Música 101

Ya has conocido a Claudio Monteverdi, cuya música está a caballo entre el Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Ahora vamos a explorar una de sus composiciones más significativas, L’Orfeo, la primera ópera considerada como una obra maestra.

Introducción

L’Orfeo (SV 318), a veces llamada La favola d’Orfeo, es una favola in musica, u ópera (a veces considerada del Renacimiento tardío), de principios del Barroco, de Claudio Monteverdi, con libreto de Alessandro Striggio. Se basa en la leyenda griega de Orfeo y cuenta la historia de su descenso al Hades y su infructuoso intento de devolver a su novia muerta Eurídice al mundo de los vivos. Fue escrita en 1607 para una representación en la corte durante el Carnaval anual de Mantua. Aunque el honor de la primera ópera de la historia corresponde a Dafne, de Jacopo Peri, y la ópera más antigua que se conserva es Eurídice (también de Peri), L’Orfeo tiene el honor de ser la ópera más antigua que se conserva y que se sigue representando con regularidad en la actualidad.

A principios del siglo XVII, el tradicional intermedio -una secuencia musical entre los actos de una obra teatral- estaba evolucionando hacia la forma de un drama musical completo u «ópera». L’Orfeo de Monteverdi sacó este proceso de su era experimental y proporcionó el primer ejemplo plenamente desarrollado del nuevo género. Tras su representación inicial, la obra se volvió a representar en Mantua, y posiblemente en otros centros italianos en los años siguientes. Su partitura fue publicada por Monteverdi en 1609 y de nuevo en 1615. Tras la muerte del compositor, en 1643, la ópera no se representó durante muchos años y cayó en el olvido hasta que, a finales del siglo XIX, un resurgimiento del interés dio lugar a una serie de ediciones y representaciones modernas. Al principio se trataba de versiones no escenificadas en institutos y sociedades musicales, pero tras la primera representación moderna dramatizada en París, en 1911, la obra empezó a verse cada vez con más frecuencia en los teatros. Después de la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de las nuevas ediciones buscaban la autenticidad mediante el uso de instrumentos de época. Se publicaron muchas grabaciones y la ópera se representó cada vez más en los teatros de ópera. En 2007 se celebró el cuarto centenario del estreno con representaciones en todo el mundo.

En su partitura publicada, Monteverdi enumera unos 41 instrumentos que se utilizarán, con distintos grupos de instrumentos utilizados para representar escenas y personajes concretos. Así, las cuerdas, los clavecines y las flautas de pico representan los campos pastorales de Tracia con sus ninfas y pastores, mientras que los metales pesados ilustran el inframundo y sus habitantes. Compuesto en el momento de transición de la era renacentista a la barroca, L’Orfeo emplea todos los recursos entonces conocidos en el arte de la música, con un uso particularmente audaz de la polifonía. La obra no está orquestada como tal; en la tradición renacentista, los instrumentistas seguían las instrucciones generales del compositor, pero tenían una gran libertad para improvisar. Esto separa la obra de Monteverdi del canon operístico posterior, y hace que cada interpretación de L’Orfeo sea una ocasión única e individual.

Antecedentes históricos

Claudio Monteverdi, nacido en Cremona en 1567, fue un prodigio musical que estudió con Marc’Antonio Ingegneri, el maestro di cappella (jefe de música) de la catedral de Cremona. Tras formarse en el canto, la cuerda y la composición, Monteverdi trabajó como músico en Verona y Milán hasta que, en 1590 o 1591, consiguió un puesto de assuonatore di vivuola (músico de viola) en la corte del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua. Gracias a su habilidad y trabajo, Monteverdi llegó a ser el maestro de música de Gonzaga en 1601.

La particular pasión de Vincenzo Gonzaga por el teatro musical y el espectáculo surgió de sus conexiones familiares con la corte de Florencia. Hacia finales del siglo XVI, los innovadores músicos florentinos estaban desarrollando el intermedio -una forma de interludio musical establecida desde hacía tiempo que se insertaba entre los actos de los dramas hablados- en formas cada vez más elaboradas. Dirigidos por Jacopo Corsi, estos sucesores de la renombrada Camerata fueron responsables de la primera obra generalmente reconocida como perteneciente al género de la ópera: Dafne, compuesta por Corsi y Jacopo Peri y representada en Florencia en 1598. Esta obra combinaba elementos de canto madrigal y monodia con danza y pasajes instrumentales para formar un conjunto dramático. Sólo existen fragmentos de su música, pero otras obras florentinas de la misma época -Rappresentatione di Anima, et di Corpo de Emilio de’ Cavalieri, Euridice de Peri y Euridice de Giulio Caccini, de idéntico título- sobreviven completas. Estas dos últimas obras fueron las primeras de las muchas representaciones musicales del mito de Orfeo relatado en las Metamorfosis de Ovidio, y como tales fueron precursoras directas de L’Orfeo de Monteverdi.

