Para clasificar los revolucionarios experimentos cubistas realizados por Georges Braque, Picasso y Juan Gris, los historiadores del arte tienden a dividir este movimiento en dos etapas principales llamadas Cubismo Analítico y Sintético. Aunque la primera fase fue bastante innovadora por derecho propio, la segunda fue posiblemente el periodo más imaginativo del arte de las primeras vanguardias, que llevó el movimiento a sus extremos. En general, se considera que el cubismo sintético tuvo lugar entre los años 1912 y 1914. Introdujo muchas alternativas conceptuales nuevas a la estética ya establecida del cubismo. El enfoque analítico anterior se basaba esencialmente en descomponer un objeto en una imagen fragmentaria, mientras que la siguiente fase desarrolló el interés por aplanar la imagen y barrer todo rastro de alusión a un espacio tridimensional.
Para cuando el Cubismo Analítico llegó a su fin, ya había roto las reglas centenarias de la pintura al proporcionar una alternativa a la perspectiva lineal de un solo punto. Sin embargo, cuando el Cubismo Sintético comenzó a establecer su propio conjunto de reglas, la escena artística de Europa fue tomada por sorpresa. El cubismo analítico se centraba en el acto de desmontar o deconstruir un objeto, pero el cubismo sintético se centraba en su construcción o síntesis. Tendía un puente entre la realidad y el arte interpolando literalmente trozos del mundo real en el lienzo. Los trozos de papel auténticos sustituyeron a las representaciones planas pintadas de papel, los cuadernos de música reales sustituyeron a la notación musical dibujada, etc. Al ampliar el movimiento a su segundo y último acto, los autores se dieron a sí mismos la libertad creativa de representar el mundo que les rodeaba como consideraran oportuno.
La invención del collage
Entre otras cosas, el concepto de collage como medio es un resultado directo del cubismo sintético. Esta nueva forma de arte integraba signos y fragmentos de cosas reales y fue fundamental para el desarrollo del movimiento. La primera obra de collage de Picasso, titulada Naturaleza muerta con silla de lona, fue creada en mayo de 1912, mientras que el primer papier collé (traducido como papel pegado) de Braque, titulado Plato de frutas con vidrio, fue creado en septiembre del mismo año. Además de establecer un medio totalmente nuevo que resultará crucial para muchos movimientos del siglo XX, también hay que señalar que el Cubismo Sintético difuminó la línea entre la pintura y la escultura, ya que la mayoría de sus piezas tenían características de relieve dentro de sus composiciones.
Características del Cubismo Sintético
Para comprender plenamente las ideas del Cubismo Sintético, hay que entender también a su precursor. Hay algunas características que parecen ser comunes a todas las obras analíticas. En primer lugar, estas obras aparecen como un intenso entramado de planos y líneas en el que los temas están completamente fracturados. La ilusión de una tercera dimensión es muy importante y se intenta retratar cada tema desde múltiples perspectivas. Se pintan principalmente utilizando una gama limitada de colores oscuros. Además, se utiliza muy poca variación tonal, ya que la coloración general tiende a ser apagada con un tono oscuro similar.
Aunque los pintores del cubismo disfrutaron de un respetable éxito con las piezas subrayadas por las características mencionadas, todo el movimiento cambió alrededor del año 1912. De repente, las complicadas cuadrículas del cubismo analítico desaparecieron por completo. En su lugar, lo que se reveló resultará ser el aspecto más radical del Cubismo Sintético. Como alternativa a la idea de descomponer un objeto existente en una cuadrícula, los autores optaban ahora por construir (o sintetizar) toda su composición desde su mente utilizando materiales y formas poco comunes. En otras palabras, en lugar de observar de cerca un objeto como un violín para interpretar su forma y estructura, los autores creaban una forma similar a la de un violín a partir de su imaginación. Al contrario de recomponer facetas de la imagen original, se trataba de sintetizar estructuras totalmente nuevas. Utilizando los símbolos de la realidad actual, los artistas creaban algo totalmente nuevo, aunque bastante familiar. El cubismo sintético también presentaba una gama totalmente nueva de texturas e incorporaba una gran variedad de materiales extraños. Además, desapareció toda sensación de tridimensionalidad, característica que estuvo bastante presente en la fase inicial del movimiento.
