Man skulle tro, at enhver skuespiller, der ønsker at bryde ind i filmbranchen, ville undgå at gå efter noget overdrevent ambitiøst første gang. Måske enkle kulisser, enkle historier, et par centrale karakterer – noget relativt risikofrit, der fungerer som et middel til at vise de filmiske talenter frem. Men når man er Woody Harrelson, gælder de regler ikke. Det gælder f.eks. for hans instruktørdebut Lost in London.
Ikke alene besluttede han sig for at filme den i et enkelt take og basere den på virkelige begivenheder fra hans liv, men den blev optaget live i realtid – hvilket betød, at en lille fuck up, en fejl, og Woodys allerførste film ville for altid være plettet.
Luckily Lost in London blev en succes – et sandt vidnesbyrd om Woodys talent både foran og bag kameraet. Hvis du, der gik glip af den, da den blev sendt sidste år, kan Lost in London nu ses på Digital HD og Hulu. Se dette klip:
Energien er håndgribelig. I stedet for at skubbe disse grænser, har Woody smadret dem i fragmenter. Spørgsmålet er: Har den fået dig til at tænke?
Måske har det at se et så ambitiøst projekt udført med finesse inspireret dig og fået dig til at tænke, at alt er muligt. Med en sådan overflod af indhold, der er tilgængeligt for os i den moderne tidsalder, er det en forudsætning for en filmskaber at skille sig ud og have en unik kant.
For at hjælpe dig med at få gang i tankekortet og den kreative saft til at flyde, er her en rangeret liste over ti andre eksperimentelle film, der skubbede disse grænser i samme retning som Lost in London. Inspirationen er overalt!
Boyhood (2014)
Richard Linklaters indie-drama om at blive voksen viser Mason Jr. (Ellar Coltrane) fra seks til atten år, mens han vokser op i Texas med skilsmisseforældre (Patricia Arquette & Ethan Hawke). Selv om vi ikke er store fans af selve filmen, synes vi, at Boyhood fortjener en omtale, da der ikke er nogen tvivl om, at Linklater har leveret et projekt, der var intet mindre end ambitiøst.
Produktionen er det, der gør denne film til noget særligt, udført i tolv år, så han virkelig kunne skabe en film om at blive voksen. Instruktøren skrev og udviklede historien på årsbasis og brugte de tidligere klip som inspiration til at forme og udforme fortællingen og karakterudviklingen, hvilket gjorde det muligt for ham at beholde de samme skuespillere gennem hele filmen uden at skulle bruge special effects eller makeup.
The One I Love (2014)
En romcom med et lækkert mørkt twist, The One I Love centrerer sig om et problemfyldt par (den ene halvdel spillet af Mark Duplass), da de ferierer til en smuk ferie, kun for de bizarre omstændigheder til yderligere at komplicere deres forhold.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) som den anden halvdel af parret er en kompleks og usædvanlig rolle, mens Duplass (Creep) er i topform. Men det, der virkelig løfter denne indiefilm, er det faktum, at dialogen er improviseret. I et interview med IndieWire forklarede Duplass den forskellige form for improvisation, som holdet brugte:
Det manuskript, vi brugte til denne film, er meget detaljeret, meget plottet – det er en 50-siders skitse …. Men der er ingen dialog skrevet, så hver eneste dialog i filmen er improviseret … Du er bare så organisk som muligt med dine motiver og scenens forløb og bruger overraskelser, så personen over for dig i scenen ikke bliver doven og hviler på sine hæle, så det forhåbentlig kan føles en smule mere spontant, end hvis det var indøvet.
Tangerine (2015)
Ikke alene blev Sean Bakers Tangerine (om en luder, der juleaftensdag river sig gennem Tinseltown på jagt efter den alfons, der knuste hendes hjerte) hyldet som en bedrift af LGBTQI-miljøet, men den blev også filmet udelukkende med en iPhone 5S for at imødekomme filmens lille budget. Baker fortalte The Verge, at han og hans team brugte tre forskellige iPhones, appen Filmic Pro til 8 dollars, en steadicam og nogle adapterobjektiver – og det er alt, folkens!
Skuespilleren James Ransone (Sinister) påpegede, at nøglen til optagelsen af filmen var at have et team, der var velbevandret i traditionel filmproduktion. “Du er stadig nødt til at vide, hvordan redigering fungerer. Ja, man kan lave en smuk film på et lille budget, men man skal kende 100 års filmkunst.”
Playtime (1967)
Den franske filmskaber Jacques Tati (Monsieur Hulots ferie) var et mesterværk, og produktionsomkostningerne for denne dristige komedie var så høje, at den skulle blive en stor succes, hvis den skulle dække det beløb, som Tati havde brugt for at gøre filmen økonomisk levedygtig. “Desværre blev filmen ikke en kommerciel succes, og Tati endte med at gå fallit, men filmen var virkelig en teknisk og kunstnerisk bedrift”, bemærkede Taste of Cinema.
Playtime, der er optaget i 70 mm og udformet med ekstremt vide optagelser, er bemærkelsesværdig for sin enorme kulisse, som Tati havde bygget specielt til filmen, samt for instruktørens karakteristiske brug af subtil, men kompleks visuel komedie og innovative lydeffekter.
“Kulisserne er omhyggeligt designet og udformet til de gags, hvor (hovedpersonen) Monsieur Hulots hærgen præsenteres, og imponerende orden og præcision. Der er ingen nærbilleder i filmen, kun perfekt komponerede og koreograferede viddebilleder.”
Unsane (2018)
Det er ikke overraskende, at filmskaberen Steven Soderbergh er med på listen, da han med sin spillefilmsdebut Sex, Lies and Videotape indvarslede en ny bølge af indiefilm og siden har skabt sig et ry som en af de mest dristige, uforudsigelige og spændende filmskabere, der findes.
