Du er allerede blevet introduceret til Claudio Monteverdi, hvis musik ligger på grænsen mellem senrenæssancen og den tidlige barok. Lad os nu udforske en af hans mest betydningsfulde kompositioner, L’Orfeo, den første opera, der betragtes som et mesterværk.
Indledning
L’Orfeo (SV 318), undertiden kaldet La favola d’Orfeo, er en tidlig barok favola in musica, eller opera (undertiden betragtet som senrenæssance), af Claudio Monteverdi, med en libretto af Alessandro Striggio. Den er baseret på den græske legende om Orfeus og fortæller historien om hans nedstigning til Hades og hans forgæves forsøg på at bringe sin døde brud Eurydike tilbage til den levende verden. Den blev skrevet i 1607 til en hofopførelse i forbindelse med det årlige karneval i Mantova. Selv om æren for den første opera nogensinde tilfalder Jacopo Peris Dafne, og den tidligste bevarede opera er Euridice (også af Peri), har L’Orfeo æren af at være den tidligste bevarede opera, der stadig regelmæssigt opføres i dag.
I begyndelsen af det 17. århundrede var den traditionelle intermedio – en musikalsk sekvens mellem akterne i et rent skuespil – ved at udvikle sig til et komplet musikdrama eller en “opera”. Monteverdis L’Orfeo flyttede denne proces ud af sin eksperimentelle æra og gav det første fuldt udviklede eksempel på den nye genre. Efter den første opførelse blev værket opført igen i Mantova og muligvis også i andre italienske centre i de næste par år. Partituret blev udgivet af Monteverdi i 1609 og igen i 1615. Efter komponistens død i 1643 blev operaen ikke opført i mange år og blev stort set glemt, indtil en genopblussen af interessen i slutningen af det nittende århundrede førte til en række moderne udgaver og opførelser. I første omgang var der en tendens til at være uscenesatte versioner i institutter og musikforeninger, men efter den første moderne dramatiserede opførelse i Paris i 1911 begyndte værket at blive vist stadig oftere på teatrene. Efter Anden Verdenskrig søgte de fleste nye udgaver at opnå autenticitet ved at anvende historiske instrumenter. Der blev udgivet mange indspilninger, og operaen blev i stigende grad opført på operahuse. I 2007 blev kvartårs-jubilæet for premieren fejret med opførelser over hele verden.
I sit udgivne partitur opregner Monteverdi omkring 41 instrumenter, der skal anvendes, med forskellige grupper af instrumenter, der bruges til at skildre bestemte scener og karakterer. Således repræsenterer strygere, cembalo og blokfløjter de pastorale marker i Thrakien med deres nymfer og hyrder, mens tunge messingblæsere illustrerer underverdenen og dens beboere. L’Orfeo er komponeret ved overgangen fra renæssancen til barokken og anvender alle de ressourcer, der dengang var kendt inden for musikkunsten, med en særlig dristig brug af polyfoni. Værket er ikke orkestreret som sådan; i renæssancetraditionen fulgte instrumentalisterne komponistens generelle instruktioner, men fik stor frihed til at improvisere. Dette adskiller Monteverdis værk fra den senere operakanon og gør hver opførelse af L’Orfeo til en unik og individuel begivenhed.
Historisk baggrund
Claudio Monteverdi, født i Cremona i 1567, var et musikalsk vidunderbarn, der studerede under Marc’Antonio Ingegneri, maestro di cappella (leder af musikken) ved domkirken i Cremona. Efter en uddannelse i sang, strygerspil og komposition arbejdede Monteverdi som musiker i Verona og Milano, indtil han i 1590 eller 1591 fik en stilling som assuonatore di vivuola (bratschist) ved hertug Vincenzo Gonzagas hof i Mantova. Gennem dygtighed og hårdt arbejde steg Monteverdi til at blive Gonzagas maestro della musica (musikmester) i 1601.
Figur 1. Hertug Vincenzo Gonzaga, Monteverdis arbejdsgiver i Mantova
Vincenzo Gonzagas særlige passion for musikteater og skuespil voksede fra hans familieforbindelser med hoffet i Firenze. Mod slutningen af det 16. århundrede udviklede innovative florentinske musikere intermedio’en – en længe etableret form for musikalsk intermezzo, der blev indsat mellem akterne i talte dramaer – til stadig mere udførlige former. Under ledelse af Jacopo Corsi var disse efterfølgere til den berømte Camerata ansvarlige for det første værk, der generelt blev anerkendt som tilhørende genren opera: Dafne, der blev komponeret af Corsi og Jacopo Peri og opført i Firenze i 1598. Dette værk kombinerede elementer af madrigalsang og monodi med dans og instrumentale passager for at danne en dramatisk helhed. Der findes kun fragmenter af musikken, men flere andre florentinske værker fra samme periode – Appresentatione di Anima, et di Corpo af Emilio de’ Cavalieri, Peris Euridice og Giulio Caccinis Euridice med samme titel – er bevaret i deres helhed. De to sidstnævnte værker var de første af mange musikalske gengivelser af Orfeus-myten, som den blev fortalt i Ovids Metamorfoser, og som sådan var de direkte forløbere for Monteverdis L’Orfeo.