Jugando con la realidad
El proceso de incorporación de retazos de materiales cotidianos como recortes de papel, billetes y carpetas de tabaco a sus composiciones marcó un alejamiento del intelectualismo del cubismo analítico, dirigiendo el rumbo hacia una estética más relajada y lúdica. Tras permitirse la libertad creativa de representar el mundo que les rodeaba de la forma que considerasen oportuna, los pintores del Cubismo Sintético descubrieron un enfoque increíblemente inventivo de la creación de imágenes. Prácticamente ya no había restricciones de ningún tipo, ya que los únicos límites los ponía la cantidad de creatividad que poseían los artistas. Estos autores, especialmente Braque y Picasso, utilizaban fragmentos de collage junto con dibujos o partes pintadas de sus obras. Por ejemplo, podían colorear un trozo de una revista real para representar un periódico real dentro de las composiciones, pero colocarlo junto a una botella completamente dibujada al carboncillo. Sin embargo, un artista también podía dar forma a dicha botella con recortes. Curiosamente, fue esta imitación de superficies y texturas lo que le valió a la última fase del cubismo su prefijo: sintético. Se suponía que era un indicador de cómo se podía utilizar algo artificial para describir un material dentro de una imitación de otra cosa.
El supuesto inicial que ayudó a dar forma al Cubismo Sintético fue la idea de introducir elementos físicos que pretendían hacer que las imágenes parecieran más reales. El uso de trozos y piezas de la basura cotidiana era un asalto intencionado a la alteza de miras de lo que se percibía como bellas artes en aquella época. Al incluir estos elementos en obras de arte respetadas, los artistas cubistas sugerían que el arte podía hacerse con tijeras y pegamento con la misma eficacia que con pinceles y pintura. Esto supuso una enorme innovación en la época, que impactó definitivamente en el panorama artístico.
Los practicantes y obras de arte más famosos
En el plano conceptual, el Cubismo Sintético dio rienda suelta a la creatividad de cada pintor para que pudiera encontrar su propio proceso de utilización de esta nueva e inventiva forma. Muchos de estos artistas optaron por pintar composiciones de naturalezas muertas, ya que este género era la opción habitual para muchos, pero también hubo composiciones con instrumentos musicales, arlequines y otros temas típicos del cubismo. Todos estos pintores produjeron obras lúdicas, ya que evidentemente era una tendencia común de cualquiera que contribuyera a la fase final del cubismo.
Pablo Picasso
El afamado español realizó su primera pieza de collage sintético en el año de 1911, titulándola como Naturaleza muerta con silla-canto. En ella, el autor incorporó un trozo de hule y una larga cuerda junto a los materiales tradicionales de los que disponía el pintor. El hule pretendía simular los barrotes de la silla y la cuerda hacía las veces de marco. En lugar de representar una silla, en realidad se colocó parte de una silla en la obra y éste fue el aspecto más revolucionario de las composiciones. Aunque Picasso tenía un enfoque lúdico y desenfadado a la hora de realizar esta pieza, Chair-Caning se convirtió en un prototipo de todos los experimentos posteriores de ready-made, teniendo un amplio impacto en Marcel Duchamp. A pesar de que este cuadro es la obra sintética más emblemática de Picasso, su serie llamada Guitarras es la más popular. Para estas obras, utilizó periódicos, hojas de música, papeles pintados, telas diversas, cartón, etc. También incorporó carboncillo, lápiz, óleo, cera, madera y otros objetos prefabricados, como cucharillas. Otras piezas sintéticas más notables de las que fue autor Picasso en su época son La taberna (1914), Pipa, Copa, As de bastos, Botella de bajo, Guitarra, Ma Jolie, Dados (1914), Arlequín (1915), Hombre con pipa (1915) y Tres músicos (1921).
Georges Braque
En cuanto a Georges Braque, el nuevo tipo de creación se manifestó en dos obras. En El portugués (1911), comenzó a experimentar con la mezcla de materiales como el serrín con su pintura con el objetivo de crear texturas interesantes. Era la primera vez que alguien añadía arena a una superficie pictórica para añadir niveles de textura y profundidad. También introdujo el uso de letras estarcidas, una característica que tendrá un gran efecto medio siglo después, cuando empiecen a surgir las intervenciones situacionistas en Francia. Como reacción a la Cátedra-Caning de Picasso, Braque comenzó a utilizar papel de color impreso o decorativo dentro de sus propias composiciones. Su primer uso registrado del papier collé fue en Plato de frutas y vaso (1912). En este cuadro, Braque utilizó trozos de papel pintado recortados y luego sombreó la pieza con pintura rellena de arena. Además de ser una de las obras más importantes del arte sintético, Plato de frutas y vidrio es también un gran indicador de cómo el autor quería alejarse de la naturaleza seria y excesivamente compleja del cubismo analítico. Otros ejemplos de obras sintéticas de Georges son Botella, periódico, pipa y vaso (1913), El violín (1914) y Joven con guitarra (1913).
