Se podría pensar que cualquier actor que quiera introducirse en el mundo del cine evitaría apostar por algo demasiado ambicioso la primera vez. Tal vez escenarios sencillos, historias simples, unos pocos personajes centrales… algo relativamente libre de riesgos que sirva de vehículo para mostrar esos talentos cinematográficos. Sin embargo, cuando uno es Woody Harrelson las reglas no se aplican. Un ejemplo: su debut como director, Perdidos en Londres.
No sólo decidió filmar la película en una sola toma y basarla en hechos reales de su vida, sino que se rodó en directo y en tiempo real, lo que significa que cualquier pequeña cagada, cualquier error, y la primera película de Woody quedaría empañada para siempre.
Por suerte, Lost in London fue un éxito, un verdadero testimonio del talento de Woody tanto delante como detrás de la cámara. Si te la perdiste cuando se emitió el año pasado, Perdidos en Londres ya está disponible para verla en Digital HD y Hulu. Mira este clip:
La energía es palpable. En lugar de ampliar los límites, Woody los ha hecho añicos. La pregunta es: ¿te ha hecho pensar?
Quizás ver un proyecto tan ambicioso llevado a cabo con delicadeza te ha inspirado y te ha hecho pensar que todo es posible. Con la abundancia de contenidos que tenemos a nuestra disposición en la era moderna, es un requisito indispensable para que un cineasta destaque y tenga una ventaja única.
Para ayudarte a poner en marcha esos mapas mentales y a que fluyan los jugos creativos, aquí tienes una lista clasificada de otras diez películas experimentales que superaron esos límites en la misma línea que Perdidos en Londres. La inspiración está en todas partes.
Boyhood (2014)
El drama indie de Richard Linklater presenta la infancia y adolescencia de Mason Jr. (Ellar Coltrane) desde los seis hasta los dieciocho años mientras crece en Texas con padres divorciados (Patricia Arquette &Ethan Hawke). Aunque no somos grandes fans de la película en sí, creemos que Boyhood merece una mención, ya que no se puede negar que Linklater entregó un proyecto nada menos que ambicioso.
La producción es lo que hace que esta película sea especial, llevada a cabo durante doce años para que pudiera crear realmente una película sobre el crecimiento. El director escribió y desarrolló la historia anualmente, utilizando los clips anteriores como inspiración para dar forma y elaborar la narrativa y el desarrollo de los personajes, lo que le permitió mantener a los mismos actores a lo largo de toda la película sin tener que utilizar efectos especiales o maquillaje.
The One I Love (2014)
Una comedia romántica con un giro deliciosamente oscuro, The One I Love se centra en una pareja con problemas (una de las mitades interpretada por Mark Duplass) mientras se van de vacaciones a una hermosa escapada, solo para que las extrañas circunstancias compliquen aún más su relación.
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) como la otra mitad de la pareja es un papel complejo e inusual, mientras que Duplass (Creep) está en plena forma. Pero lo que realmente eleva esta película indie es el hecho de que los diálogos fueron improvisados. En una entrevista con IndieWire, Duplass explicó el tipo de improvisación que utilizó el equipo:
El guión que utilizamos para esta película está muy detallado, muy trazado -es un esquema de 50 páginas…-. Pero no hay diálogos escritos, así que todos los diálogos de la película son improvisados… Simplemente eres lo más orgánico posible con tus motivaciones y la trayectoria de la escena, y utilizas las sorpresas para que la persona que está enfrente de ti en la escena no sea perezosa y se apoye en sus talones, para que pueda parecer, con suerte, un poco más espontánea que si estuviera ensayada.
Tangerine (2015)
Tangerine, de Sean Baker (sobre una prostituta que recorre Tinseltown en vísperas de Navidad en busca del proxeneta que le rompió el corazón), no solo fue aclamada como una hazaña por la comunidad LGBTQI, sino que además se rodó únicamente con un iPhone 5S para adaptarse al escaso presupuesto de la película. Baker dijo a The Verge que él y su equipo utilizaron tres iPhones diferentes, la aplicación de 8 dólares Filmic Pro, una Steadicam y algunas lentes adaptadoras, ¡y eso es todo, amigos!
El actor James Ransone (Sinister) señaló que la clave para rodar la película fue contar con un equipo bien versado en la realización de películas tradicionales. «Todavía hay que saber cómo funciona el montaje. Sí, se puede hacer una película bonita con un presupuesto mínimo, pero hay que conocer cien años de cine».
Playtime (1967)
Obra maestra del cineasta francés Jacques Tati (Las vacaciones de Monsieur Hulot), los costes de producción de esta atrevida comedia eran tan elevados que necesitaba ser un gran éxito si quería cubrir la cantidad que Tati había desembolsado para que la película fuera viable económicamente. «Desgraciadamente, la película no fue un éxito comercial y Tati acabó en la bancarrota, pero la película fue realmente un logro técnico y artístico», señaló Taste of Cinema.
Registrada en 70 mm y elaborada con planos extremadamente amplios, Playtime destaca por el enorme decorado que Tati hizo construir especialmente para la película, así como por el uso característico del director de una comedia visual sutil pero compleja y de innovadores efectos de sonido.
«Los decorados están cuidadosamente diseñados y elaborados para los gags en los que se presentan los estragos de (el personaje principal) Monsieur Hulot, con un orden y una precisión impresionantes. No hay primeros planos en la película, solo planos amplios perfectamente compuestos y coreografiados.»
Unsane (2018)
No es de extrañar que el cineasta Steven Soderbergh haya entrado en la lista, ya que es uno de los que inauguró una nueva ola de cine indie con su debut en el largometraje Sexo, mentiras y cintas de vídeo y desde entonces se ha ganado la reputación de ser uno de los cineastas más atrevidos, imprevisibles y emocionantes que existen.