La corte de los Gonzaga tenía una larga historia de promoción del entretenimiento dramático. Un siglo antes de la época del duque Vincenzo, la corte había puesto en escena el drama lírico de Angelo Poliziano La favola di Orfeo, al menos la mitad del cual era cantado en lugar de hablado. Más recientemente, en 1598, Monteverdi había ayudado a los músicos de la corte a producir la obra de Giovanni Battista Guarini Il pastor fido, descrita por el historiador teatral Mark Ringer como una «obra teatral decisiva» que inspiró la moda italiana del drama pastoral. El 6 de octubre de 1600, durante su visita a Florencia con motivo de la boda de María de Médicis con el rey Enrique IV de Francia, el duque Vincenzo asistió a una representación de Eurídice de Peri. Es probable que sus principales músicos, entre ellos Monteverdi, también estuvieran presentes en esta representación. El Duque reconoció rápidamente la novedad de esta nueva forma de entretenimiento dramático, y su potencial para aportar prestigio a aquellos dispuestos a patrocinarla.

Composición

Cuando Monteverdi escribió la música para L’Orfeo tenía una profunda formación en música teatral. Había estado empleado en la corte de los Gonzaga durante 16 años, gran parte de ellos como intérprete o arreglista de música escénica, y en 1604 había escrito el ballo Gli amori di Diane ed Endimone para el Carnaval de Mantua de 1604-05. Los elementos a partir de los cuales Monteverdi construyó su primera partitura de ópera -el aria, el canto estrófico, los recitativos, los coros, las danzas, los interludios musicales dramáticos- no fueron, como ha señalado el director de orquesta Nikolaus Harnoncourt, creados por él, sino que «mezcló todo el acervo de posibilidades más nuevas y más antiguas en una unidad que era realmente nueva». El musicólogo Robert Donington escribe algo parecido: «no contiene ningún elemento que no esté basado en un precedente, pero alcanza su completa madurez en esa forma recientemente desarrollada. . . . Aquí están las palabras tan directamente expresadas en la música como se quería que se expresaran; aquí está la música expresándolas… con la plena inspiración del genio»

Monteverdi declara los requisitos orquestales al principio de su partitura publicada, pero de acuerdo con la práctica de la época no especifica su uso exacto. En aquella época era habitual dejar a cada intérprete de la obra libertad para tomar decisiones locales, en función de las fuerzas orquestales de que disponía. Éstas podían diferir mucho de un lugar a otro. Además, como señala Harnoncourt, los instrumentistas habrían sido todos compositores y habrían esperado colaborar creativamente en cada interpretación, en lugar de tocar un texto establecido. Otra práctica de la época era permitir a los cantantes embellecer sus arias. Monteverdi escribió versiones sencillas y embellecidas de algunas arias, como el «Possente spirito» de Orfeo, pero según Harnoncourt «es obvio que donde no escribió ningún adorno no quería que se cantara».

Cada acto de la ópera trata de un solo elemento de la historia, y cada uno termina con un coro. A pesar de la estructura de cinco actos, con dos series de cambios de escena, es probable que L’Orfeo se ajustara a la práctica habitual de los espectáculos de la corte de la época y se representara como una entidad continua, sin intervalos ni bajadas de telón entre actos. La costumbre contemporánea era que los cambios de escena tuvieran lugar a la vista del público, y que estos cambios se reflejaran musicalmente mediante cambios de instrumentación, tonalidad y estilo.

Sinopsis

La acción se desarrolla en dos lugares contrastados: los campos de Tracia (actos 1, 2 y 5) y el inframundo (actos 3 y 4). Una tocata instrumental (en inglés: tucket, que significa una floritura de trompetas) precede a la entrada de La musica, que representa el «espíritu de la música», y que canta un prólogo de cinco estrofas de versos. Tras una amable bienvenida al público, anuncia que puede, a través de dulces sonidos, «calmar todo corazón atribulado». Canta otro canto al poder de la música, antes de presentar al protagonista principal del drama, Orfeo, que «mantuvo a las bestias salvajes hechizadas con su canto».

Acto 1

Tras la petición final de silencio de La musica, se levanta el telón del acto 1 para mostrar una escena pastoral. Orfeo y Eurídice entran junto a un coro de ninfas y pastores, que actúan a la manera de un coro griego, comentando la acción tanto en grupo como individualmente. Un pastor anuncia que es el día de las bodas de la pareja; el coro responde, primero con una invocación majestuosa («Ven, Himeneo, ven») y luego con una danza alegre («Deja las montañas, deja las fuentes»). Orfeo y Eurídice cantan su amor mutuo antes de marcharse con la mayor parte del grupo a la ceremonia nupcial en el templo. Los que quedan en el escenario cantan un breve coro, comentando cómo Orfeo solía ser uno «para quien los suspiros eran alimento y el llanto era bebida» antes de que el amor lo llevara a un estado de felicidad sublime.

