kuin rakkaus vei hänet ylevän onnen tilaan.

2. näytös

Orfeo palaa pääkuoron kanssa ja laulaa heidän kanssaan luonnon kauneudesta. Sitten Orfeo miettii entistä onnettomuuttaan, mutta julistaa: ”Surun jälkeen on tyytyväisempi, tuskan jälkeen on onnellisempi.” Tyytyväisyyden tunnelma loppuu äkillisesti, kun La messaggera astuu sisään ja tuo uutisen, että kukkia kerätessään Euridice on saanut kuolettavan käärmeenpureman. Kuoro ilmaisee tuskansa: ”Ah, katkera tapahtuma, ah, jumalaton ja julma kohtalo!” Messaggera taas moittii itseään huonojen uutisten tuojana (”Ikuisesti pakenen ja yksinäisessä luolassa elän suruni mukaista elämää”). Purettuaan surunsa ja epäuskonsa (”Sinä olet kuollut, elämäni, ja minä hengitän?”) Orfeo ilmoittaa aikovansa laskeutua Tuonelaan ja suostutella sen hallitsijan antamaan Euridiksen palata elämään. Muussa tapauksessa hän sanoo: ”Jään kanssasi kuoleman seuraan”. Hän poistuu, ja kuoro jatkaa valitustaan.

3. näytös

Speranza opastaa Orfeon Haadeksen porteille. Osoitettuaan porttiin kaiverretut sanat (”Hylätkää toivo, kaikki te, jotka astutte tänne”) Speranza poistuu. Orfeo kohtaa lautamies Caronten, joka puhuttelee Orfeoa ankarasti ja kieltäytyy viemästä häntä Styx-joen yli. Orfeo yrittää suostutella Caronten laulamalla hänelle imartelevan laulun (”Mahtava henki ja mahtava jumaluus”), mutta lauttamies ei puutu asiaan. Kun Orfeo kuitenkin ottaa lyyransa käteensä ja soittaa sitä, Caronte rauhoittuu ja nukahtaa. Orfeo tarttuu tilaisuuteensa, varastaa lautturin veneen, ylittää joen ja astuu Tuonelaan samalla, kun henkien kuoro pohtii, ettei luonto voi puolustautua ihmistä vastaan: ”Hän on kesyttänyt meren hauraalla puulla ja halveksinut tuulten raivoa.”

4. näytös

Tuonelassa Proserpina, Haadeksen kuningatar, johon Orfeon laulu on vaikuttanut syvästi, anoo mieheltään kuningas Plutonelta Euridiken vapauttamista. Hänen pyynnöstään liikuttuneena Plutone suostuu sillä ehdolla, että Orfeo ei saa katsoa taakseen, kun hän johdattaa Euridicea kohti maailmaa. Jos hän tekee niin, ”yksikin katse tuomitsee hänet ikuiseen menetykseen”. Orfeo astuu sisään, johtaa Euridicea ja laulaa luottavaisesti, että sinä päivänä hän lepää vaimonsa valkoisella rinnalla. Mutta kun hän laulaa, epäilyksen sävy hiipii sisään: ”Kuka vakuuttaa minulle, että hän seuraa minua?” ”Kuka vakuuttaa minulle, että hän seuraa minua?” Ehkä Plutone on kateuden ajamana asettanut ehdon ilkeyttään? Yhtäkkiä Orfeo katsoo ympärilleen, kun lavan ulkopuolinen hälinä häiritsee häntä, ja heti Euridiken kuva alkaa häipyä. Hän laulaa epätoivoisesti: ”Menetätkö minut liiasta rakkaudesta?” ja katoaa. Orfeo yrittää seurata häntä, mutta jokin näkymätön voima vetää hänet pois. Henkien kuoro laulaa, että Orfeo, voitettuaan Haadeksen, joutui puolestaan intohimojensa valtaan.

5. näytös

Takaisin Traakian pelloilla Orfeo pitää pitkän yksinpuhelun, jossa hän valittaa menetystään, ylistää Euridiken kauneutta ja päättää, ettei Amorin nuoli enää koskaan lävistä hänen sydäntään. Näyttämön ulkopuolinen kaiku toistaa hänen viimeiset lauseensa. Yhtäkkiä Apollo laskeutuu taivaalta pilvessä ja rankaisee häntä: ”Miksi annat itsesi raivon ja surun saaliiksi?” ”Miksi annat itsesi raivon ja surun saaliiksi?” Hän kutsuu Orfeon lähtemään maailmasta ja liittymään seuraansa taivaalle, jossa hän tunnistaa Euridiken hahmon tähdistä. Orfeo vastaa, että olisi kelvotonta olla noudattamatta näin viisaan isän neuvoa, ja yhdessä he nousevat ylös. Paimenten kuoro toteaa lopuksi, että ”joka kylvää kärsimykseen, niittää kaiken armon hedelmän”, ennen kuin ooppera päättyy voimakkaaseen morescaan.

Alkuperäinen libreton loppu

Striggion libretossa vuodelta 1607 Orfeon viidennen näytöksen yksinpuhelua ei keskeytä Apollon ilmestyminen vaan maenadien tai bakkhanttien – villien, juopuneiden naisten – kuoro, joka laulaa isäntänsä, jumala Bacchuksen, ”jumalallisesta raivosta”. Heidän vihansa syynä on Orfeo ja hänen luopumisensa naisista; hän ei pääse pakoon heidän taivaallista vihaansa, ja mitä kauemmin hän välttelee heitä, sitä ankarampi hänen kohtalonsa on. Orfeo poistuu näyttämöltä, ja hänen kohtalonsa jää epäselväksi, sillä bakkantit omistautuvat loppuosan oopperasta villiin lauluun ja tanssiin Bacchuksen ylistämiseksi. Vanhan musiikin asiantuntija Claude Palisca uskoo, että nämä kaksi loppua eivät ole ristiriidassa keskenään; Orfeo pakenee bakkhanttien raivoa ja joutuu sitten Apollon pelastamaksi.