Una de las hazañas más notables de Soderbergh ha sido su reciente incursión en el género de terror con el thriller Unsane. No sólo lo rodó todo con un iPhone, sino que lo hizo en sólo dos semanas. A pesar de las importantes restricciones, Soderbergh lo consiguió: la película fue recibida con buenas críticas tras su estreno en la Berlinale de este año, demostrando lo que los artilugios cotidianos de hoy en día pueden hacer para superar los límites del estilo en la gran pantalla.
La Montaña Sagrada (1973)
La epopeya surrealista de Alejandro Jodorowsky se estrenó dos años después de El Topo y, en comparación con su anterior película, La Montaña Sagrada es una obra mucho más ambiciosa y completa. Se centra en un poderoso alquimista en un mundo corrupto y lleno de codicia que conduce a un personaje con aspecto de Cristo y a siete figuras materialistas a la Montaña Sagrada, donde esperan alcanzar la iluminación.
Es un viaje alucinante y toda una colina para descifrar sus numerosos mensajes simbólicos, pero lo que está clarísimo es que pocos cineastas se han comprometido tanto como Jodorowsky a suministrar imágenes grotescas, surrealistas, simbólicas y alucinantes para sostener su obra maestra.
Mientras que la mayoría de la gente se prepararía antes de empezar la fotografía principal asegurándose de que su equipo y su material estuvieran a punto, el autor y su mujer pasaron una semana sin dormir bajo la dirección de un maestro zen japonés.
Los miembros del reparto central pasaron igualmente tres meses realizando diversos ejercicios espirituales guiados por Óscar Ichazo, del Instituto Arica, y el director también administró setas de psilocibina a los actores durante el rodaje de la escena de la muerte y el parto.
El efecto de las técnicas es palpable al ver la película, culminando para crear una experiencia iluminada que se siente fuera de este mundo, visualmente, narrativamente y espiritualmente. Como dice el eslogan, «Nada en tu educación o experiencia puede haberte preparado para esta película.»
Irréversible (2002)
Irréversible, del autor Gaspar Noé, es ambiciosa en su estilo experimental, a menudo asociado con el cinéma du corps (cine del cuerpo), que supuestamente comparte afinidades con ciertas producciones de vanguardia, como un uso atenuado de la narrativa, una cinematografía asaltante, un material temático provocativo y un sentido omnipresente de nihilismo social.
Se puede decir que Irréversible encarna esas características. Noé experimentó con las técnicas de cámara, el sonido y la narrativa, tejiendo la historia con una docena de planos ininterrumpidos fundidos entre sí. Una hora de la duración de la película se caracteriza por un sonido de baja frecuencia para crear un estado de náusea y ansiedad, y la narración utiliza la cronología inversa.
Como señaló David Sterritt en su novela Guiltless Pleasures: A David Sterritt Film Reader, Irréversible no es simplemente una historia contada al revés, sino un complejo estudio sobre la naturaleza del tiempo. «Su director está menos interesado en la causa y el efecto que en la forma del propio tiempo». A este respecto, el propio Noé declaró: «La estructura es toda ella divertida y el trabajo de cámara está lleno de energía, pero en realidad trata de la pérdida de un ser querido.»
A día de hoy, Irréversible sigue siendo una de las películas más controvertidas de la historia, pero algo en lo que la mayoría puede estar de acuerdo es en que Noé no tiene miedo de trabajar fuera de lo establecido e innovar con sus técnicas estilísticas.
Metrópolis (1927)
Decir que Metrópolis, de Fritz Lang, se adelantó a su tiempo sería quedarse corto: con una importante historia sobre la guerra de clases en una ciudad distópica, Metrópolis está considerada como la primera película de ciencia ficción de la historia.
Aún hoy inspira a artistas visuales, directores, artistas de la moda y escenógrafos, la película muda y expresionista alemana del futuro sigue siendo un ejemplo esencial de la IA en pantalla debido al diseño y la biomecánica del robot Falso María, que llegó a influir directamente en el diseño de C3PO en Star Wars.
Lang desarrolló una serie de elaborados efectos especiales y diseños de decorados, que van desde una enorme catedral gótica hasta un paisaje urbano futurista, a la vez que llenaba la película de influencias estilísticas, desde el Art Decó hasta el gótico y el modernismo funcionalista.
Mientras tanto, los directores de fotografía Karl Freund (Drácula) y Gunther Rittau (El tono eterno) se basaron en gran medida en las técnicas del expresionismo alemán para rodar la película, y el compositor Gottfried Huppertz (Die Nibelungen: Siegfried) se inspiró en Richard Wagner y Richard Strauss para crear una partitura única, elaborada con una gran orquesta.
No hay un solo detalle de esta película que no haya sido considerado con meticulosa atención, por lo que sigue siendo una de las películas más importantes de la historia de la ciencia-ficción.
2001: Una odisea del espacio (1968)
La obra maestra de Stanley Kubrick puede tener 50 años, pero sigue pareciendo tan fresca ahora como entonces. Una película que realmente cambió la cara de la ciencia ficción para siempre, el autor demostró que el género podía y debía tratar temas más pesados sobre la evolución, la existencia y la inteligencia artificial.
La película es una experiencia «no verbal» -de dos horas y diecinueve minutos de película, sólo hay algo menos de cuarenta minutos de diálogo- y, en segundo lugar, además del desarrollo de los personajes, Kubrick utilizó un cuidado obsesivo para construir sus máquinas y conseguir efectos especiales.
Como dijo Taste of Cinema: «Ya sea el legendario corte entre el hueso y las naves espaciales o el viaje interestelar, Kubrick utilizó todo el poder del cine para contar la historia no de un solo personaje, sino de toda la humanidad».