Acto 2

Orfeo regresa con el coro principal, y canta con ellos las bellezas de la naturaleza. Orfeo entonces reflexiona sobre su anterior infelicidad, pero proclama: «Después de la pena uno está más contento, después del dolor uno es más feliz». El estado de ánimo de satisfacción se acaba bruscamente cuando entra La messaggera, trayendo la noticia de que, mientras recogía flores, Eurídice ha recibido una mordedura mortal de serpiente. El coro expresa su angustia: «¡Ah, amargo suceso, ah, impío y cruel destino!», mientras la Messaggera se castiga a sí misma como portadora de malas noticias («Para siempre huiré, y en una caverna solitaria llevaré una vida acorde con mi dolor»). Orfeo, tras desahogar su dolor e incredulidad («Estás muerto, vida mía, ¿y yo respiro?»), declara su intención de descender a los infiernos y persuadir a su gobernante para que permita a Eurídice volver a la vida. De lo contrario, dice, «permaneceré contigo en compañía de la muerte». Se marcha, y el coro reanuda su lamento.

Acto 3

Orfeo es guiado por Speranza hasta las puertas del Hades. Tras señalar las palabras inscritas en la puerta («Abandonad la esperanza, todos los que entréis aquí»), Speranza se marcha. Orfeo se enfrenta ahora al barquero Caronte, que se dirige a Orfeo con dureza y se niega a llevarle al otro lado del río Estigia. Orfeo intenta persuadir a Caronte cantándole una canción halagadora («Poderoso espíritu y poderosa divinidad»), pero el barquero no se inmuta. Sin embargo, cuando Orfeo coge su lira y toca, Caronte se queda dormido. Aprovechando su oportunidad, Orfeo roba la barca del barquero y cruza el río, entrando en el Inframundo mientras un coro de espíritus reflexiona que la naturaleza no puede defenderse del hombre: «Ha domado el mar con frágil madera, y ha despreciado la furia de los vientos».

Acto 4

En el Inframundo, Proserpina, reina de Hades, que ha quedado profundamente afectada por el canto de Orfeo, pide al rey Plutone, su marido, la liberación de Eurídice. Conmovido por sus súplicas, Plutone accede con la condición de que, mientras conduce a Eurídice hacia el mundo, Orfeo no debe mirar atrás. Si lo hace, «una sola mirada lo condenará a la pérdida eterna». Orfeo entra, guiando a Euridice y cantando con confianza que ese día descansará en el blanco pecho de su esposa. Pero mientras canta una nota de duda se cuela: «¿Quién me asegurará que ella me sigue?» ¿Quizás Plutone, movido por la envidia, ha impuesto la condición por despecho? De repente, distraído por una conmoción fuera del escenario, Orfeo mira a su alrededor; inmediatamente, la imagen de Eurídice comienza a desvanecerse. Ella canta, desesperada: «¿Me pierdes por exceso de amor?» y desaparece. Orfeo intenta seguirla, pero es arrastrado por una fuerza invisible. El coro de espíritus canta que Orfeo, habiendo vencido a Hades, fue a su vez vencido por sus pasiones.

Acto 5

De vuelta en los campos de Tracia, Orfeo tiene un largo soliloquio en el que lamenta su pérdida, alaba la belleza de Eurídice y resuelve que su corazón nunca más será atravesado por la flecha de Cupido. Un eco fuera de escena repite sus últimas frases. De repente, en una nube, Apolo desciende de los cielos y lo reprende: «¿Por qué te entregas como presa de la rabia y el dolor?» Invita a Orfeo a dejar el mundo y unirse a él en los cielos, donde reconocerá la semejanza de Eurídice en las estrellas. Orfeo responde que sería indigno no seguir el consejo de un padre tan sabio, y juntos ascienden. Un coro de pastores concluye que «quien siembra en el sufrimiento recogerá el fruto de toda gracia», antes de que la ópera termine con una vigorosa moresca.

Final del libreto original

En el libreto de Striggio de 1607, el soliloquio del acto 5 de Orfeo es interrumpido, no por la aparición de Apolo, sino por un coro de ménades o bacantes -mujeres salvajes y borrachas- que cantan la «furia divina» de su amo, el dios Baco. La causa de su ira es Orfeo y su renuncia a las mujeres; no escapará a su cólera celestial, y cuanto más las eluda, más grave será su destino. Orfeo abandona la escena y su destino es incierto, ya que las Bacantes se dedican durante el resto de la ópera a cantar y bailar salvajemente en alabanza de Baco. La autoridad en música antigua Claude Palisca cree que los dos finales no son incompatibles; Orfeo se evade de la furia de las Bacantes y luego es rescatado por Apolo.