Juan Gris
Aunque Juan Gris está considerado como el menos significativo y productivo de los dos autores anteriores, aún puede ser calificado como el más poético del movimiento. En el Plato de frutas (1916) de Gris, incorporó todos los conceptos principales del cubismo sintético con gran éxito. Analizando esta obra, es fácil reconocer la forma general de una compota e identificar un par de formas coloreadas como piezas de fruta. También se distinguen el tablero de la mesa y algo que parece ser la sombra del cuenco a la derecha de la base. En La ventana abierta (1917) de Gris, podemos ver una pieza compuesta por formas sencillas en las que predominan los azules suaves, los grises y los blancos modificados. Este es probablemente el mejor ejemplo que muestra exactamente por qué Juan Gris fue y sigue siendo percibido como el poeta del Cubismo Sintético – toda la composición está llena de un estado de ánimo suave y tranquilo que no se puede encontrar en ninguna pieza de Picasso o Braque.
La Influencia del Cubismo Sintético en el Arte
Aunque el estallido de la Primera Guerra Mundial hizo mella en el desarrollo del Cubismo Sintético, muchos artistas continuaron evolucionándolo incluso durante los años de guerra. Desgraciadamente, muchos autores y sus discípulos se encontraban luchando en los frentes y perdiendo la vida en las trincheras de toda Europa, por lo que es justo decir que este acto final del cubismo habría estado mucho más avanzado si su progreso se hubiera producido en tiempos más pacíficos. Picasso fue uno de los autores que evitó el reclutamiento del ejército, por lo que siguió siendo la mente fundamental detrás de los visuales sintéticos durante el resto de su existencia. Aunque las líneas de tiempo son un poco borrosas en este caso, muchos expertos coinciden en que el segmento más innovador del Cubismo Sintético terminó aproximadamente cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en 1914.
Aunque la naturaleza del Cubismo Sintético era bastante animada y caprichosa, la mayoría de los críticos de arte lo tratan con mucha seriedad y le dan una enorme importancia a sus logros. Este periodo de obras de arte cubistas exploró muchos terrenos nuevos que desempeñaron un gran papel dentro de la mayoría de los movimientos de vanguardia que vinieron después. La forma en que trató la composición pictórica, incorporó elementos de medios mixtos, dio rienda suelta a la creatividad del autor y se apoyó en el uso de materiales no convencionales: todas estas características tuvieron un gran eco en el resto del siglo XX. El nuevo vocabulario estilístico y el lenguaje técnico del cubismo sintético sirvieron de punto de partida para una serie de movimientos y escuelas antiartísticas, como el surrealismo y el famoso dadaísmo. También influyó en muchos artistas jóvenes notables, como Jacob Lawrence, Romare Bearden y Hans Hoffman, entre muchos otros. Además, la integración del cubismo sintético entre el arte elevado y el bajo puede considerarse la tesis principal del arte pop, el más joven de los grandes movimientos artísticos del siglo XX. A través de todos estos sucesores espirituales, el legado del Cubismo Sintético está prácticamente grabado en las páginas de la historia del arte y es seguro suponer que toda la escena contemporánea no sería la misma si el estilo cubista tardío no hubiera engendrado una práctica tan imaginativa.
Inventado en el año 1912 durante las investigaciones colaborativas de Braque y Picasso, el cubismo sintético combinaba objetos reales con materiales tradicionales de bellas artes sobre una superficie bidimensional. El siglo sintético: El collage del cubismo al postmodernismo es una fantástica mirada a cómo y por qué surgió el cubismo sintético. Analiza su historia y sus practicantes, así como las ideas que hay detrás de este movimiento, posiblemente el más revolucionario de las primeras vanguardias artísticas. El siglo sintético: Collage from Cubism to Postmodernism también presenta a los lectores varios ejemplos de piezas sintéticas, lo que permite a todos los interesados ver de primera mano cómo son estas obras de arte y qué significan exactamente. Además de dedicar muchas páginas al análisis del cubismo sintético e investigar cómo se utilizó el collage para idear sus conceptos, este libro también examina lo influyente que fue la última etapa de Braque y Picasso para el resto del arte del siglo XX.
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- Hodermarsky, E., Synthetic Century: Collage from Cubism to Postmodernism, Yale University Art Gallery, 2006
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- Berger, J. The Success and Failure of Picasso, Penguin Books, 1965
- Robbins, D., Jean Metzinger: At the Center of Cubism, The University of Iowa Museum of Art, J. Paul Getty Trust, University of Washington Press, 1985
- Cooper, D., The Cubist Epoch, NY: Pantheon, 1971
Imágenes destacadas: Picasso – Bodegón con silla de caña, 1912 – Imagen vía pinterest.com; Juan Gris – La ventana abierta, 1917 – Imagen vía ibiblio.org; Picasso – Botella de Vieux Marc, vaso, guitarra y periódico, 1913 – Imagen vía tate.org.uk