Un interludio, en su definición más básica, es «un periodo, espacio o evento intermedio o de interrupción». Técnicamente hablando, un interludio pretende interrumpir, llamar la atención o proporcionar algo más en lo que centrarse. Los álbumes suelen juzgarse por su cohesión y fluidez, por lo bien que se complementa cada canción con el conjunto del álbum en el contexto de su lista de temas específica. Entonces, ¿dónde entra en juego la decisión de incluir un interludio? Algunos interludios famosos son «Frosti» de Björk, «Yoncé» de Beyoncé, que introduce el éxito «Partition», y «Wavy» de SZA, del aclamado CTRL. Los interludios están lejos de restringirse a un género, y a menudo plantean preguntas interesantes sobre la forma en que un oyente va a interactuar con la pieza musical.
Frank Ocean’s Blonde fue el mejor lanzamiento de 2016, con el interludio de carga maternal «Be Yourself», que conecta el ambiente inmortal de «Pink + White» con el desafío de dar y recibir de «Solo». La suave resignación de «Pink + White» se interrumpe rápidamente con: «Muchos universitarios han ido a la universidad y se han enganchado a las drogas, la marihuana y el alcohol. Escucha. Deja de intentar ser otra persona». Es un mensaje de voz de 1:27 de una madre aparentemente prepotente, que de repente pasa de: «Soy mamá. Llámame. Adiós» a: «Pásame una toalla que estoy bailando sucio yo solo / Se me han ido las pestañas de ese ácido / Forma un círculo, mira mi jagger / Podría perder mi chaqueta y hacer un solo». Después de que le digan que «sea usted mismo» a través de la abstinencia, Ocean responde naturalmente golpeando solos con la ayuda del ácido y la marihuana. Se pregunta cómo ser uno mismo, cómo existir de verdad por su cuenta sin sentirse solo, sin la ayuda de la sustancia: «Inhala, en el infierno está el cielo», canturrea, encontrando una sensación de paraíso a través del THC en un estado de soledad que de otro modo sería infernal. Sin la severa advertencia del mensaje de voz, los oyentes perderían ese sentido de responsabilidad hacia uno mismo que Ocean transmite con tanto cuidado y suavidad. Sus dulces notas se sienten más suaves (y más tristes) por la dureza que las precede.
Otra artista de R&B en la línea de Ocean es Solange Knowles, cuyo magistral A Seat at the Table presenta una serie de ocho interludios separados. El primero de ellos, «Interlude: The Glory is in You», enlaza la premonitoria «Weary» con la desesperación de «Cranes in the Sky». El interludio dura sólo 18 segundos y cuestiona el lugar que ocupa la paz en nuestro mundo. A diferencia del mensaje de voz de Ocean, el primer interludio de Knowles es sólo una pequeña fracción del conjunto, tan diminuta que podría pasarse por alto fácilmente durante una escucha casual. Pero este pequeño fragmento introduce un tema tangible entre la poesía de las canciones que lo cierran: «Pero mientras encuentres la paz en lo que haces, tienes éxito, y eso es lo que la gente no se da cuenta. Verás, tienes que hacer cosas hasta que puedas dormir por la noche. Porque la gloria está, está en ti». El interludio, al describir la necesidad de paz, da al oyente una idea de lo que es «eso» en «Cranes in the Sky»: la persistente y perfusiva agresión que sufren las minorías, un tema que va ganando capas a medida que avanza el álbum. Mientras que el interludio de Ocean sirve de complemento a la discreta soledad de Blonde, el de Knowles funciona junto con su música para expresar el dolor del racismo.
Ahora se plantea la cuestión del papel de los interludios instrumentales, los que no tienen mensajes discernibles para el oyente. El titán del metalcore Underoath presenta este tipo de interludios en sus dos álbumes más aclamados. El primero, They Were Only Chasing Safety, presenta «The Blue Note», que divide el álbum por la mitad con un instrumental jazzístico y ambiental, que interrumpe por completo la feroz energía de la precedente «Reinventing Your Exit» y cae con un «Tres, dos, uno…» en la descomposición masiva de «It’s Dangerous Business Walking Out Your Front Door». Lo que se gana con esta caída en picado de un interludio no es sólo una forma de transición de una mitad a la siguiente, sino que permite respirar a un álbum que, de otro modo, sería asfixiante. El metalcore no es necesariamente conocido por su accesibilidad, y Underoath fueron pioneros en la generalización del género con el lanzamiento de este disco en 2004. El segundo álbum, Define the Great Line, incluye «Salarmnir», de nuevo un tema mayoritariamente ambiental, pero que en esta ocasión incluye un salmo leído en ruso, acompañado de un aplauso entusiasta que resuena en el fondo. Una vez más, Underoath reconoció los méritos de añadir espacio para respirar en un álbum repleto de voces ásperas y breakdowns intensos, esta vez condimentando la fórmula con sentimientos épicos y religiosos. No conocidos por su sutileza, Underoath atrae a sus fans a la tormenta de su música con un tentador interludio que inmediatamente deja caer el suelo bajo el oyente con un silencio antes de «Returning Empty Handed».»
Esta lista podría seguir literalmente para siempre, retrocediendo en la historia y tal vez incluso la música de la Edad Media (lo que requeriría mucha más investigación de la que soy capaz), pero por ahora, el interludio moderno acentúa la poesía de la música y permite un respiro de la intensidad o un momento de reflexión sobre temas poderosos. A medida que la música ha ido evolucionando, también lo ha hecho el peso que puede llevar, y, aunque a menudo de pequeño tamaño en el mundo actual, un interludio ingenioso puede proporcionar la cantidad justa de respiro para acentuar perfectamente un álbum y las pistas que lo rodean.