Gonzaga-hoffet havde en lang tradition for at fremme dramatisk underholdning. Et århundrede før hertug Vincenzos tid havde hoffet opført Angelo Polizianos lyriske drama La favola di Orfeo, hvoraf mindst halvdelen blev sunget snarere end talt. For nylig, i 1598, havde Monteverdi hjulpet hoffets musikalske etablissement med at producere Giovanni Battista Guarinis skuespil Il pastor fido, som teaterhistorikeren Mark Ringer beskriver som et “skelsættende teaterværk”, der inspirerede den italienske begejstring for pastorale dramaer. Den 6. oktober 1600, da hertug Vincenzo var på besøg i Firenze i forbindelse med Maria de’ Medici’s bryllup med kong Henrik IV af Frankrig, overværede han en opførelse af Peris Euridice. Det er sandsynligt, at hans vigtigste musikere, herunder Monteverdi, også var til stede ved denne forestilling. Hertugen erkendte hurtigt det nye i denne nye form for dramatisk underholdning og dens potentiale til at give prestige til dem, der var villige til at sponsorere den.
Komposition
Da Monteverdi skrev musikken til L’Orfeo, havde han en grundig forankring i teatermusikken. Han havde været ansat ved hoffet i Gonzaga i 16 år, heraf en stor del som udøvende kunstner eller arrangør af scenemusik, og i 1604 havde han skrevet ballonen Gli amori di Diane ed Endimone til Mantua-karnevallet i 1604-05. De elementer, som Monteverdi konstruerede sit første operapartitur ud fra – arien, den strofiske sang, recitativ, kor, danse, dramatiske musikalske indslag – var, som dirigenten Nikolaus Harnoncourt har påpeget, ikke skabt af ham selv, men “han blandede hele lageret af nyeste og ældre muligheder til en enhed, der virkelig var ny”. Musikforskeren Robert Donington skriver på samme måde: “Det indeholder intet element, som ikke er baseret på et fortilfælde, men det når sin fulde modenhed i denne nyligt udviklede form. . . . Her er ord så direkte udtrykt i musikken, som de ønskede at få udtrykt; her er musikken, der udtrykker dem … med geniets fulde inspiration.”
Monteverdi angiver orkesterkravene i begyndelsen af sit udgivne partitur, men i overensstemmelse med datidens praksis angiver han ikke deres nøjagtige anvendelse. På den tid var det almindeligt at give hver enkelt fortolker af værket frihed til at træffe lokale beslutninger, baseret på de orkesterkræfter, han/hun havde til rådighed. Disse kunne være meget forskellige fra sted til sted. Desuden ville instrumentalisterne, som Harnoncourt påpeger, alle have været komponister og ville have forventet at samarbejde kreativt ved hver enkelt opførelse i stedet for at spille en fast tekst. En anden praksis på den tid var at give sangerne lov til at udsmykke deres arier. Monteverdi skrev både enkle og udsmykkede versioner af nogle arier, f.eks. Orfeos “Possente spirito”, men ifølge Harnoncourt “er det indlysende, at hvor han ikke skrev nogen udsmykninger, ønskede han ikke, at der blev sunget nogen.”
Hver akt i operaen omhandler et enkelt element af historien, og hver akt afsluttes med et kor. På trods af strukturen i fem akter med to sæt sceneskift er det sandsynligt, at L’Orfeo var i overensstemmelse med den standardpraksis for hofunderholdninger på den tid og blev spillet som en sammenhængende enhed uden pauser eller nedgang mellem akterne. Det var den samtidige skik, at sceneskift fandt sted i synet af publikum, og disse skift blev musikalsk afspejlet ved ændringer i instrumentation, toneart og stil.
Synopsis
Handlingen foregår på to kontrastfyldte steder: på markerne i Thrakien (akt 1, 2 og 5) og i Underverdenen (akt 3 og 4). En instrumental toccata (engelsk: tucket, hvilket betyder en blomstring på trompeter) går forud for indgangen af La musica, der repræsenterer “musikkens ånd”, som synger en prolog på fem versst strofer. Efter en elskværdig velkomst til publikum meddeler hun, at hun gennem søde toner kan “berolige ethvert uroligt hjerte”. Hun synger endnu en lovsang til musikkens kraft, inden hun introducerer dramaets hovedperson, Orfeo, som “holdt de vilde dyr tryllebundet med sin sang.”
Akt 1
Efter La musica’s sidste anmodning om stilhed går tæppet op for akt 1 og afslører en pastoralscene. Orfeo og Euridice træder ind sammen med et kor af nymfer og hyrder, der optræder som et græsk kor og kommenterer handlingen både som gruppe og som enkeltpersoner. En hyrde meddeler, at det er parrets bryllupsdag; koret svarer, først med en storslået bøn (“Kom, Hymen, o kom”) og derefter med en glædesdans (“Forlad bjergene, forlad kilderne”). Orfeo og Euridice synger om deres kærlighed til hinanden, inden de sammen med det meste af gruppen tager af sted til bryllupsceremonien i templet. De, der er tilbage på scenen, synger et kort kor og kommenterer, hvordan Orfeo tidligere var en, “for hvem suk var mad og gråd var drikke”, før kærligheden bragte ham til en tilstand af sublim lykke.