En af Soderberghs mest bemærkelsesværdige bedrifter var hans nylige rejse ind i gysergenren med thrilleren Unsane. Ikke alene optog han det hele på en iPhone, men han lavede det også på kun to uger. På trods af de betydelige begrænsninger klarede Soderbergh det – filmen blev mødt med varme anmeldelser efter premieren på dette års Berlinale og viser, hvad nutidens hverdagsgadgets kan gøre for at flytte stilgrænserne på det store lærred.
The Holy Mountain (1973)
Alejandro Jodorowskys surrealistiske epos havde premiere to år efter El Topo, og i forhold til hans tidligere film er The Holy Mountain et langt mere ambitiøst og gennemført værk. Den er centreret om en magtfuld alkymist i en korrupt, grådig verden, der fører en Kristus-lignende figur og syv materialistiske figurer til det hellige bjerg, hvor de håber at opnå oplysning.
Det er en sindsoprivende rejse og noget af en bakke at bestige, når det gælder om at tyde dens mange symbolske budskaber, men hvad der står krystalklart er, at få filmskabere har været så engagerede som Jodorowsky i at levere groteske, surrealistiske, symbolske og hallucinerende billeder til at holde sit mesterværk oppe.
Mens de fleste mennesker ville forberede sig, før hovedoptagelserne begyndte, ved at sikre, at deres udstyr og hold var i orden, tilbragte forfatteren og hans kone en uge uden søvn under ledelse af en japansk zenmester.
De centrale skuespillere tilbragte ligeledes tre måneder med at udføre forskellige spirituelle øvelser under vejledning af Oscar Ichazo fra Arica Institute, og instruktøren gav også skuespillerne psilocybin-svampe under optagelserne af død- og genfødselsscenen.
Effekten af disse teknikker er håndgribelig, når man ser filmen, og kulminerer i en oplyst oplevelse, der føles helt ude af denne verden, både visuelt, narrativt og spirituelt. Som taglinen siger: “Intet i din uddannelse eller erfaring kan have forberedt dig på denne film.”
Irréversible (2002)
Auteur Gaspar Noés Irréversible er ambitiøs i sin eksperimenterende stil, der ofte forbindes med cinéma du corps (kroppens film), som angiveligt deler affiniteter med visse avantgardeproduktioner såsom en svækket brug af fortælling, overfaldende cinematografi, provokerende stof og en gennemgående følelse af social nihilisme.
Det er sikkert at sige, at Irréversible er udtryk for sådanne karakteristika. Noé eksperimenterede med kamerateknik, lyd og fortælling og vævede historien med et dusin ubrudte billeder, der blev smeltet sammen. En time af filmens spilletid var udstyret med en lavfrekvent lyd for at skabe en tilstand af kvalme og angst, og fortællingen anvender omvendt kronologi.
Som David Sterritt bemærkede i sin roman Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, er Irréversible ikke blot en historie fortalt baglæns, men et komplekst studie af tidens natur. “Dens instruktør er mindre interesseret i årsag og virkning end i selve tidens form.” I forbindelse med dette emne udtalte Noé selv: “Strukturen er helt sjov, og kameraarbejdet er fuld af energi, men i virkeligheden handler det om at miste en person, man elsker.”
I den dag i dag er Irréversible stadig en af de mest delte film nogensinde, men én ting, som de fleste kan blive enige om, er, at Noé ikke er bange for at arbejde uden for rammerne og forny sig med sine stilistiske teknikker.
Metropolis (1927)
At sige, at Fritz Langs Metropolis var forud for sin tid, ville være en underdrivelse – med en betydningsfuld historie om klassekamp i en dystopisk by anses Metropolis for at være den første science-fiction-film nogensinde.
Den stumme tyske ekspressionistiske fremtidsfilm inspirerer stadig billedkunstnere, instruktører, modekunstnere og scenografer den dag i dag, og den er stadig et virkelig vigtigt eksempel på AI på skærmen på grund af designet og biomekanikken bag robotten False Maria, som senere fik direkte indflydelse på designet af C3PO i Star Wars.
Lang udviklede en række udførlige special effects og scenografier, der spænder fra en enorm gotisk katedral til et futuristisk bybillede, og fyldte samtidig filmen med stilistiske påvirkninger, fra art deco over gotik til funktionalistisk modernisme.
Derimod støttede filmfotograferne Karl Freund (Dracula) og Gunther Rittau (Den evige tone) sig i høj grad på den tyske ekspressionismes teknikker for at optage filmen, og komponisten Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) lod sig inspirere af Richard Wagner og Richard Strauss for at skabe et unikt score sammensat med et stort orkester.
Ingen detalje i denne film blev ikke overvejet med minutiøs opmærksomhed på detaljerne, og derfor er den stadig en af de vigtigste film i science fiction-historien.
2001: A Space Odyssey (1968)
Stanley Kubricks mesterværk er måske 50 år gammelt, men det føles stadig lige så friskt nu, som det gjorde dengang. Denne film, der virkelig ændrede science fiction for altid, viste, at genren kunne og burde behandle tungere temaer om evolution, eksistens og kunstig intelligens.
Filmen er en “nonverbal” oplevelse – ud af to timer og nitten minutters film er der kun lidt under fyrre minutters dialog – og næst efter karakterudviklingen brugte Kubrick en obsessiv omhu til at bygge sine maskiner og opnå special effects.
Som Taste of Cinema udtrykte det: “Uanset om det er det legendariske snit mellem knoglen og rumskibene eller den interstellare rejse, brugte Kubrick hele filmens magt til at fortælle historien om ikke en enkelt karakter, men om hele menneskeheden.”