2. akt
Orfeo vender tilbage med hovedkoret og synger sammen med dem om naturens skønheder. Orfeo grubler derefter over sin tidligere ulykkelighed, men proklamerer: “Efter sorg er man mere tilfreds, efter smerte er man lykkeligere.” Den tilfredse stemning bliver brat afbrudt, da La messaggera kommer ind med nyheden om, at Euridice har fået et dødeligt slangebid, mens hun plukkede blomster. Koret udtrykker sin angst: “Ah, bitre hændelse, ah, ugudelige og grusomme skæbne!”, mens Messaggera skælder sig selv ud som den, der overbringer det dårlige budskab (“For evigt vil jeg flygte og i en ensom hule leve et liv i overensstemmelse med min sorg”). Orfeo, efter at have givet udtryk for sin sorg og vantro (“Du er død, mit liv, og jeg trækker vejret?”), erklærer han, at han agter at stige ned i Underverdenen og overtale dens hersker til at lade Euridice vende tilbage til livet. Ellers, siger han, “skal jeg blive hos dig i dødens selskab”. Han tager af sted, og koret genoptager sin klagesang.
3. akt
Orfeo bliver guidet af Speranza til Hades’ porte. Efter at have peget på de ord, der er indskrevet på porten (“Opgiv håbet, alle I, der går ind her”), går Speranza. Orfeo konfronteres nu med færgemanden Caronte, som taler hårdt til Orfeo og nægter at føre ham over Styx-floden. Orfeo forsøger at overtale Caronte ved at synge en smigrende sang til ham (“Mægtig ånd og mægtig guddommelighed”), men færgemanden er ubevægelig. Men da Orfeo tager sin lyre op og spiller, bliver Caronte beroliget og falder i søvn. Orfeo griber sin chance, stjæler færgemandens båd og krydser floden og går ind i Underverdenen, mens et kor af ånder reflekterer over, at naturen ikke kan forsvare sig mod mennesket: “Han har tæmmet havet med skrøbeligt træ og foragtet vindens raseri.”
4. akt
I Underverdenen beder Proserpina, dronning af Hades, som er blevet dybt berørt af Orfeos sang, kong Plutone, hendes mand, om at få Euridice løsladt. Plutone er rørt over hendes bønner og går med til det på betingelse af, at Orfeo ikke må se sig tilbage, mens han fører Euridice mod verden. Hvis han gør det, “vil et enkelt blik dømme ham til evigt tab”. Orfeo går ind, fører Euridice og synger selvsikkert, at han den dag vil hvile på sin hustrus hvide barm. Men mens han synger, sniger der sig en tone af tvivl ind: “Hvem vil forsikre mig om, at hun følger efter?” Måske har Plutone, drevet af misundelse, stillet denne betingelse af ondskab? Orfeo bliver pludselig distraheret af en tumult uden for scenen og ser sig omkring; straks begynder billedet af Euridice at forsvinde. Hun synger fortvivlet: “Fortaber du mig på grund af for megen kærlighed?” og forsvinder. Orfeo forsøger at følge efter hende, men bliver trukket væk af en usynlig kraft. Åndernes kor synger, at Orfeo, efter at have overvundet Hades, til gengæld blev overvundet af sine lidenskaber.
Akt 5
Tilbage på markerne i Thrakien har Orfeo en lang monolog, hvor han beklager sit tab, roser Euridices skønhed og beslutter sig for, at hans hjerte aldrig mere vil blive gennemboret af Amor’s pil. Et ekko uden for scenen gentager hans sidste sætninger. Pludselig stiger Apollon i en sky ned fra himlen og tugter ham: “Hvorfor giver du dig selv som offer for raseri og sorg?” Han opfordrer Orfeo til at forlade verden og slutte sig til ham i himlen, hvor han vil genkende Euridice’s billede i stjernerne. Orfeo svarer, at det ville være uværdigt ikke at følge en så klog faders råd, og sammen stiger de op. Et hyrdekor konkluderer, at “den, der sår i lidelse, skal høste frugten af enhver nåde”, inden operaen slutter med en kraftig moresca.
Original Libretto Ending
I Striggios libretto fra 1607 afbrydes Orfeos monolog i femte akt ikke af Apollos optræden, men af et kor af maenader eller Bacchantes – vilde, fordrukne kvinder – som synger om deres herres, guden Bacchus’, “guddommelige raseri”. Årsagen til deres vrede er Orfeo og hans afstandtagen fra kvinderne; han vil ikke undslippe deres himmelske vrede, og jo længere han undgår dem, jo hårdere bliver hans skæbne. Orfeo forlader scenen, og hans skæbne forbliver uvis, for Bacchanterne hengiver sig resten af operaen til vild sang og dans til ære for Bacchus. Claude Palisca, der er ekspert i tidlig musik, mener ikke, at de to slutninger er uforenelige; Orfeo undslipper Bacchantes raseri og bliver derefter reddet af Apollon.